Caquepolis

Mis Favoritas 2011

2011-12-31T14:07:00.000-08:00

Como todos los años, la lista no se limita a las películas que se estrenaron durante los últimos 12 meses, incluyo una buena porción de películas más antiguas que por una u otra razón no pude ver en su momento. Entonces, no son las mejores, ni las más recientes, si no mis favoritas. Con ustedes, las películas que hicieron que recuperara mi fe en el cine durante el 2011...

Never Let Me Go (2010) de Mark Romanek
En el futuro, los seres humanos son clonados y criados con el sólo propósito de donar órganos para sus originales. Poco importan los sentimientos de un grupo de pedazos de carne. Ciencia ficción con emociones, sin cursilerias. Tremenda.

Animal Kingdom (2010)
La abuelita de nuestras pesadillas es el centro de esta familia de gangsters australianos. Brutal y cruda como la naturaleza.

C.R.A.Z.Y (2005)
E.X.C.E.L.E.N.T.E. Una de las mejores películas que he visto sobre la familia y la relación entre hermanos. Sexo, drogas y rock n' roll, con un estilo visual muy dinámico. Divierte y emociona.

In a Better World (2010)
Esta se ganó el oscar a mejor pelicula no gringa este año. Aunque pienso que no era la mejor del grupo, tiene muchísimos méritos por hablarnos de la violencia y lo atados que estamos todos a ella.

The King of Kong: A Fistfull of Quarters (2007)
El patetismo hecho documental. Cuenta la historia de dos jugadores de maquinitas que atraviesan por el pináculo de sus vidas en un absurdo campeonato de Donkey Kong. Bestial.

Midnight in Paris (2011) de Woody Allen
Soy fan de Woody, pero reconozco que últimamente no se puede confiar ciegamente en él. Esta película fue una grata, divertida y emotiva sorpresa. Woody en estado puro, con un tema tan simple y universal, que da rabia no haberlo pensado antes.

Incendies (2011)
Esto es una obra maestra. No digo más, véanla. Los dramaturgos de la antigua Grecia le tendrían envidia.

También la Lluvia (2011)
Un grupo de cineastas trata de hacer una película sobre la conquista, en el proceso, se dan cuenta que no tienen ni idea de lo que están haciendo. Recuerda a Fitzcarraldo. Aunque se queda corta en su ambición, entrega momentos de oro puro.

Jane Eyre (2011) de Cary Fukunaga
Una historia clásica de amor y misterio, contada de forma impecable por el mismo director de Sin Nombre. Impecable.

Trick r' Treat (2006)
Cinco historias de terror entretenido y divertido. Una joyita.

Submarine (2011)
Mi favorita del 2011 hasta ahora. La música de Alex Turner, la dirección, las actuaciones y la historia, hacen de esta película una mezcla entre El Graduado y Rushmore que quiero volver a ver cuanto antes.

Arthur Christmas (2011)
No sólo Pixar hace obras maestras animdas, la gente de Aardman le sigue los pasos desde hace rato con sus joyas en stop motion. Esta vez, el estudio usa técnicas digitales, pero no por eso pierden la magia y el gozo de esta historia navideña que nos revela las intrigas familiares de la monarquía Claus. Un clásico inmediato.

Bronson (2008) de Nicholas Windn Refn
No he visto Drive aún, pero si se acerca a esta genialidad, estoy frente a uno de mis nuevos directores favoritos.

El Rumor de las Piedras vs. el prejuicio

2011-10-01T14:15:00.000-07:00

La segunda película de Alejandro Bellame es la elegida por el gremio cinematográfico venezolano para intentar colarse entre las 5 candidatas al Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera, arrasó en el festival de cine de Mérida y ahora se arroja a las salas buscando derribar etiquetas.

No es primera vez que el director representa a Venezuela con una película. Hace tres años, su ópera prima El Tinte de la Fama, ya había gozado del mismo honor y acumuló una cantidad importante de galardones y buenas críticas. Sin embargo, esta vez se suman a las expectativas lógicas previas al estreno, una buena dosis de incertidumbre sobre cómo irá a recibir el público su película. ¿La Razón? Las reacciones y comentarios que obtiene el trailer de la cinta en la red.

“Otra película de malandros más, ¿Hasta cuando? Más de lo mismo. ¿Cuándo llegará un director venezolano que se atreva a hacer algo diferente?”

Supérenlo. Ceder al prejuicio con el cine de barrio y malandros, es entrar en contradicción con el hecho de que las películas más taquilleras del cine venezolano son precisamente en ese contexto y de que, nos guste o no, el malandreo y la relación del ciudadano común con la violencia es quizá el tema venezolano por excelencia. No por nada La Hora Cero y Secuestro Express, siguen estando entre las películas más taquilleras de nuestra historia, obviando excepciones como Er Conde Jones.

Bellame no busca valerse de esta temática para usarla como ardid taquillero, por el contrario, su cinta cuenta con emociones que la alejan del tratamiento de las cintas mencionadas y la acercan a algo más parecido al Hermano de Marcel Rasquín.

“Yo creo que si bien es cierto que es una película de barrio y hay malandros, es una película diferente. Empezando por el punto de vista, aquí se habla de esa problemática pero desde el punto de vista de las madres. Eso ya es una gran diferencia, El Rumor de las Piedras, es un alegato en contra de la violencia, contado a través de personajes que están a merced de ella.” Cuenta el director.

En la cinta, Delia (una impecable Rossana Fernández), sobreviviente junto a su familia de la tragedia de Vargas, trabaja y lucha de sol a sol por reconstruir su vida lejos del barrio y así salvar a sus hijos, William de 17 años y Santiago de 10, de sucumbir ante la violencia y miseria que los rodea. Sus esperanzas están depositadas en la obtención de una vivienda popular, que debería obtener pronto gracias a la palanca del novio de una amiga. Sin embargo, su verdadera salvación está en el amor y afecto de los suyos, más que en cualquier otra parte.

¿Quién no conoce gente cercana a la que la violencia ha hecho cosas atroces? ¿Vas a negarlo? ¿Evadirlo? No hablar de las cosas o voltear la mirada no significa que no existan. Aceptamos la violencia extranjera en las películas de gangsters y asesinos en serie, pero nos cuesta aceptar la nuestra. Por eso sigue siendo lugar común que ciertos sectores del público se quejen pidiendo más cintas sobre los bellos paisajes que tenemos en Venezuela.

“No me interesa hacer un cine complaciente de paisajes merideños, pajaritos y cosas bonitas. A mí ni el Salto Ángel, ni los médanos de Coro, me inspiran ningún conflicto humano.” Comenta Bellame. “Creo que la belleza está en la humanidad de los personajes. En la forma en que se mueve el amor, la solidaridad, el compromiso, la dignidad, en medio de un contexto adverso y violento. ¿Has pensado en la belleza de nuestras madres dentro de los barrios de nuestro país, que tienen que sacar adelante a sus hijos en medio de ambientes degradados por la violencia y la delincuencia? Ellas son unas heroínas y fue en la belleza de esas madres que pensé al inspirarme para escribir esta película.”

Si vas a ver la película dispuesto a escuchar lo que allí se dice, te aseguro que saldrás con ojos llorosos y ganas de salir corriendo a darle un abrazo a tu mamá.

En el guión, escrito a cuatro manos con Valentina Zaá, se colaron recuerdos y experiencias a las que el venezolano común está sometido en cuanto a la violencia, propia y ajena, lo que se lee o ve en los medios de información, los cuentos de personas cercanas, todo. Pero hubo un hecho especial con la señora que ayuda a Alejandro Bellame con la limpieza de su casa, que terminó por impulsar la escritura de la historia.

“A ella le mataron a su hijo en Petare y una semana después mataron al hijo de la señora que trabaja en el apartamento de arriba. Creo que eso fue un elemento que disparó mi necesidad de escribir de todo esto. ¿Cómo hace una madre con tantas necesidades, con hijos varones, en contextos tan duros como estos, para además trabajar y salir adelante? Sentí que las que logran sacar una familia adelante son realmente unas heroínas y las que no lo logran también.”

Otro detalle que sorprende al ver El Rumor de las Piedras, es encontrarse con cuestionamientos claros sobre una de las grandes problemáticas del país, el tema vivienda. Prácticamente resignado desde hace un tiempo a ver un cine venezolano mucho más inofensivo y en algunos casos, panfletario, se agradece toparse con voces dispuestas a retomar con bolas la denuncia y el señalamiento.

“Para mí, ese tema forma parte del mismo paisaje de la pobreza.” Cuenta Bellame. “Pensé que podía ser un elemento que jugara en contra de la obra a la hora de conseguir algún tipo de financiamiento de algún ente oficial, pero yo primero le hago caso a mi conciencia y creo que lo que uno no negocia nunca son los principios y la dignidad. Si para mi era importante incluir ese elemento, nunca me importaron las consecuencias. Yo no hago películas complacientes, no me interesa complacer a nadie más allá de mi propia conciencia y tal vez el espectador. Lo que trato es que el espectador se confronte con una realidad. Y la verdad, en ningún momento ha sido, hasta ahora, un problema.”

“¿Si antes se criticaba a las instituciones del estado y al poder, por qué no ahora? Si se hizo en un tiempo político distinto un Amaneció de Golpe, un Disparen a Matar, Soy un Delincuente y otro montón de películas contestatarias, cuestionadoras del sistema ¿Por qué no hoy? Si el estado venezolano las apoyaba y financiaba, supongo que otro estado que se dice democrático también debe darles esa posibilidad. Un gobierno que se llame democrático tiene que estar abierto a la crítica, al cuestionamiento. Ahora pregunto, ¿Tu crees que la ausencia de ese cine, que se atreva a criticar al gobierno o al sistema, se deba a que la mayoría de los cineastas piensan que no están en una democracia y por eso no se atrevan a hacerlo? ¿Autocensura?”

“Yo creo que el papel del artista y el cineasta es tomar de su entorno lo que hay y cuestionarlo, la complacencia tal vez de mejores frutos económicos, pero a mi no me interesa.”
Completan el elenco de la cinta Christian González, Juan Carlos Nuñez, Zapata 666, Verónica Arellano, Alberto Alifa, Laureano Olivarez, Arlette Torres y Aminta de Lara.

"Er Conde Jones" Trailer

2011-06-30T16:15:00.000-07:00

Es increíble la cantidad de gente que recuerda las "Conde Aventuras"(1994) que transmitía Venevisión con una nostalgia extraña. Hablan de la serie como si se tratara de la era dorada de la televisión. Para mí no lo era. Aunque si la comparamos con lo que se hace hoy, no queda ni mal parada. Las "Conde Aventuras" fueron parte de una época donde se tomaban ciertos riesgos a la hora de producir, o que carajo, al menos se producía algo en nuestra maltrecha pantalla. La serie salió del aire por los altos costos que implicaba grabar en exteriores un episodio completo de "Tor Gun", "CondeCop", "Conde Bond", etc.

Pues bien, luego de más de 10 años desde el surgimiento de la idea de llevar la serie al cine, de pasar por las manos de varios productores (incluyendo el director de "La Hora Cero", Diego Velasco) y de haberse rodado con equipo minímo en varios países, parece que finalmente llegará este año alas salas de cine venezolanas "Er Conde Jones", la primera película de Er Conde der Guácharo. Desde los tiempos de las comedias de Joselo no se veía algo así en el cine venezolano. Aparentemente, distribuirá Blancica. La espero con ansias...

Reverón: Desmontando el Mito

2011-06-06T07:30:00.000-07:00

De Reverón se ha escrito y dicho mucho. Y sin embargo, para una gran cantidad de venezolanos, su nombre sigue siendo poco más que una sonoridad. A la mayoría les suena, pero realmente no saben quién es. Si preguntas en la calle, de seguro te encontrarás con gente que reconoce al pintor, al loquito de Macuto, al tipo de la barba y el sombrero que hace poco cumplió 122 años, pero poco más. Si le preguntas al cineasta Diego Rísquez, te dirá que hay mucho más que ver detrás de la barba.

“Nuestra historia formal ha olvidado a personajes como él y creo que mi película ayuda a entender mejor al hombre detrás del mito, siento que la gente lo va a querer investigar más después de verla. Cuando hice Manuela Sáenz (2001), ella era sólo un nombre sin rostro para muchos venezolanos y Beatriz Valdés, luego de mi película, se convirtió en ese rostro para las masas, allí redescubrieron un personaje. Creo que el arquetipo de Reverón se va a desmontar con esta película.”
Aunque no soy fan de los trabajos previos de Rísquez, reconozco que es uno de los pocos cineastas venezolanos cuyo estilo es reconocible en la pantalla. Su pasado (y presente) como director de arte, fanático de la pintura y de la historia, se siente plenamente en cada una de sus cintas, por tanto, no puedo imaginar un mejor director para llevar a Reverón a la pantalla que él.

Esta es una de esas situaciones en las que director y material son perfectos el uno para el otro. No es la primera vez que Rísquez dedica un filme al pintor venezolano más famoso del mundo, ya en 1978 rodó A Propósito de la Luz Tropical y en 1994, Karibe con Tempo, además de obras plásticas donde se revela como todo un “groupie” del artista.

“Me enamoré de su capacidad de crear un universo propio y aislarse en él, allí en su refugio, El Castillete. De eso y de su relación con Juanita, una relación nada convencional; su formación con los grandes, su período blanco… Por primera vez en el continente se pone un artista a la orilla del Caribe y llega a una antítesis de lo que se creía era el colorido caribeño: El blanco domina todos los colores. Es algo que sólo percibe el que ha vivido ahí. Todo es visualmente muy interesante.

Y realmente lo es. Cezary Jaworsky se luce en la dirección de fotografía, hay vida, color y blanco, algo muy distinto a lo que ha ofrecido en trabajos anteriores. Y aunque el Diego se la fuma bien en algunas secuencias, dado su estilo y la naturaleza del material, esperaba que se la fumara aún más. Su vuelo fue comedido y no rompe con el tono de la narración a pesar de que pudo haberlo hecho. Siento que Reverón es su mejor película hasta la fecha.

Para Rísquez, plantearse una película biográfica sobre un personaje que realmente existió, implica buscar todo sobre ese personaje. Vio “pa’ tras y pa’ lante”, en cámara lenta, cámara rápida y cuadro por cuadro los documentales de Margot Benacerraf (1952), Roberto Luca (1945) y Edgar Anzola (1934); Detalló las fotografías de Boulton y Razzeti; Tripeó con el libro Los Fantasmas y Demonios de Armando Reverón de Calzadilla, leyó la entrevista que le hizo Oscar Yánez antes de su muerte y encima de toda esa investigación, le puso el toque Rísquez. “Tampoco la película pretende ser una biografía, no soy historiador. Hay libertad creativa pues me interesa que hayan varios niveles de lectura, el primario, para la gran mayoría del público y otro, con un poco más de guiños para el que sabe y ha leído de Reverón.”

No eres historiador y sin embargo, tus tres últimas películas han sido sobre personajes históricos venezolanos. No eres el único, el "biopic" y la épica venezolana han gozado de cierta popularidad los últimos años, ¿A qué crees que se debe esto?
- Desde el 99, cuando llega Chávez al poder, hay como una vuelta al siglo XIX. Si hay una constante en mi filmografía, es que en todas mis películas estoy buscando una identidad del país, una inquietud de buscar en nuestro pasado para entender nuestro presente. Quiero que nuestra filmografía hable de nosotros y si alguien ha sido pionero en visitar cinematográficamente el siglo XIX, he sido yo.

Sus próximos proyectos puede que tampoco se distancien mucho del tema. Luego de Reverón, Rísquez planea abarcar el tema de la resistencia indígena pero como una ópera.

Castillete en Todasana

Las películas de Diego Rísquez siempre han estado ligadas a las artes plásticas y él mismo dice haber sustituido el pincel por la cámara. Algunos recordarán aquel cameo que realizó en su Francisco de Miranda, donde pintaba in situ el famoso cuadro de la firma del acta de independencia mientras Luis Chataing y Tareck William Saab hacían cola para firmarla. Tan kistch como suena, es innegable que Rísquez ha sido constante con su estilo cinematográfico, firmemente ligado a su faceta de director de arte. Podemos imaginar que se dió vida levantando este proyecto.

Luego de la tragedia de Vargas en el 99, El Castillete de Reverón quedó totalmente destruido. Diego Rísquez, con dinero de su propio bolsillo, tardó dos años en levantar una réplica en Todasana, que al ser visitado por la cineatsa Margot Benacerraf, que vivió en el Castillete original, dijo: “No es el castillete, pero en atmósfera, se siente como si lo fuera”.

Luigi Sciamanna, El Hombre Detrás de la Barba y el Pumpá

En los 70 y 80, era difícil encontrar una cinta donde no estuvieran Miguel Ángel Landa y Orlando Urdaneta. En ese entonces, ellos eran las superestrellas del cine venezolano. Hoy ese título recaería sobre Edgar Ramírez, Erich Wildpret y muy de cerca, repuntando de manera constante, un actor cuyo trabajo no pasa desapercibido. Luigi Sciamanna, quien se ha hecho un nombre a cuenta de una gran cantidad de papeles secundarios que se roban el show y el protagonismo en obras de teatro y el telefilm Sucre, donde interpretó al mismísimo Gran Mariscal.

A pesar del pelero facial que siempre ha caracterizado a Reverón, sonaba extraño imaginarlo siendo interpretado por un actor calvo. Rísquez tenía sus dudas, pero no fue hasta que lo vio actuando con barba en la obra de teatro Los Productores, que quedó convencido de que podía meterse en la chiva de este mítico personaje.

“Luigi es renacentista, es capaz de todo. Canta y escribe obras de teatro. Además ya había hecho un gran papel en mi Francisco de Miranda.” Cuenta Rísquez, “Él tiene unos rasgos físicos tan característicos, que nunca le dan un rol protagónico, pero es un gran actor. No se parece en nada a Reverón, es calvo, nariz aguileña, ojos de otro color, pero conseguimos una gran maquilladora española. Luigi hasta escribió parte del guión, de ahora en adelante tendremos una relación Scorsese/De Niro.”

Para Luigi, la experiencia significó un viaje por vías paralelas entre las demandas físicas y las demandas intelectuales y emocionales del personaje. “Abordas el personaje con la decisión de quien se lanza al mar desde un acantilado. Reverón es un viaje hacia el laberinto, la profundidad, la sombra, la enfermedad, el amor, el dolor, la creatividad, la luz, la religión, el mito, la familia, la naturaleza, la amistad, la locura. Muy intenso, muy intenso. Tanto física como espiritual, emocional y psicológicamente. El intercambio con Diego Rísquez, Sheila Monterola, el equipo técnico, mis colegas actores Diana Volpe, Héctor Manrique, Antonio Delli, Adrian Delgado, Anabela Troconis, Mirtha Borges, Luís Fernández, Prakriti Maduro. Los sonidos de la naturaleza; el mar, el sudor; la disciplina del trabajo; la camaradería; la vegetación; la gente de Todasana (...) Cuando abordas el personaje en el set lo llevas a otra dimensión.”

Tus aportes a la escritura del guión, ¿Fueron hechos de forma conjunta con el guionista Armando Coll o consistió en aportes posteriores a su entrega final?

-Recibí el personaje en el 2009 y no fue sino hasta Marzo 2010 cuando por sugerencia de Marialejandra Yépez, asistente de dirección y script, que Diego se decidió a que participara como co-guionista. El trabajo lo hice a solas. La primera etapa de escritura corresponde a Armando Coll y Diego; la segunda me corresponde y Diego siempre supervisando. La mayor parte del trabajo consistió en reestructurar al personaje central, ahondar en su relación con Juanita, los amigos que lo frecuentan y agregar algunos personajes que en la primera versión no existían. La estructura escrita por Coll tiene la virtud de estar basada en las acciones más que en el diálogo, incorporó la radio como referente del "afuera" y esbozaba un Reverón más silente que parlante y ante todo ejecutante. Muy valioso. Cuando entré como guionista el trabajo se hizo bajo enorme presión por el poco tiempo. Llegó un momento en que estaba desesperado por dejar de ser guionista y volver a ser actor porque, aunque parezca una enorme contradicción, para escribir debí distanciarme del personaje, para verlo desde afuera y proyectarlo dentro de su espacio, sus amigos, el entorno. Además de que no me gusta escribir bajo presión; me causó bastante angustia, pero reconozco que fue un ejercicio maravilloso, que me permitió desde la hoja escrita blindar al personaje.

También Reverón te ha permitido mostrar tus dotes de cantante…
- Cantar el tema de amor de Reverón es algo que ni en mis sueños más delirantes habría podido imaginar. Todo fue producto de la presión. En el lugar donde se escucha ahora la canción Niña Dulce iba otro tema, pero los derechos de la disquera para usarlo no terminaban de salir. Fue entonces a Alejandro Blanco Uribe, compositor de la música de la película, a quien se le ocurre la idea de ponerme a cantar; En una semana agarré unos viejos intentos de poesía que tengo guardados y combinándolos con las imágenes de la película escribí la letra de la canción (…) Me gustaría cantar más. Creo que soy un buen crooner. En efecto mi repertorio es el jazz. Lo creas o no (Risas).

¿El mayor reto de esta producción para ti?
- Interpretar a Reverón, co escribir, componer, cantar...¿Qué más quieres? Me faltó sólo interpretar a Pancho, el mono de Reverón.

Reverón es sin lugar a dudas la mejor película que hasta ahora ha hecho Diego Rísquez. Gran parte de su éxito, recae en la inmensa actuación de Luigi, quien logra fácilmente que nos olvidemos del actor y nos creamos al personaje. Y sí, hablo de personaje porque difícilmente alguien pueda descifrar con exactitud al verdadero Armando Reverón y a su Juanita. He oído comentarios negativos de expertos en arte y pintura, quejándose de la veracidad de ciertos hechos y personalidades. Sus comentarios son tan válidos, como esta visión romántica que ofrece Rísquez en su película. Al final, como cuento, siento que funciona.

Los compañeros de elenco de Sciamanna son un poco más irregulares, siendo Luis Fernández y Antonio Delli los puntos más flojos. Aún así, el balance sigue siendo positivo. Personalmente, sentí que la narración es algo dispersa, pero escenas como la de la entrevista con Oscar Yánez o la pelea con Boulton son tan sólidas, que no me quedó ninguna duda de que estaba viendo una de las mejores películas venezolanas del año.

Cortos Interruptus: Tal Cual

2011-06-03T07:33:00.000-07:00

Sigo corriendo detrás de los estrenos nacionales, cada vez más cerca de alcanzarlos. Hoy cumple dos semanas en cartelera esta necesaria e interesante propuesta que enmarcada bajo la iniciativa "Cine en Corto" de la casa productora/agencia de contenidos Los Otros Group, pretende brindar anualmente un espacio en las salas comerciales para el género/formato más negreado de la cinematografía venezolana: El cortometraje.

Y digo negreado porque a pesar de que se sigue financiando y produciendo, es bien difícil seguirle la pista. No debería haber una, sino varias citas anuales para poder acceder al trabajo de los nuevos (¿Y por qué no viejos?) realizadores que tienen algo breve (no necesariamente pequeño) que contar. En ese sentido, desde aquí seguimos aplaudiendo las iniciativas del Festival de Cortos Chorts y apuestas como la realizada por Cines Unidos durante el pase por salas de SubHysteria, donde la cinta compartió pantalla con el corto Jesús TV.

Las 5 historias que conforman Cortos Interruptus no guardan ningún tipo de relación entre sí, ni siquiera tienen una conección temática. Lo que sí comparten, es que ya todas han sido estrenadas con anterioridad y han tenido su espacio en la agenda mediática venezolana. Todas han ganado premios nacionales e internacionales, pero a pesar de ello, su alcance ha sido limitado. Como en la unión está la fuerza, el empaque de esta antología les está brindando la oportunidad de tener un chance en salas de todo el país y hasta de tener un retornito económico, cosa que el cortometraje por si solo no suele generar.

Aunque la idea me parece un palo, el resultado final tiene cosas cuestionables que trascienden la calidad de los cortos en sí. Lo primero que destaca de la cinta es su increíble poster, diseñado por la gente de Meollo Criollo y que sirve de base para una secuencia animada de créditos iniciales que impacta. Punto a favor que se pierde en el momento en que el cortometraje "Tuya" de Ivan Mazza se presenta con subtítulos en inglés.

Entiendo el costo que implica tener una copia en cine de un cortometraje, pero sentí que la suma de detalles como estos son los que terminan por ensuciar el todo de una cinta, que por lo "interruptus" de las transiciones entre un corto y otro, se siente un poco ensamblada a los coñazos.

Luego de la historia de suspenso de "Tuya", pasamos a la comedia con un golpe de audio y un cuadro a negro. Arranca "Todo lo que Sube" de Miguel Ferrari. Si no había presupuesto para realizar transiciones con el mismo recurso de los créditos iniciales, hubiera sido preferible un limpio fundido a negro, que tal vez hubiera podido también salvar los segundos iniciales de todos los cortos que siguen y dotarlos de una presentación para que la gente supiera qué corto estaba viendo.

"Colmillo" de Albi De Abreu le da un toque agridulce a la muestra, para luego dar paso al grotesco fresco de ciencia ficción venezolana "La Uva" de Alejandra Henao, uno de mis favoritos. Concluye el Cortos Interruptus el divertido "Jesús TV" de Gastón Goldman y Héctor Orbegoso que en este, su cuarto o quinto "estreno", sigue metiéndose al público en el bolsillo y cierra en alto la antología.
A pesar de los detalles, Cortos Interruptus es una película que se disfruta y nunca aburre. En una sola sentada tienes suspenso, drama, comedia y ciencia ficción, además del ya mencionado raro chance de disfrutar de propuestas novedosas de la mano de los operaprimistas de mañana. Ojalá el proyecto se mantenga y perfeccione en las próximas entregas. Way to go!

Samuel: El Fenómeno Andino

2011-05-28T12:39:00.000-07:00

Los merideños siempre han estado en otra nota. Lo de ellos es otro ritmo, otra sensibilidad, otro estilo y también un setting muy fecuente y casi único, la montaña y sus habitantes. No sé si es cosa del padrino de la promoción, Alberto Arvelo, pero todo lo que viene de allá se siente tallado con la misma herramienta. Y ojo, no lo digo como algo malo, sólo que sería fino que de vez en cuando nos sorprendieran con una historia que hable más del andino venezolano distanciándose un pelo del campesino y los paisajes que lo rodean.

Con algo de tardanza he visto Samuel, ópera prima del portugueseño (que no es lo mismo que portugueisinho) César Lucena, egresado Magna Cum Laude de la Escuela de Medios Audiovisuales de la Universidad de Los Andes (2007), donde actualmente se desempeña como profesor de Dramaturgia, Guión y Adaptación. Su película me ha dejado con sentimientos encontrados.

Samuel es algo así como el Fenómeno de John Travolta pero en los andes venezolanos. El protagonista vive en un recóndito lugar entre las montañas y un día descubre que posee un misterioso don para sanar a los enfermos; Atormentado por rezones que se diluyen un poco a lo largo del metraje, el don de Samuel se convierte en su cruz.

La premisa me encanta, en principio porque es uno de los pocos acercamientos del cine nacional al tema sobrenatural. La verdad, recuerdo muy pocos, ameritaría un post más adelante. A vuelo de pájaro, los últimos que recuerdo son La Virgen Negra y Carpión Milagrero.

El guión es del propio Lucena y según su nota de prensa, cobran en él vida personajes basados en experiencias previas del realizador.

“La película de alguna manera refleja partes de la historia que yo viví con mi papá cuando era niño”, comenta Lucena, quien además recrea en su relato algunos elementos inspirados en el vidente estadounidense Edgar Cayce. “Cayce descubrió que tenía el don de diagnosticar y tratar a los enfermos estando él bajo hipnosis. Pero no se trataba de hechicería ni de nada sobrenatural. Me llamó la atención la historia y me pregunté cómo sería si esto le ocurriera a una persona renuente a ayudar a los demás”.

Buena idea y muy buena puesta en escena. Luego de Habana, Havana (2004) la cinta es la segunda apuesta del movimiento Cine Átomo creado por Arvelo, que busca producir un séptimo arte simple con la limitada utilización de recursos técnicos y gran fuerza de sus historias. La dirección es muy sobria y austera, suficientemente eficiente para centrarse en la historia y los actores, otro punto a favor de la cinta.

Luego del barranco de Muerte en Alto Contraste, Erich Wildpret se luce con este complejo personaje muy bien interpretado. El resto del elenco también está muy bien, especialmente Ananda Troconis, quien interpreta a su esposa Alma y es uno de los rostros más bellos que he visto en la pantalla venezolana.

El otro actor que destaca es el cubano Manuel Porto, quien da vida a ‘Montoya’, un excéntrico curandero que le revelará a Samuel varias claves para entender y aplicar su don. Bien interpretado, aunque con poca tela de donde cortar, está Carlos Julio Molina (Trece) como ‘Baudilio’, en un papel que honestamente no pinta nada dentro de la historia. También hay un pequeño cameo de Marisa Román que me sacó de concentración por lo innecesario. Personalmete, me hubiera gustado ver ese pequeño rol interpretado por un desconocido.

Samuel está magníficamente realizada desde el punto de vista técnico, la historia tiene muchísimo potencial, entra en terrenos poco communes, está bien actuada, bien dirigida, pero al final me resultó bastante aburrida. Es sumamente lenta y honestamente, siento que no ofrece nada demasiado original. Sin embargo, así como tiene secuencias y personajes que sobran, tiene otras tantas muy efectivas. Siento que Lucena tiene talento y espero con ansias su próxima película.

El Último Cuerpo: Tras la Crónica Roja Zuliana

2011-05-16T02:12:00.000-07:00

El asesinato de un travesti en la ciudad de Maracaibo despierta en el periodista Heriberto Camargo (William Goite) una sed de investigación por la verdad, que como suele ocurrir en este tipo de historias, le revelará una red de conexiones más intrincada y peligrosa de lo que jamás imaginó. En ella entran en juego un sicario V.I.P (Jean Paul Leroux), un comisario mala sangre (Miguel Ferrari) y un periodista novato (Guillermo García), que junto a otros personajes, moverán los motores de la tercera y mejor lograda película del cineasta venezolano Carlos Malavé hasta la fecha.

Ojo, la película está lejos de ser perfecta, pero sí se siente un crecimiento en la forma de narrar del cineasta y en su manera de engranar al elenco. Para mí, el gancho está en el origen del material. El ÚLTIMO CUERPO es una combinación de sucesos y personajes reales de la crónica roja Marabina, pero lo suficientemente bien Manoseada y con suficiente salsa como para convertirla en una entrañable historia policial, tal como le gustan al director.

“El Sr. Heberto Camacho fue un periodista real de sucesos de Maracaibo. Yo lo que hice fue tomar la esencia del señor Camacho como profesional y lo junté con mi idealización del personaje. Así nació CAMARGO que es el protagonista. Lamentablemente Camacho murió antes de que yo entrara al proyecto y por razones todavía oscuras para mi, sólo puede tener acceso a la familia después de haber terminado la película. Gracias a Dios, ellos ya la vieron y les encantó.”

El proyecto comenzó con un guión de Edwing Salas y Dámaso Jiménez, que luego Malavé reescribió y convirtió en la versión que finalmente llegó a la pantalla. Yo pude ver la película un par de meses antes de su estreno. Completan el elenco de la cinta Mercedes Brito, Jesús Cervó, Matilda Corral, José Roberto Díaz, Sócrates Serrano, Vicente Peña, Guillermo Londoño, Guillermo Canache y Jackson Gutiérrez.

¿Por qué trabajar con actores caraqueños haciendo de Zulianos y no con actores de la región? El tema de los acentos pudo ser riesgoso...

“Hay muchos motivos. El principal, es que yo estoy acostumbrado a trabajar con un elenco casi fijo, que me da seguridad y que además son grandes amigos. En cada película se incorporan nuevos actores dependiendo de los personajes, es mi forma de trabajar. Igual, siempre he dicho que en Venezuela somos demasiado destructivos con nuestro talento. En Estado Unidos alguien que nació en New York puede hacer de texano y ganar un Oscar, en España alguien nacido en Madrid o al Norte hace de Andaluz y nadie dice nada. En la película también hay actores de la región en papeles secundarios.”

En ese sentido, William Goite y Miguel Ferrari se roban el show. Aunque los acentos me descolocaron los primeros 5 minutos, pronto comencé a disfrutar de este par que literalmente, sostiene la película sobre sus hombros. Aunque hay lugares comunes en la manera en que están escritos los personajes y en ciertos localismos, los actores no desentonan y Goite hace de Camargo un personaje memorable.

Pepa de Sol

Aunque la participación de actores locales fue reducida, sí hubo cierta participación de equipo técnico local para sortear la complejidad de una cinta que se extendió por más de 50 días de rodaje repartidos entre Caracas y Maracaibo.

“!La experiencia de rodar en Zulia fue Durísima! Lo hicimos en pleno verano del 2010 con recortes de luz, llegábamos de rodar 12 horas y no tenías agua ni luz, ¡No podías bañarte ni comer! Y siempre rodar en otras ciudades es muy costoso y la logística se complica, una experiencia para nada agradable.” Comenta Malavé.

“Además del Calor y el tema de no rodar en tu ciudad, las locaciones, se caían a cada rato, mucha gente no respetaba los tratos o no querían firmar acuerdos, entonces cuando llegabas a filmar no respondían. Un día luego de filmar una escena con un camioneta 4x4, se la llevaron a echar gasolina y se la robaron en plena bomba. Otro día rodamos en el Mercado de Las Pulgas y tuvimos que hacerlo con miles de personas viendo hacia la cámara y comerciantes molestos porque interrumpíamos sus ventas y varios delincuentes detrás de nosotros. Nada fácil. Por razones presupuestarias tuvimos que parar un mes y Jean Paul, Miguel Ferrari y Mercedes Britto tuvieron que volver a sus respectivos países de residencia. Guillermo García empezó en una novela y volver a cuadrar todo el plan de rodaje fue una odisea. De las particularmente difíciles, pues hubo una secuencia en un platanal que dura como 3 minutos en pantalla, pero que tomó 4 días de rodaje dispersados entre Abril y Junio del 2010, la empezamos 45 personas y la terminamos 12. Y otra escena donde los planos de uno de los actores son en Maracaibo y los de los otros actores se rodaron en Caracas, todo un reto a nivel de puesta en escena.”

“Si no Filmo, No Como”

Mientras algunos cineastas siguen dando retoques a sus “obras maestras” y otros pelean por sacar adelante proyectos en larga gestación, Carlos Malavé ya está listo para estrenar su tercera película (la segunda en menos de 9 meses luego de Las Caras del Diablo) y lo hace al tiempo que inicia el rodaje del remake de Azotes de Barrio en Petare.

El hombre no para. Y aunque tal ritmo de trabajo se siente atípico en un medio tan adverso como el del cine nacional, las razones de su productividad residen en la más simple de las respuestas:

“Mi meta es vivir del cine y la única manera de hacerlo es producir constantemente. A veces es muy duro porque económicamente se tarda en ver los frutos. Hay gente que a veces me crítica por hacer un cine comercial y yo prefiero venderme al público que venderme a determinada marca de zapatos o de comida.”

Sin embargo, siempre existe el dilema de calidad vs. cantidad. La mayor parte de las críticas a tus películas anteriores, Por un Polvo y Las Caras del Diablo, se afincaron en la pobreza técnica más que en sus historias. Hay quien dice que prefiere una película bien hecha, que 3 hechas con poco acabado, ¿Tú que piensas?

“Hay películas Venezolanas que han tardado muchos años en estrenarse con excelente fotografía y dirección de arte que no han llegado a ningún lado, ni al público ni a festivales. Creo que esto no tiene que ver con Cantidad o Calidad sino con las historias que contamos y como se involucra el público con sus personajes. (…) En ese sentido, creo que la gente que vaya a ver El Último Cuerpo se encontrará con un personaje muy entrañable que los mantendrá entretenidos por dos horas.”

A pesar de que la versión que vi no era la definitiva, lo certifico. El Último Cuerpo sigue teniendo ese "Toque Malavé" que tanto se ha criticado en sus filmes anteriores en materia de arte y fotografía, pero ciertamente, esta es su película más entretenida y "redonda", en gran parte gracias a un personaje carismático, muy arraigado a un tiempo y espacio del imaginario criollo que teníamos rato sin ver en la pantalla.

Una de Trailers

2011-04-08T08:11:00.001-07:00

Siempre he cuestionado la calidad de los trailers venezolanos. Algunas de las piezas que se hicieron el año pasado demostraron que se estaban haciendo cambios por el buen camino, pero siempre es un territorio de resultados irregulares.

Que si los costos de producción se comieron los reales de la promoción, que si el tiempo, que si el material... En fin. La función de un trailer es vender y que la gente se emocione. Que sienta que quiere ver la película porque de lo contrario su vida no tendrá sentido.

A falta de estrenos nacionales luego de "El Chico que Miente", les dejo este post con los trailers de lo que viene en materia de cine nacional. Algunas de estas piezas han estado rodando de site en site. Pero bueno, se las pongo fácil y se las agrupo. Luego me comentan qué les parecieron.

"El Último Cuerpo", la nueva película de Carlos Malavé, se estrenaba en Abril, pero detalles de última hora hicieron que el estreno se rodara para el 13 de Mayo. La fecha puede que se conserve, puede que se ruede, quién sabe. Lo que sí es seguro es que Malavé sigue fiel al género policial que ha trabajado en sus dos pelis anteriores, "Por un Polvo" y "Las Caras del Diablo". La cinta fue filmada en Maracaibo y cuenta la historia (inspirada vagamente en un personaje real) de un periodista de crónica roja que se ve envuelto en una intrincada conspiración. Pronto, más al respecto.

Supongo que del estreno de "El Último Cuerpo" dependerá la fecha definitiva de estreno de "Cortos Interruptus", una antología de los 5 cortos venezolanos más populares del año pasado puesta en marcha por Los Otros Group y que, en teoría, llegará a los cines en Mayo. "La Uva" de Alexandra Henao, "Tuya" de Ivan Mazza, "Colmillo" de Albi de Abreu, "Todo lo que Sube" de Miguel Ferrari y "Jesús Tv" de Gastón Goldman y Héctor Orbegoso conforman la muestra. Si a esto le va bien, podría convertirse en un franquicia anual. Ojalá.

El tercer trailer es algo así como el sueño húmedo de un director de arte venezolano. Volver a visitar la Venezuela de los años 50, con el presupuesto que una película bien apadrinada supone, no es una oportunidad que se presente todos los días en el cine criollo. Antes de ver el trailer tenía grandes expectativas con "Días de Poder", basada en una pieza teatral de José Ignacio Cabrujas y Román Chalbaud. Luego de verlo, sólo puedo decir que tengo algo de miedo y que habrá que esperar hasta Junio para tener certeza de los resultados.

Viajando con El Chico Que Miente

2011-01-24T12:02:00.000-08:00

El 28 de Enero comenzó la travesía. Las costas de Venezuela son el escenario por el que transita un mentiroso de 13 años que busca verdades sobre su pasado y nos revela, entre mentira y mentira, las caras de un país que aún tiene abiertas las heridas del deslave de Vargas de 1999

Nadie lo planeó, pero la nueva película de Marité Ugás (A la Media Noche y Media) es la primera de tres cintas que (en teoría) serán estrenadas este año basadas en el desastre natural más grande la historia de Venezuela. No se equivoquen, aquí no verán un melodrama desgarrador, ni recreaciones espectaculares con efectos especiales de los derrumbes e inundaciones. Aquí les espera un viaje bien pausado, que se detiene a contemplar algunas de las verdades e historias mínimas de los personajes que van apareciendo en el camino.

El Chico Que Miente fue seleccionada por el Festival de Cine de Berlín para competir en su sección "Generation" dedicada a películas de temática infantil y adolescente y por si fuera poco, tiene la presión de ser la primera película venezolana en llegar a las salas luego de un año excepcional para el cine nacional, en el que los venezolanos volvieron a confiar y a disfrutar de las películas criollas. Las expectativas del público son altas, pero no toman por sorpresa ni amedrentan a su directora.

“Esta resurrección tenía que pasar. No me sorprende que el venezolano haya vuelto a creer en su cine.” Comenta Marité. “Estas óperas primas que han reventado la taquilla últimamente, están buenísimas, cada una manejando un género específico de manera excelente. A ver si le entra a la gente que el cine venezolano no es un género. Es un cine con miles de variantes, a veces buenas, a veces con mierdas que no merecen ser vistas. Lo que está pasando ahorita, es que hay muchas cosas que han quedado bien y que son distintas. Lo importante ahora es la diversidad.”

En ese sentido, El Chico que Miente no se parece a ninguna de las películas venezolanas estrenadas el año pasado. Empezando porque es una “Road Movie”, literalmente una "Película de Carretera", género cuyo argumento se desarrolla a lo largo de un viaje que sirve de metáfora del viaje interior de sus protagonistas. Vienen a mi mente Y Tu Mamá También, Little Miss Sunshine, Easy Rider y el recordado y melodramático viaje de Marco por los Alpes Italianos en busca de su mamá. Salvando las distancias, El Chico que Miente es una suerte de Marco criollo. Hace diez años que el deslave de Vargas le arrebató su madre al protagonista, pero convencido de poder encontrarla, inicia un viaje por la costa venezolana en el que reinventa su propia historia una y otra vez.

“La idea vino dando vueltas desde que estábamos filmando Postales de Leningrado. Había que terminarla para poder encaminarla, pero ya desde el rodaje, estábamos lanzando las primeras líneas. Tenía claro que quería manejar el género del “Road Movie” y la sensación de ansiedad y sorpresa que te propicia un viaje, con expectativas grandes. Quería que el tema de Vargas fuera como un paradigma que envolviera estos 10 años de historia en Venezuela.” Cuenta la directora.

Gente de Verdad

El guión de la película fue escrito a cuatro manos por Marité y su habitual colaboradora Mariana Rondón (juntas hicieron Postales de Leningrado y A la medianoche y Media). Desde el comienzo, se contempló darle a la historia un tratamiento casi documental, tratando de mantener el realismo y la verdad de los hallazgos que fueran apareciendo en el camino.

“Si se hacen películas con tanta distancia entre una y otra, para mi resultaba interesante tratar de meter todo lo que pudiera en la película.” Recuerda Marité. “El punto de partida era saber que íbamos a arrancar un viaje donde toda la logística de producción estaba pensada para estar moviéndonos y que en caso de que encontráramos algo, pudiéramos abrir el plan de rodaje para lo inesperado. Creo que se siente esa cosa documental, de impronta, en la que nadie sabía qué iba a salir de algunos de los personajes.”
El equipo de producción empezó a buscar locaciones y gente de la región para actuar en la película 4 meses antes de iniciar el rodaje, muchas de las primeras personas con las que se toparon terminaron en la cinta. Así, instalados en Ocumare de la Costa como base, ampliaron su búsqueda a los parejes de Nueva Cúa, Los Corales, Cuyagua, Cata, La Boca, La Ciénaga, Turiamo, Chichiriviche de Falcón, Las Salinas, San Juan y Los Médanos de Coro.

Sin embargo, el mayor reto de los realizadores era conseguir a un chico de 13 años que pudiera lanzarse una película de estas dimensiones a sus espaldas: 9 semanas de rodaje con protagonismo en todas las escenas, sin un solo día de descanso.

“Para eso necesitas no sólo un training físico y una motivación muy grande, sino que tengas el espíritu bien puesto, es muy fuerte aguantárselo.” Comenta la directora. “Queríamos un chico de 13 años sin experiencia, que nunca hubiera actuado ni en obras de colegio, que nadie le haya dicho nunca cómo pararse y que en su propia forma de vida pudiéramos encontrar los elementos que nos sirvieran para conectarlo emocionalmente con la historia. El gran trabajo fue encontrarlo. Yo vi a unos 500 chicos. A Iker lo vimos casi al inicio, fuimos reduciendo el grupo hasta que finalmente quedó. Cuando le dimos la noticia me dijo: “Ya era Hora”. Era demasiado el descaro. Estoy contenta con la elección. Hay una frase que nunca olvidare de él, que me dijo el último día de rodaje: “Nunca te dije que no” Y es cierto, hizo todo lo que le pedimos.”

Comparten pantalla con el debutante Iker Fernández, los más veteranos Laureano Olivarez, Beto Benites, Beatriz Vázquez, Gladys Prince, Francisco Denis, Dimas González y María Fernanda Ferro.

“Lo que me fascina de quienes ya han visto El Chico que Miente es la multiplicidad de lecturas que tiene.” Concluye Marité. “Lo que me propuse y siento que está logrando, es meterte en un “mood” que que te haga reflexionar. De boberías, de tu infancia, de tu pareja, de tu entorno inmediato, de tu país. Trato de evitar que algo sugiera una hipótesis con dirección a tesis.”

Marité Ugás: La Madre de El Chico que Miente

2011-01-11T13:35:00.000-08:00

Marité es peruana. Estudió unos años en Cuba, vivió un tiempo en México y otro tanto en Venezuela. Por eso su acento es una mezcla de toda América Latina. Es graduada de la Escuela de Comunicación de la Universidad de Lima y egresada de la primera promoción de la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños de Cuba. Fue allí que conoció a la venezolana Mariana Rondón, quien a partir de ese momento se convirtió en su principal colaboradora. Junto a varios de esos egresados, se anclan en la Caracas de los años 90 y forman la casa productora Sudaca Films.

“En esa época, era donde mejor perspectiva de cine había para armar una empresa.” Cuenta Marité. “La idea era armar coproducciones a lo largo y ancho del continente. Teníamos sede en Caracas, pero también tenía casa en Lima, Quito y Bogotá. Con el tiempo y las guerras territoriales, el grupo se fue disolviendo. Pero más entrados los 90, apareció el Programa Ibermedia y todo eso que nos costaba hacer se normalizó. Se hizo más viable y común escuchar que una película fuera una coproducción entre varios países del continente.”

En 1999 Marité y Mariana co-dirigen A la Medianoche y Media, que resulta galardonada como mejor ópera prima en el Festival de cine venezolano, en el Festival de Providence y en el de Montevideo.

“Por eso no me gusta llamar a mi nueva película como “ópera prima”. Mi primera película ya la hice. Así la haya hecho con una o 7 personas, ya está hecha. Fueron mis primeras alegrías y también mis primeros errores.” Comenta Marité.
Después de A la Media Noche y Media, Sudaca Films como empresa le costó más trabajo levantar otra película por cuestiones del continente. Marité se dedicó durante 2 años a dirigir telefilms para cadenas por cable Mexicanas, que eran rodadas en Argentina. Casi 10 años después de su primer filme, retomaría otra vez el camino del largo, pero esta vez como productora, con Postales de Leningrado en el 2007.

La cinta dirigida por Mariana ganó, entre muchos galardones, el Gran Premio El Abrazo del Festival de Biarritz (Francia). Hoy los puestos se intercambian: Marité dirige y Mariana produce El Chico que Miente, cinta que llegará a las salas el 28 de Enero y de la que seguiremos hablando en las próximas entregas. La cinta, es la primera película de una trilogía planeada por la dupla que lleva el nombre de “Grietas” y que tienen como punto en común la historia de alguien que busca rastros agrietados de su pasado y trata de resolverlos.

Mis Impelables del 2010

2011-01-06T11:40:00.000-08:00

He vuerto.

Promesas de año nuevo:
1. Escribir más seguido en el blog.
2. Refrescar esa imagen tan fea y plana que tiene, ¿Ya es hora, no?

En fin, que el título de este post es un tecnicismo. En realidad, no todas las películas que están en esta lista son del 2010, al igual que el año pasado, aquí coloco las cintas que YO VI y que MÁS DISFRUTÉ en los 365 que ardieron en la hoguera, desde clásicos en blanco y negro, hasta cintas nuevas que aún no han llegado (Ni llegarán) a Venezuela. No he visto muchas de las pelis que todos comentan, pero descubrí varias joyas que me hicieron recuperar la fé en el cine.

Sin ningún orden en particular, here we cum:

How Green Was my Valley (1941) Cuando se habla de 1941 como año cinematográfico, Citizen Kane suele opacar a las obras que pasaron a su lado. Sin embargo, esta película de John Ford es inmensa. Aunque la obra de Orson Welles haya resultado más innovadora y arriesgada, esta película ofrece un cuento clásico sumamente emocional acerca de la disolución de las familias. Lacrimoso, a ratos cursi, pero universal y efectivo.

High Noon (1952) Este año me dió por ver Westerns. Ya tenía algunos favoritos, pero quise indagar en títulos que por X o Y, no había podido ver. WAO! Que violencia, que incorrección y que cojones se encuentran en los clásicos del género. Peleando por estar en esta lista estuvieron Stagecoach y The Searchers, pero ninguno me impactó tanto como esta monstruosidad de Fred Zinneman. El showdown final es algo flojo, pero la cinta está contada en tiempo real y toca muchas fibras sensibles para el Venezolano de hoy que vive rodeado de cobardes y jalabolas.

The King of Comedy (1982)No soy fan de Scorsesse, pero este año, entre Shutter Island y esta joya, se ha ganado mis respetos. El Robert De Niro que hoy protagoniza bodrios de bajo calibre está aquí en uno de los mejores momentos de su carrera en el centro de una historia incómoda que se adentra en los anhelos de fama de un grupo de perdedores, de esos que casi no se ven en pantalla. Brillante y perturbadora.
Sophie Sholl: The Last Days (2005) Esta cinta alemana estuvo nominada al Oscar y no sé cómo perdió. Mejor dicho, sí sé, pero ni falta que le hace un premio a esta obra de arte. Adaptación de una pieza teatral basada en la historia verdadera de Sophie Sholl estudiante que se la jugó como pocos contra el Nazismo. Dura, emocionante. Los reto a que traten de sacársela de su cabeza una vez que termine.
Simpathy for Lady Vengance (2005) Par Chan Wook. Es todo lo que necesitan saber. El director se fuma unas cuantas lumpias para narrar visualmente este delicioso, macabro y perturbante cuento de venganza. Hablar más de la historia sería joderla. Si les gusta Kill Bill, Old Boy y ese tipo de cintas, no se olvidarán jamás de esos ojitos delineados de rojo. Revolutionary Road (2005) Sí, es con Leonardo Di Caprio. !Pero carajo, que actuaciones! Cualquier tipo de prejuicios que pueda tenerse con la pareja protagonica o su director Sam Mendes, se borra a los 5 minutos. Dirección, arte, fotografía y guión impecables en una historia demoledora y honesta como pocas he visto sobre el matrimonio, las expectativas y la necesidad de cambios. INCREIBLE.
Sin Nombre (2009) Una familia hondureña que trata de cruzar la frontera y llegar a los Estados Unidos en el techo de un tren y un pandillero perseguido. Listo. Pocas películas me mantuvieron más al borde de mi asiento que esta. El director Cary Fukunaga juega con la tensión, el realismo social y los sentimientos como le da la gana.

Ágora (2009) Alejandro Amenábar es un monstrico. Se ha paseado por el Thriller, la ciencia ficción, el melodrama, el horror y ahora la épica con cada vez mejores resultados. Tenía terribles referencias de Ágora, pero me fascinó. Es la película perfecta para ver en Semana Santa si quieren patear a Ben Hur y Jesús de Nazareth pues no hace sino cuestionar la religión y los fanatismos de una forma espectacular.
A Serious Man (2009)
Que un hombre pida consuelo en los brazos del hombre con el que su esposa le monta cachos no está bien, pero es comiquísimo. Si la crisis religiosa perdura, con el retorcido sentido del humor que los Hermanos Cohen derrochan en esta cinta de seguro terminan por volverse ateos. Brillante en todo sentido.
El Secreto de Sus Ojos (2009) A pesar de que suele repetirse, me gusta el cine de Campanella. Esta cinta puede que no sea transgresora, novedosa y que a muchos les parezca cursi. A mi me fascinó y no pude quitar los ojos de la pantalla en ningún momento. El plano secuencia del que tanto se habló, sigue siendo una de las secuencias que más disfruté este año junto a la persecución de motos de Tron legacy.
Hermano (2010) Nunca había visto una película venezolana 2 veces en el cine. Mucho menos que las dos veces agotara las entradas y mucho menos había visto una cinta venezolana que hiciera reír, emocionar o llorar tanto a una audiencia como lo logró la ópera prima de Marcel Rasquin. Hermano no es perfecta, puede que La Hora Cero estuviera mejor lograda, que haya sido más taquillera, pero esta fue la que me emocionó.
Enter the Void (2009) Gaspar Noé es un genio. Punto. Sólo él podía lograr una película como esta, un viaje alucinante y desagradable por igual, casi por completo en cámara subjetiva (con pestañeos y todo) y con una secuencia de créditos de antología.
Anticristo (2009) La imagen de la foto es tan extraña, elegante y perturbadora como el resto de la película. Genera ansiedad, repulsión, dolor y ganas de dejar de mirar. Emociones intensas. Justo lo que uno busca uando va a ver algo con un título como este. Lars Von Trier, ¿Quién más?
Inception (2010)
Metan Ocean's Eleven junto a The MAtrix y Paprika en una licuadora y sale esta maravilla de la que ya se ha hablado demasiado.
Toy Story 3 (2010) Poco puedo agregar, la amé. Tan buena y hasta mejor que las anteriores.
Scott Pilgrim Vs. The World (2010) No hay que ser fan de Edgar Wright (Que lo soy) para darse cuenta que esta locura de comedia de acción es una de las mejores del año. Visualmente alucinante, con un ritmo trepidante y creatividad en cada plano y acorde.
Black Swan (2010)
Hay más cine en los primeros 5 minutos de Black Swan que en las 2 horas completas de The Social Network. La cinta de Fincher me gustó, tiene un gran guión, pero esta quinta película de Darren Arofnovsky es una obra maestra y mi gran favorita del 2010. Natalie Portman, mi amor, ese Oscar es tuyo.

Muerte en Alto Contraste: César Bolívar... ¿Por qué?

2010-11-29T05:56:00.000-08:00

Hay tantas cosas que están mal en Muerte en Alto Contraste, que no sé por dónde empezar. Ya el poster causa suspicacia de entrada, pero si nos tomamos el tiempo para repensar esos laureles obtenidos en el Festival de Cine de Mérida que tan orgullosamente ostenta o las frases que adornan los anuncios del periódico y otros artículos, lo que da es risa. ¿Falta de Criterio? ¿Cara durismo? ¿Solidaridad automática? ¿Drogas?

A César Bolívar, su director, lo llaman "Maestro" y, según ellos, su regreso es "Triunfal", "Apoteósico", "Explosivo", "Esperado". Y es que el señor Bolívar es sin duda una Vaca Sagrada del cine nacional gracias a los éxitos que cosechó durante la década (!oh, recordada y difícilmente superada década!) de los 80. Pero como dijo Mark Twain: "De las Vacas sagradas se hacen las mejores hamburguesas."

A vuelo de pájaro: César Bolívar comenzó como camarógrafo y director de fotografía en películas de Román Chalbaud. Su ópera prima como director fue Juan Topocho (1978), una cinta que parece haber desaparecido de la faz de la tierra pues conseguir una copia me ha resultado imposible. En sociedad con Román Chalbaud y Miguel Ángel Landa, creó la productora Gente de Cine, gracias a la que pudieron realizarse cintas como La Quema de Judas, Sagrado y Obsceno, El Pez que Fuma y Cangrejo. Su película Domingo de Resurrección (1982), es una de las comedias más recordadas del cine venezolano, fija en la programación de las Semanas Santas de RCTV y gracias a cuyo éxito, Bolívar pudo rodar la película más taquillera en toda la historia del cine venezolano: Homicidio Culposo (1 Millón 300 mil Espectadores). Le siguieron Más Allá del Silencio (1985), Colt Comando 5.56 (1986), Reflejos (1987) y la infame, Rosa de Francia (1995).

Sus películas pueden haber sido taquilleras y hasta entretenidas, pero están lejos de ser buenas películas. ¿Han vuelto a ver Domingo de Resurrección? Yo sí y mi consejo es que se queden con sus buenos recuerdos de la infancia. El cine de César Bolívar no ha superado la pueba del tiempo y por los resultados de Muerte en Alto Contraste, es obvio que su técnica tampoco.

Retroceso a los 80

Luego de 12 años en los que César Bolívar se dedicó a dirigir telenovelas y a dar clases en la UCV, fue contactado por La Villa del Cine para que dirigiera un policial. No cualquiera, claro está. Se trataba de un guión que había sido desarrollado originalmente por él y uno de sus alumnos en la universidad (José Antonio Varela) y que estaba engavetado desde entonces. Las vueltas de la vida colocaron a Varela como director de la Villa del Cine y a ese guión, como vehículo para este "Gran regreso".

Muerte en Alto Contraste cuenta la historia de Gabriel (Erich Wildpret), un policía que busca vengar el asesinato de sus padres, guerrilleros de izquierda masacrados por un equipo especial de la policía. Siguiendo el rastro de cada uno, Gabriel recurre al periodista Pepe Grillo (Juan Manuel La Guardia, Full Chola), para terminar de hilar los cabos que completaran su venganza. Metida casi a juro está por supuesto la historia de amor entre él y una psicóloga encarnada por la debutante Norelys Rodríguez.

En dos platos: La historia es un desastre. No sólo es confusa y está llena de lugares comunes, sino que le sobran secuencias que no van a ninguna parte, desaprovecha los giros más interesantes de la trama y los remata con diálogos básicos y a ratos ridículos. Especialmente risibles son las escenas de amor con sushi y la precoital a las puertas de un hotel.

Sería de esperar que las mayoría de las críticas del reparto se enfocaran en la inexperiencia de Norelys Rodríguez. Pero no es mi caso. Ciertamente, su personaje no llega a ninguna parte, pero es que tampoco lo hace en el papel. Por si fuera poco, su belleza se ve desaprovechada por la cámara. Sincerémonos vale, el país entero quiere ver desnuda a Norelys Rodríguez y en esta película, coquetean con la idea de despertar el morbo del espectador para luego darle un baño de agua fría con las escenas de striptease y sexo más pacatas y gratuitas que he visto en mi vida. Una cosa es que a la actriz le de pena mostrar sus carnes y otra muy distinta es que el director haya permitido semejante desastre. Ambas escenas debieron morir en la sala de edición.

Erich Wildpret en cambio, nunca había estado tan aburrido. Todo es absolutamente lineal, sin matices. Siempre lo he considerado un buen actor, pero luego de verlo en esta película y recordar su trabajo en Elipsis, La Hora Cero y Un Lugar Lejano, siento que no hay mucha diferencia entre uno y otro personaje.

Quienes salvan la patria y verdaderamente se la comen, son los veteranos Juan Manuel La Guardia y Carmen Julia Álvarez, repitiendo un matrimonio similar al de Domingo de Resurrección, derrochando venezolanidad (Tal vez, demasiada) y el humor necesario para hacer la experiencia del visionado de Muerte en Alto Contraste medianamente soportable.

Muerte en Alto Contraste busca montarse en la misma ola que generaron buenos y exitosos filmes como Hermano y La Hora Cero. En un año en el que el cine nacional está recuperando su momentum, la nueva película de César Bolívar representa un retroceso. Dile NO a los nacionalismos y solidaridades automáticas. Si es bueno se aplaude, si es malo, no. El próximo proyecto de Bolívar se llamará Los Inquilinos.

Que Dios nos proteja.

Extremos: ¿Proyecto Cumbre Greatest Hits o Viendo el Album de las Vacaciones?

2010-10-29T07:01:00.000-07:00

Ok, lo diré:

Nunca me he sentido representado, emocionado, ni identificado en forma alguna con las proezas del Proyecto Cumbre.

Entiendo que un país que atraviesa por un momento tan rudo necesite agarrarse de cualquier cosa para sentirse orgulloso, desde un equipo de fútbol que nunca llega, hasta reinas de belleza. Pero por muy arrechos que sean, el "orgullo nacional" por este equipo de montañistas no me arropa.

Con esto no estoy descalificando lo que hacen, chevere que suban y lleguen al pico que sea, pero eso de que "En esta bandera vamos todos", no sé. Y aclaro de nuevo que respeto y admiro la fortaleza, temple y pasión de quienes se dedican al montañismo (Tal vez porque soy muy flojo y jamás lo haría), pero para mí, conquistar una montaña es el tipo de experiencia que sólo es válida si uno es el protagonista. No me creo eso de que "Llegamos", bien por ti, lindas las fotos, cambia el canal.

Pero chevere pues, mucha gente los admira y son uno de los íconos positivos del nacionalismo en Venezuela. Unos hacen música, otros literatura, otros cine, otros beisbol, otros suben montañas.

El hecho de que no comparta este furor, no quiere decir que no pueda disfrutar de un documental o de una buena historia acerca de quienes practican este deporte. Ahí tenemos Touching The Void, 127 Horas (Que se ve brutal) y hasta Más Allá de la Cumbre, la ópera prima del director Juan Carlos López Duran. Siendo Extremos su segunda película, esperaba que lograra superar o al menos igualar a su predecesora, una de las mejores películas venezolanas del 2008.

Pero me decepcionó. Juan Carlos es un gran apasionado del montañismo y se nota, conoce en detalle las batallas emocionales que se liberan en cada travesía, los entretelones para preparar una expedición, los riesgos y hasta la preparación física a la que tanto él, como su equipo técnico tuvieron que someterse para poder documentar las pericias del Proyecto Cumbre en Groenlandia. Pero siento que no superó la prueba de retratar el lado emocional de sus aventuras en la pantalla.

Extremos tiene un muy buen sonido, hermosa y arriesgada fotografía de la mano de John Márquez y hasta acertadas intenciones a nivel de dirección, pero toda esa forma, no tiene un piso dramático que la sostenga. La exploración en la psique de los aventureros es demasiado superficial como para revelar algo, nuevo o viejo, que realmente sirva para sostener 2 horas de paisajes y dicertasiones sobre el montañismo.

Apoyados en material de archivo, recorremos uno a uno los logros del Proyecto Cumbre, sus entrenamientos, primeras expediciones, éxitos y fracasos, todo intercalado con la última expedición a Groenlandia. Y es aburridísimo. Además de no haber emoción real, sabemos que luego de la expedición al Everest y la trágica anécdota que ya vimos en Más Allá de la Cumbre, Proyecto Cumbre no tiene mucho más que contarnos que sea tan grande o emotivo como lo que ya conocemos.
Lo mejor de Extremos es su banda sonora compuesta por el merideño Nascuy Linares y con un tema adicional para los créditos del grupo Gaélica. Es la primera película venezolana de la que me atrevo a decir que quiero el soundtrack. Es una música a ratos efectista y pomposa, que supongo, trata de hacer por el espectador lo que el relato y los protagonistas, a mi juicio, no lograron: Emocionar.

Lo próximo de Juan Carlos Durán será un documental, no tengo claro si en formato de serie de Tv, titulado: Niños en la Cumbre, que trata.... Bueno, de eso mismo. El trailer lo verán antes de Extremos, vayan al cine y comenten qué les pareció a ustedes.

¿Quién está Ahí?: Desmontando el Mito del Rating

2010-10-27T05:53:00.000-07:00

La televisión es un medio moribundo. Quienes la ven frecuentemente, tienen que haber sido testigos más de una vez de las latosas "Guerras de Ratings". RCTV y Venevisión solían protagonizar una nueva cada año durante los 90 y aún hoy, quince años después y sin RCTV, Televen recurre al mismo ardid publicitario fundamentado en aquella teoría del Vagón del Ganador (me monto porque todo el mundo se monta y si no me monto en ese vagón, soy un perdedor), con su nuevo lema: "El Canal que más se ve".

Para quienes trabajaron y trabajamos aún en Televisión, el Rating es como El Gran Hermano, como un Dios, una presencia que está ahí, abstracta y omnipresente, siempre vigilante a cualquier pelón o pico que pueda tener tu programa y que sólo se manifiesta a través de "El Elegido", ese ser tocado por los providencia que tiene el don de ser el único enlace que tenemos con el Dios Rating. A través de ese Gerente, de ese dueño de canal, Dios Rating nos da las directrices de lo que debemos hacer. "El Elegido", no sólo tiene el don de poder escucharlo, sino que también, tiene el poder mágico de "entenderlo", por eso es que siempre nos repiten aquello de "Subir cerro".

¿Por qué el Dios rating no me habla a mi? ¿Por qué sólo a él? En fin, tema para otro post.
Escribo todo esto, porque me he topado con un interesante corto documental español de Alejandro Pérez Blanco, que propone cuestionar un poco la voz de "El Elegido" e incluso del mismo "Dios Rating".

!Enjoy!

"Extremos": Trailer

2010-10-14T07:57:00.000-07:00

Es paradójico que siendo el documental uno de los géneros en los que mejor se defiende el cine venezolano lleguen tan pocos a las salas de cine. De un tiempo para acá hemos tenido la fortuna de ver al menos un documental por año en salas comerciales y aunque no es el género más rentable que existe, basta con ver títulos como Araya, Vino Tinto:La Película (Con todo y jaladita) o Fantasmo, para darnos cuenta que allí hay lomito.

Siendo el 2010 un año especial para el cine venezolano en cuanto a aceptación de público y apertura temática, el género documental no podía quedarse fuera de la parrilla de programación. El 29 de Octubre se estrena EXTREMOS, dirigida por Juan Carlos López-Duran, el mismo realizador de Mas Allá de la Cumbre (2008). Este merideño editó junto con Nascuy Linares otro de los documentales más famosos del país, Tocar y Luchar (2007) y fue productor de Una Casa con Vista al Mar(2001) y Una Vida y Dos Mandados (1996).

Esta vez, Juan Carlos aborda "la filosofía de quienes hacen de la aventura y la exploración su medio natural de convivencia bajo el rol protagónico de los cinco integrantes del Proyecto Cumbre, quienes en medio de tormentas de viento y nieve, someten su mas férrea voluntad para probar sus límites físicos y mentales, a lo largo de una travesía hacia los más extremos escenarios naturales alrededor del mundo".

Extremos es una coproduccion de Explorart Films (productora cinematográfica abocada a la exploración de nuestro mundo, así como a su diversidad artística, social y geográfica) y Proyecto Cumbre. El trailer está chevere y tiene muy buena música, esperemos que la película pueda mantener durante todo su metraje la misma emoción.

10 Razones para ver La Hora Cero

2010-10-08T09:35:00.000-07:00

Un sicario llamado La Parca se ve obligado a secuestrar una clínica privada para salvar al amor de su vida. Así arranca la ópera prima del venezolano Diego Velasco, una historia de violencia, venganza, amor y acción a la gringa con toque criollo o viceversa.

A estas alturas, la prensa y los tweets ya lo han dicho prácticamente todo sobre la película. Humildemente, aquí les dejo mis 10 razones por las que considero que es imperdible:

1. Porque su empaque gráfico es fabuloso. ¿Habían visto alguna vez unos posters y unos trailers tan bien hechos para una película venezolana? Yo no.
2. Porque tiene las mejores escenas de acción que se han hecho para una película en Venezuela. De esto ya escribí un post aquí.

3. Porque tiene una secuencia musical al ritmo de El Puma. ¿Por qué no se había hecho antes? !Agárrense de las manos!

4. Porque Marisa Román sale en ropa interior y está "mi amor". Mujeres, pítenme en coro. No importa.

5. Porque el guión está mundial. Truculento de cabo a rabo, sorpresivo, divertido y entretenido. Aquí quiero extenderme.

En Venezuela lo extraordinario se hace cotidiano, ¿no? Claro que sí. En el 2005, el director Diego Velasco, se lanzó un tour por varios ambulatorios públicos de Venezuela. No lo hacía por ocio ni por necesidad. Investigaba. Y es que aunque vive en Los Angeles y le va de lo mejor por allá como cineasta, insiste en hurgar en la venezolanidad que aún conserva y que ya trató de reflejar en su cortometraje Cédula Ciudadano (2000).
“Buscaba ideas para hacer un largometraje. Tenía tiempo escribiendo, investigando sobre medicaturas rurales de Caracas. Lo que vi en una noche en un ambulatorio de Las Minas de Baruta, me bastó. Nadie sabe lo que pasa allí. En esa medicatura nació la idea acerca de todo lo que puede hacer alguien impulsado por cosas muy buenas, usando un método muy malo.” Comenta el director. “La situación de salud en Venezuela era increíble.”

Cuenta Carolina Paiz, co-guionista y productora del filme: “La gente llegaba balaceada y además estaba el tema de la inseguridad que sentían los doctores. Diego se trajo esa idea a Los Ángeles, la trabajó por 6 meses o un año, hasta que llegó a un punto en el que me pidió que me incorporara.”

Carolina ha trabajado en las grandes ligas del guión. Ha escrito para series mundialmente famosas como Grey’s Anatomy (Por la que fue nominada al Writers Guild Award), Lipstick Jungle y más recientemente, The Descendants con Jim Belushi. A pesar de la experiencia, se necesitaron más de 2 años y 13 versiones para completar el guión de La Hora Cero.

“Fue un verdadero trabajo en equipo y resulta difícil separar los aportes de cada quien. Yo trabajé mucho el humor y otros detalles. Te podría decir que una de las cosas donde más me afinqué fue en la estructura y los arcos dramáticos. En TV los trabajamos mucho y aquí siento que ese fue mi mayor aporte. Por muy pequeño que fuera el personaje, todos tienen su arco.” Concluye Paiz.

Esto último, a mi juicio, es un punto débil de la película. Si bien el guión funciona, se siente algo formulaico en la manera en que se resuelven tooooodos los conflictos, especialmente la subtrama de la miss y una de las rehenes. Y sí, hay lugares comunes, pero creo que van de la mano con los convencionalismos del género y no sentí que hicieran ruido.

6. Porque el elenco está muy bien balanceado entre caras conocidas y caras nuevas. Según Velasco, le fue bien en Cédula Ciudadano(2000) mezclando actores profesionales con noveles. “Unos tienen instinto, los otros experiencia. Así que para mi, combinarlos balancea todo. El profesional me baja al empírico y el empírico le sube al profesional.

En base a eso, el más difícil de encontrar fue el rol protagónico, La Parca. Estuvimos 4 meses buscando en varios países tratando de buscar el actor perfecto porque estábamos claros que la película era ese personaje. La productora consiguió en youtube el video Bala Perdida, del rapero Zapata 666 y de inmediato la directora de casting salió a buscarlo en la calle, porque él no tiene ni facebook, ni nada. Finalmente lo encontraron y el mismo día recibió la llamada nuestra, porque apenas lo vimos, dijimos: “Este es”.

Zapata 666 cumple con su trabajo sin destellos ni bajones memorables. Se sumaron Laureano Olivares (A mi juicio, over the top, no me lo creí), Erich Wildpret (Bien), Amanda Key (hermosa esta mujer), Marisa Román (Bien), Albi de Abreu (Bien), Alejandro Furth, Steve Wilcox, Rolando Padilla, Beatriz Vázquez, Ana María Simon (Muy bien) y muchos otros. Pero quienes se la comieron, sin duda, fueron los malandros.

7. Porque está hecha del ombligo para afuera. Que el cine venezolano es ombliguista, es un argumento frecuente entre sus detractores y, a mi juicio, en desuso. Eso de que aquí sólo se hacen películas para consumo del público venezolano, exclusivamente pensadas para quienes comparten nuestra idiosincracia, considero que está cambiando y es algo que el director de La Hora Cero tuvo muy claro desde el comienzo.

8. Porque es una peli de acción y ya. Siempre me molestó la forma en que muchos le cayeron encima a Secuestro Express por la ligereza en el tratamiento de la violencia y el tema social. Siento que le pedían a la película mucho más de lo que pretendía ser. Para í, siempre fue una película de acción y ya, sin mayores moralejas o análisis sociales. Lo mismo aplica para LaHora Cero, que de paso, es mucho más violenta y compleja. Espero que no empiecen a tildarla de golpista o le levanten una investigación como quisieron hacerle al video de One Shot de Hernán Jabbes.

“En la película, cada personaje toma decisiones que afectan la vida y la trama de los demás y creo que todos aprenden que no puedes juzgar a nadie hasta estar en la situación del otro. Traté de cuidarme de no dar sermones, pero quiero que la gente se vaya con la idea de que nada es blanco y negro, que hay una gran escala de grises. En Venezuela decimos mucho que estamos polarizados, ricos y pobres, chavistas y opositores, malandros y victimarios, pero la realidad es mucho más compleja. Nadie es completamente bueno o malo, todos tenemos defectos y conflictos, es la realidad de todos aunque no todos la quieran ver.” Comenta Diego.

9. No hay nada mejor en cartelera. Entre lechuzas que hablan, el cuarto chorizo de Resident Evil, la nueva gringada "cómica" de Will Ferrel y el brujo de Nic Cage, la emoción y cercanía que ofrece La Hora Cero es indiscutible.

10.Simplemente porque junto con Hermano, es la mejor película venezolana del año. No es una obra maestra y tampoco cambia las reglas del juego en cuanto a cómo hacer cine, pero sí entretiene y emociona de la forma en que una buena película de acción debe hacerlo.

Nuevo Trailer de "Carlos" con Edgar Ramírez

2010-09-24T06:09:00.000-07:00

No es una película venezolana, pero el protagonista y el personaje en el que está basada, sí que lo son. Luego de una buena acogida en el Festival de Cannes el filme de Olivier Assayas está listo para estrenarse el 15 de Octubre en los Estados Unidos. Incluso creo que la película pasará por el Festival de Tribeca, no estoy seguro. Lo que sí sé, es que de las 5 horas y media que dura la versión original (y el quemaíto venezolano) hecha para televisión, llegaran a los cines sólo 2 horas y media. La versión completa será transmitida por el Sundance Channel. De la película se dice que es un producto bastante sólido y todas las reseñas alaban el protagonismo de "nuestro Edgar Ramírez" como lo más sólido que tiene. Así que no les extrañe que esta sea la película que dispare al actor en Hollywood y pronto comencemos a verlo más frecuentemente en el cine norteamericano.
Ya hablando del trailer, me parece genial que musicalizaran con una canción típica venezolana, Amalia Rosa. !Buena esa!

Las Caras del Diablo: Cangrejo Guerrillero

2010-09-17T12:27:00.000-07:00

Es una tarde como cualquiera en la Francisco de Miranda. De pronto, una señora se asusta al ver a un hombre huir corriendo entre los carros y peatones que cruzan la calle. -¡Agárrenlo!- Tras el tipo corre un paco con placa guindando del cuello y una pistola en las manos. Un Policía de Sucre se percata de la situación y vuela en su moto a cortarle el camino al fugitivo.

Antes de que pueda desenfundar su arma, el fugitivo aterrado le grita:

-¡No dispare, soy actor!

El “delincuente” es el actor Guillermo García y quien lo persigue, Jean Paul Leroux.

Esto pasó en verdad durante el rodaje de una secuencia de acción de una película que se rodó sin permisos, sin dinero y de forma improvisada: Las Caras del Diablo de Carlos Malavé, que se estrena hoy en Caracas y en varias ciudades del interior.
Del director se puede decir de todo, pero si hay algo que no se le puede quitar, es que en este momento es uno de los cineastas más productivos del país. Las Caras del Diablo es la primera de 3 películas que estrenará en los próximos 6 meses y que fueron rodadas en tiempo y costo record luego de que en el 2008 estrenara Por un Polvo.

A Malavé no lo detiene el presupuesto y siente una predilección especial por el cine de género. En esta oportunidad, estrena un policial negro que recuerda a Cangrejo y 3 Noches, quizás los exponentes mejor logrados del género en nuestro país.
Pedro Ramirez (Jean Paul Leroux), es un sub-inspector obsesionado por el crimen sin resolver de una menor de edad. Tres años después recibe la terrible noticia de que su hija, Sarah, ha sido secuestrada en circunstancias similares, lo que desatará en él una búsqueda implacable para dar con el criminal.

"Antes de hacer Por un Polvo yo tenía una idea para un cortometraje acerca de un policía que luchaba contra sí mismo, un esbozo de 6 o 5 líneas." Cuenta Malavé. "En Internet busqué historias policiales reales y me topé con varias páginas que hablaban sobre abuso de menores y eso me llevó a un cangrejo real que hubo aquí en Venezuela, en el año 2007, sobre pornografía infantil a través de la red. La investigación del tema fue muy ruda y deprimente, así que medio disfracé la realidad agregándole detalles de otros casos policiales y salió esta historia ficticia con una base real."

Pero hasta ese momento era solo eso, una historia, no un guión. Mientras, Malavé completaba la producción de Amorcito Corazón y esperaba iniciar su próxima película con financiamiento del estado. Entre promesas y jaladeras pasaron varios meses hasta que el director se cansó de esperar.

“No puede ser que para hacer una película en este país tu tengas que estar jalando. Más si ya hice una película que metió cierta cantidad de gente en las salas, que estamos claros, no es la mejor película, pero tampoco la peor que se ha hecho en Venezuela. Así que agarré mis corotos, agarré mi gente y dije: ‘Vamos a hacerla’. Tomé la idea del policía y escribí un argumento de 30 páginas con principio, desarrollo y final, todo bien planificado, lo único que faltaba: Los diálogos. Tenía 4 semanas para filmar y como no tenía dinero me dije: 'Vamos a experimentar, vamos a improvisar'."
La experiencia más reciente de cine guerrilla e improvisado que había para ese momento en Venezuela era SubHysteria. Para la fecha del rodaje aún no había sido estrenada, por lo que realmente no había referentes con qué comparar la película. Quienes odiaron subHysteria, pueden respirar tranquilos pues la experiencia de Las Caras del Diablo es mucho más convencional y accesible que el filme de Zelig.

"En un principio quisimos hacer la película en blanco y negro, pero conociendo cómo son los distribuidores aquí, no me iban a dar sino 4 copias. Queremos experimentar, queremos hacer un cine de autor, pero sobre todo, queremos que la gente la vaya a ver." Comenta Malavé.

Durante el rodaje, a Malavé le tocó hacer de todo. Fue camarógrafo, fotógrafo, productor, director. Los equipos, utilería y vestuarios, debían caber en la camionetita Terios de su esposa, de lo contrario no habría película. Lo único que se pagó (simbólicamente) fue un grupo de técnicos que aceptó cobrar la mitad de lo que se paga normalmente, sin pasar horas extras y a sabiendas de que no tendrían ni corte de comida. Esclavitud voluntaria o amor al arte, ustedes deciden.
A diferencia de subHysteria, Las Caras del Diablo no utiliza su proceso de realización como ardid publicitario, sin embargo, sí hace difícil cuestionar para quien lo conoce la pobreza de su estética y puesta en escena. La mayoría de lo que se ve en la película es real, desde la comisaría, hasta las prostitutas, pero la poca atención puesta en el detalle y cuidado de su dirección de arte, le da un look a la película que podría matar de conjuntivitis a directores tan preciosistas como Alejandra Szeplaki. Esto no es algo que agarre desprevenido al padre de la criatura.

"Mis películas no son de una estética muy trabajada, yo lo asumo. Yo voy pendiente de contar más la historia que de pensar cómo se ve eso. No por nada malo, pero es que simplemente no he tenido presupuesto para pagar las exigencias de un director de arte, cuando tenga una película donde el arte sea una prioridad, lo pagaré con todo gusto. Yo trabajo porque quiero hacer una película, porque quiero echar una historia y si esa historia funciona, atrapa a la gente. Un poco más, un poco menos, pero yo aposté a mi historia y a las actuaciones."

Entonces, si no hay con qué pagar, no hay guión y puede que te peguen un tiro mientras ruedas en la calle, ¿Cómo convencer a los actores para dar ese salto de fe a involucrarse en un proyecto tan particular como este?

"Lo que utilicé fue la rabia hacia la burocracia del cine venezolano. Todos sabíamos que la película estaba, pero estaba en un limbo. Yo tengo mis panas, que no son solamente mis actores, sino que en la vida cotidiana compartimos. Tu tienes que estar muy claro en lo que estás ofreciendo, porque si la vaina sale mal, es su imagen la que la gente va a criticar. A los actores les atrapó la historia, les vendí imágenes para que ellos se involucraran en la cuestión. Además la idea de que ellos serían quienes iban a dialogar en el set a punta de improvisación, les encantó."
Así, el elenco quedó encabezado por Jean Paul Leroux, que a mi juicio logra aquí la mejor actuación que ha hecho en su carrera; María Fernanda León, quien también sorprende gratamente con su actuación y William Goite, quien hizo a su vez de acting couch de la película. Completan el elenco Guillermo García (Muy, muy bien), el Nigga (A quien prefiero ver mil veces haciendo de malandro), Mariaca Semprum (Whatever), Catherina Cardozo (Bien), Matilda Corral (Bien), Sócrates Serrano (Bien) y Jackson Gutiérrez (Muy, bien).

Las Caras del Diablo Es un policial que cumple con todas las de ley, pues todo lo que uno puede esperar del género está allí. Es una película modesta, sin mayores aspiraciones taquilleras o artísticas, pero con muchas ganas de entretener. A mi juicio, lo logra.

Taita Boves: ¿Hasta dónde llega tu venganza?

2010-09-17T06:05:00.000-07:00

Por mucho maquillaje y dulce que le ponga, la Venezuela de los siglos XVII y XVIII fue algo así como El Corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad. Tierra de nadie, de intolerancia, de hombres sin ley, de ríos de sangre, resentimiento, politiquería y leyenda. No sé si la cosa ha cambiado mucho, pero en esa época se encuentran historias suficientes como para hacer nuestro propio Apocalipse Now, nuestra Ira de Dios, nuestros Siete Samurais, nuestros westerns.

Luis Alberto Lamata logra con su última película contarnos una historia tan cinematográfica y poderosa que da en la madre, que entretiene y que puya duro en la actualidad social y política de nuestro país. Es su segunda épica luego de Miranda Regresa (2007) y también su segunda producción con la Villa del Cine, institución que haga lo que haga, no deja de cargar a cuestas el peso de panfletos propagandistas como La Clase, Comando X o Zamora. ¿Le importan estos prejuicios al director? !Claro que no!

"En absoluto. Boves es una circunstancia distinta en mi relación con la Villa. Miranda Regresa fue también una satisfacción, pero en ese caso, ellos me contrataron para dirigirla. Taita Boves es una co-producción. Se estableció una relación que permitió que La Villa fuera uno de los participantes y estoy muy contento con los resultados, tanto, que estaría dispuesto a trabajar con ellos otra vez. Sé que existen prejuicios, pero hay que aprender a navegar por encima de ellos, no podemos permitir que los extremos enfermos de ambos bandos, afecten lo que debe ser la vida normal de un país. Los extremos intolerantes no dejan avanzar."

La película está contada en episodios que van hacia atrás y hacia adelante, con un aura de leyenda, de tragedia y maldición que hace que, a diferencia de otras épicas históricas recientes, Taita Boves no naufrague limitándose a contar hechos históricos en orden cronológico. A la película la mueven los sentimientos, las venganzas y los actores.

Hay que decir, que muchos de los extras que abren la película me hicieron temblar por lo malos que eran. Afortunadamente, la cosa se equilibra con un elenco muy bien escogido y muy creíble a pesar de contar con muchas caras conocidas. Gledys Ibarra nos muestra por qué sigue siendo la negra más sabrosa de Venezuela, Héctor Manrique nos hace reír y Juvel Vielma en el papel de Boves está increíble.

"Empezando el proceso de buscar a Boves, pregunté mucho por gente nueva." Cuenta Lamata. "Era un papel difícil pues no sólo debía ser buen actor, sino tener un físico determinado, debía montar a caballo, no tener más de 30 años, tenía que verse bien con el pelo rojo y sobre todo, debía ser un actor que tuviera la pasión y locura que un personaje como Boves debe haber tenido. Preguntando llegué hasta Juvel, a quien vi por primera vez en un montaje de Héctor Manrique llamado Fin de Partida. Él hacía un papel extraordinario. Los castings son mentirosos, te cuentan poco de lo que es un actor. Yo, personalmente, prefiero otro tipo acercamiento. Así que no hubo casting. Leímos algunas escenas, conversamos un poco y decidí que ese chamo era el Boves que yo me imaginaba. En el resto del elenco, también hay actores conocidos, Gledys Ibarra, Daniela Alvarado y Luis Abreu, por nombrar algunos. Si hay algo que me gusta de Taita Boves, es que combina nuevos y viejos actores. "

Taita Boves se filmó en locaciones de Valle de la Pascua en el estado Guárico. Ahí se recrearon batallas y exteriores en plena temporada de lluvias, cosa que complicó mucho el rodaje pues hubo escenas donde el barro le llegaba a los actores y al equipo, literalmente, por las rodillas. La fotografía de Alejandro Wiedeman está muy bien y va mucho más allá del paisajismo insípido con el que suele retratarse nuestro llano. También destaca la música de Francisco Cabrujas, cómodo en las aguas de la épica venezolana y segura contendiente para el prestigioso Cheché de Oro que entrega esta página.
He escuchado comentarios de gente que cuestiona la pobreza de las batallas o los decorados de cartón piedra (coincido personalemente con esto en la escena de la encerrona en la hacienda de Valencia, parece de unitario), pero más allá de eso, considero que esta película no se hizo para impresionar por su puesta en escena, más que por la complejidad e impacto de su historia. Si algo me molestó, debo decir que fue el montaje de Jonathan Pellicer. La combinación de cámaras lentas con imágenes congeladas (supongo que en un intento de modernizar el estilo de la cinta) se sienten forzadas y fuera de lugar.

Con la película en cartelera, Lamata no se detiene y ya tiene 2 proyectos paralelos en busca de financiamiento. "Como cineasta, si quieres adelantar, debes cargar con un baúl de ideas a cuestas. Por cada película que uno hace, siempre hay 5 o 10 que se quedan en distintas etapas." Mientras, nos ofrece una reflexión final sobre sus expectativas con Taita Boves:
"Me interesa que se lleven preguntas e inquietudes sobre lo que es el pasado de Venezuela. Siento que un país necesita tratar de comprender su pasado, que no es lo mismo que anclarse en él o creer que lo que pasó antes es una maldición que nos va a perseguir por siempre. Un país necesita su pasado para tener identidad, igual que uno necesita su memoria. En la película, lo que sigue al titulo es una pregunta… “¿Hasta donde llega tu venganza, Taita Boves?” Tengo ganas de hacerle la misma pregunta a todos los venezolanos por muchas circunstancias del presente."

Insisto, Taita Boves es una muy buena película. Una de las mejores cintas venezolanas del año.

La Hora Cero: Diego Velasco viene con una plomamentazón

2010-09-08T05:51:00.000-07:00

Pues eso, el 10/10/10, aunque es realmente el 09/10/10, pero los ceritos todos juntos se ven mejor en el material promocional. Se acerca el estreno de la ópera prima de Diego Velasco, director venezolano residenciado en Los Angeles, responsable del cortometraje Cédula Ciudadano (2000) y de la dirección de la serie Planeta de 6.

¿Y De dónde salió este pana? Bueno...

“En Caracas echaba broma con mi camarita de video, me gradué en Venezuela de bachiller, pero estudié comunicación social en Estados Unidos. Me gradué en el 95 y buscando cambiar de carrera, empecé como asistente de cámara en la ciudad de New Orleáns. Allí fui desde el que montaba chasis, pasando por el segundo asistente, primer asistente, operador de cámara, director de fotografía, hasta que hice un corto. Trabajando en todos esos roles, me sacaba la piedra cuando veía que el director no hacía su tarea, eso me frustraba y me dije: Nada, dirigiré algo yo. Así que hice Cédula Ciudadano en el año 2000, en 35 mm, apoyado por el CNAC, me fue bien, aprendí mucho. Luego trabajé en la dirección de la serie Planeta de 6 en Televen y después, seguí trabajando en varias producciones en los Estados Unidos.” Cuenta Diego.

“Mis influencias fueron las de cualquier fan del cine de mi generación: Volver al Futuro, Terminator, Star Wars la vi más de 38 veces, amo The Matrix, Inception y ese es el tipo de cine que me gustaría hacer, el que me entretiene y me emociona y es universal, claro, sin abandonar la idiosincrasia venezolana con la que crecí. Yo nunca pretendí ser Spielberg o Almodóvar, ellos ya tienen su carrera. ¿Qué tengo yo que no tienen ellos? Mi cultura, mi venezolanidad, historias universales con sabor local. Spielberg, James Cameron, Scorsesse, todos tienen mucha fórmula americana de guión con sus 3 arcos, puntos de giro, etc. Habiendo crecido viendo todo eso que me gustaba, mezclé esos truquillos de su cine de acción con mi Operación Chocolate. Quería adaptar lo mejor de ambos mundos, tal como siempre quise: Estudiar fuera, aprender trucos de Hollywood y aplicarlo a mis historias venezolanas.”

Diego reconoce que aunque le gustaría hacer todo tipo de géneros, lo suyo son las emociones fuertes. “Mi terapia es el cine. No tomo, ni me drogo, mi droga es el cine. Tengo muchas historias que contar, respeto el drama intimista, pero no sé si tengo la habilidad, no me nacen las historias. A mi lo que me encanta son los thrillers, la acción, el terror, quiero hacer una primera película de horror venezolana, de hecho, actualmente estoy escribiendo junto a Nacho Palacios la primera versión del guión de El Silbón, si todo sale bien, esperamos arrancarlo en el 2011.”

El gran problema para las emociones fuertes en el cine venezolano, especialmente si se trata de un filme de acción, es el cochino dinero. Si antes no se habían hecho películas de acción en Venezuela, no ha sido por falta de ganas, sino porque es difícil y costoso y como dice Diego: “Para hacerlo a medias, mejor no hacerlo”.

Afortunadamente, el guión de La Hora Cero contó con el respaldo económico del CNAC (donde obtuvo el mayor puntaje de su convocatoria) y los buenos comentarios obtenidos, consiguieron atrapar el interés de inversionistas extranjeros que permitieron que Diego tuviera los dolaritos y la maquinaria necesaria para hacer la película que él imaginaba. Si uno lee las hojas de vida de varios de los implicados en la producción, aparecen títulos mundialmente famosos como Y Tu Mamá También, Lost, El Secreto de Sus Ojos, Pincesas, Rec, lo que denota que esta es una producción pensada desde el comienzo para ir mucho más allá de nuestras fronteras. Si el gran reto era dar vida a las secuencias de acción, la solución era buscar a los mejores expertos que pudieran pagar.

“Teníamos un productor asociado en Argentina y de allá nos trajimos a gente de la misma empresa de efectos especiales que hizo 9 Reinas, Torrente y muchas otras.” Cuenta Diego. “Ellos viajaron a Venezuela y nos hicieron todas las tomas de riesgo. No quería que nadie saliera lastimado en las tomas peligrosas, quería buscar gente profesional para aprender de ellos y de aquí en adelante poder hacerlo nosotros. Eran unos duros, campeones de motocross en Argentina, pilotos de helicóptero, sabían cómo frenar, colearse, cuántos metros se necesitaban para una caída o un frenaso. De verdad es impresionante el dominio de la técnica de acrobacias que poseían.”

La suya no es cualquier película de malandros, es LA PELÍCULA DE MALANDROS.

La más cara y la más truculenta que se ha hecho en el país, y ojo, lo digo como algo bueno. Sus realizadores se plantearon hacer un filme de acción con todas las de la ley y lo lograron. Échenle un ojo a esto...

Pronto más...

Las Caras del Diablo Malavé

2010-08-31T08:59:00.000-07:00

Carlos Malavé tiene años trabajando en el medio audiovisual. Con su productora se ha ganado la vida realizando desde videos universitarios, hasta comerciales y video clips. Pero su gran pasión, siempre ha sido el cine. Los muros de su oficina están decorados de afiches y postales de clásicos del séptimo arte, su biblioteca llena de libros de cine y, aunque sus dos primeros cortometrajes no fueron muy difundidos, le prepararon el camino para que en Febrero del 2008 estrenara su ópera prima: Por un Polvo.
Para escribir el guión, Malavé se internó en un cuarto de hotel en Buenos Aires, con su computadora y una montaña de libros reconocidos sobre escritura de guión. Dos meses después, se dio cuenta que para contar su historia sólo debía recurrir a lo que siempre lo había acompañado: Sus influencias.

“Yo siempre había querido hacer mi película. Y no era precisamente una película profunda, con un mensaje social importante que decir, ni nada de eso. Yo quería hacer una película que fuera entretenida, por eso esta película no es más que un pasticho de mis influencias, que van desde El Padrino de Francis Ford Coppola, hasta las películas venezolanas de los setenta que me encantan.” Contó el director por allá en el 2008.
“Al principio tenía la idea de hacer la película con puros super equipos, pero por cuestiones de presupuesto y practicidad tuve que volver a lo más básico, de lo contrario no hubiera podido terminarla. Necesitaba trabajar con equipos livianos, con cámaras pequeñas y pensé en el trabajo de Jonathan Jakubowicz en Secuestro Express, quien rodó su película con una camarita casi de juguete. Decidí entonces trabajar con tres cámaras HDV que rodaban al mismo tiempo, permitiéndome tener tres planos distintos de una misma escena. Las posibilidades de la película, siendo una cinta de acción, en ese momento se multiplicaron. Yo creo que hoy en día trabajar en 35 mm no es posible para mi por cuestiones de inmediatez y simplicidad, creo que para nuestra industria el video es la gran solución para poder rodar mayor número de películas, a bajos costos y con poco personal.”

"No puedo estar pensando en presupuestos de 3 millardos. Si la película es exitosa, es importante hacerse de un fondo que te permita seguir haciendo las películas que a uno le gustaría ver. Yo no tengo ningún tipo de pretensión. En un mercado como el nuestro, uno no puede estar pensando en cosas muy internacionales. Uno tiene que reventarla aquí para luego poder salir. Como Jonathan Jakubowicz."

Con poco dinero y mucha voluntad, Carlos hizo su película. No le fue mal y hasta en formato casero fue editada, tanto en original como "quemaíto". Sin parar, comenzó a preparar varios proyectos nuevos, entre los que me llama poderosamente la atención el remake (con algo más de presupuesto) de Azotes de Barrio en Petare de Jackson Gutierrez. Pero de todos, el que vió primero luz ha sido Las Caras del Diablo, financiada de forma independiente, rodada en estilo guerrilla y con diálogois improvisados por los propios actores: Jean-Paul Leorux, William Goite, Mariaca Semprum, María Fernanda León, Carlos Madera, Matilda Corral y Guillermo García. El estreno es el 17 de septiembre y pronto conversaremos con el director acerca de lo que fue llevar a los cines este policial rodado en Maracaibo.

Para que se hagan una idea de por dónde van los tiros, les dejo este "statement" que Malavé me dió en el 2008:

“Yo no hago películas para que la disfruten los técnicos, ni la comunidad cinematográfica de este país. Estoy haciendo una película para que la señora que vende el pan, el motorizado y la mayor cantidad de gente posible, la vean y la disfruten. Yo tengo un termómetro que es impelable: mi hermano. Él es abogado y más cuadrado que eso no puede existir. Cada vez que iba avanzando en la producción de Por un Polvo le iba mostrando partes a él y sus amigos abogados que van tres veces por semana a ver películas de acción de Bruce Willis.”

El pana está clarísimo. No me pelo Las Caras del Diablo.

Taita Boves: El Urogallo de Herrera Luque y Lamata

2010-08-23T13:36:00.001-07:00

Aquello del malo malísimo, que se peina los bigotes al tiempo que ríe “muaca muaca” mientras planifica sus maldades, nunca funcionó para Francisco Herrera Luque. Tampoco lo hicieron los héroes independentistas inmaculados y pulcros, montados en plazas y pedestales exentos de humanidad. Él sabía que la historia la escriben los vencedores (y los que la puedan manipular), por eso su obra fascinaba y sigue fascinando, por su forma de cuestionar lo mil veces dibujado y de fabular ciertas lagunas del pasado de Venezuela.
Cuando en 1972 publicó su novela sobre José Tomás Boves, personaje desvirtuado hasta el cansancio por las vergüenzas y orgullos de historiadores, guerrero terrible, sanguinario y protagonista de leyendas, se convirtió en un éxito inmediato y hoy, es considerada como una de las obras indispensables de la literatura venezolana.
Entre quienes se devoraron los primeros tirajes de la novela en una sentada, estaba el padre de quien sería uno de los directores más destacados de Venezuela: Luis Alberto Lamata.

“Siempre me interesó mucho la historia, el cuento de qué había pasado antes. Buena parte de ese interés, es gracias a mi padre, que disfrutaba narrándonos los cuentos de la historia de Venezuela muy, muy bien.” Comenta el director. “Yo tenía como 15 años cuando mi papá leyó y comentó Boves, El Urogallo. Yo la herede y devoré. Recuerdo que fue una lectura afiebrada, de esas que no se detienen. Me emocionó mucho, yo sentía que allí estaba reflejado el país de una manera que no había visto antes. Era interesante, con una forma novedosa de abordar nuestro pasado y las razones de los procesos alrededor de nuestra independencia.”
Poco después de la publicación de la novela, se hizo una adaptación para TV con guión de Jose Ignacio Cabrujas y con Gustavo Rodríguez en el papel protagónico. Era una de las cosas más redondas que se habían hecho en nuestra pantalla y el joven Luis Alberto, ya tenía interés en el cine y la TV. Poco sabía que más de 30 años después, él y su productora Jericó LL Films llevarían a la pantalla grande su propia visión de Boves, El Urogallo.

Esta sería la cuarta de sus películas donde muestra aspectos y personajes de la historia venezolana: En Jericó (1990), lidió con misioneros, conquistadores e indígenas; En Desnudos con Naranjas (1996), vivimos el drama de personajes atrapados en medio de la guerra de independencia; Luego, Miranda Regresa (2008) y ahora Taita Boves.

“Mi película hay que verla como la visión libre y personal de un autor que respeta a un autor mayor como Herrera Luque. Si bien está inspirado en la novela, es una versión muy personal y libre. Para mi tiene sentido ser responsable de una mirada que posea parte de mis vivencias personales y de un país que 30 años después no es el mismo que cuando se publicó la novela.” Cuenta Lamata.

La película se estrena este viernes, vayan a verla, en mi ranking particular es una de las 3 mejores cintas venezolanas del 2010. Veanla y la comentamos por acá.

"Rotten Town", Hernan Jabes se las Trae

2010-08-19T04:56:00.000-07:00

No se tapa el sol con un dedo. No es casual que las películas más taquilleras y exitosas de nuestra filmografía sean las de barrios y malandros. Los grandes protagonistas de nuestra cultura son el Malandro y la violencia. Lo mismo se ve en la tele, en nuestro Hip Hop, en nuestra jerga y en nuestros chistes. ¿Pornografía? ¿Amarillismo? Ya te aviso. Por mucha risa y mucho paño caliente y mucho mira pa' otro lao', es imposible que tópicos que nos afectan tan directamente escapen de nuestras expresiones culturales. Así que Izarra puede reirse cuanto le de la gana, pueden censurar fotos, multar periódicos y canales, pero la sensación, es la sensación... Y le creo más a nuestro arte que a sus declaraciones.

Macuro (2007) fue la ópera prima de Hernan Jabes y desde mi punto de vista, fue la mejor película de su año. Hoy, me topo con este video clip que el director realizó para oneShot y me quedo pasmado ante tan buena realización y buen concepto. Hernancito se las trae.

Habana Eva, ¿Fina, por qué?

2010-08-16T12:41:00.000-07:00

De verdad quería que me gustara. De verdad.

Si bien el trailer no explicaba mucho (o mejor dicho, nada) entregué mi voto de confianza a la realizadora de Oriana (1986), una de mis películas venezolanas favoritas.

Tal vez fue mi error. Tal vez he sobre estimado a la señora Fina Torres en función de su ópera prima porque hablando sin tapujos, Mecanicas Celestes, aunque tiene lo suyo, no me mató; y Woman on Top menos.

La directora abandonó el drama de su primera película para dedicarse a la comedia romántica en sus 3 últimos trabajos y luego de examinar su filmografía, no siento que sea el género donde sale mejor parada.

Vamos por partes.

A ratos, la fotografía sorprende. Hermosa y con un gran colorido. Pero de pronto... !Pufff! Comienzan a aparecer los fuera de foco, los errores de sincronización con el audio, los planos con textura de video... Y con ellos, volvieron a la mente de este espectador todos los cuentos que pretendí ignorar sobre los fulanos problemas técnicos de la producción y de cómo hubo que volver a grabar parte de la cinta por estar fuera de foco.

Con todo esto, puedo vivir. Nuestro cine nunca ha brillado por su factura técnica y honestamente, no es algo que pare o descoloque a quien está inmerso en la trama. Pero Dios santo, fueron la historia y los diálogos de la película los que me hicieron desear que la cinta terminara tan pronto como fuera posible. Al respecto, Fina comenta:

“El guión original de Jorge Camacho estaba basado en las vicisitudes del período especial, cuando Cuba quedó sin el sostén de la Unión Soviética, época terrible, de mucho sufrimiento para los cubanos. Ya para el momento en que comenzó el proyecto, esa situación se había mayormente arreglado y soplaban vientos de cambio en la isla con el retiro de Fidel y las expectativas de apertura del nuevo presidente.”

“Pero existe en Cuba una juventud fuerte, vital, rebelde, y de una modernidad que no se percibe a simple vista y que uno no se imagina. Eso me interesaba de sobremanera. Entonces decidí adaptarlo, cambiarlo de época, de tono y de situación, aunque muchos elementos de la narrativa original se mantuvieron. Trabajé con Julio Carrillo, guionista cubano quien reside en La Habana y luego con Arturo Infante, joven director y guionista muy talentoso, también cubano. No fue fácil la adaptación.”

Me imagino, porque los resultados son, a mi juicio, infames. La historia gira en torno a Eva (Prakriti Maduro), una joven con dilemas muy cercanos a los de la nueva juventud venezolana. “Ella tiene talento y ganas de superarse, pero tiene también la arraigada crianza de que “no se puede”, de que “hay que pedir permiso” de que “no te van a dejar”. Está acostumbrada a las limitaciones y a seguir órdenes.” Comenta la actriz. “Un espíritu creativo no se puede permitir eso, no importa en donde haya nacido."

Eva tiene un novio cubano con quien se ha imaginado su futuro, pero sus sueños de vida se ven interrumpidos con la presencia de un nuevo amor: Un cubano exiliado, un venezolano criado en el capitalismo, con otra forma de entender la vida, que llega en el momento justo en que ella está ansiosa de un cambio. Con este nuevo romance y dos hombres en su vida, emprende el camino obligado a su transformación. La directora vio en los conflictos del personaje central, una metáfora de las opciones a las cuales estamos enfrentados hoy en Venezuela.

Suena interesante, pero no lo es. El guión se valió de cuanto cliché conocido existe para echar su cuento. Diálogos cursis, trillados y con tratamiento de telenovela, parecen sólo prepararnos para la segunda parte del filme, cuando en un giro esquizofrénico, lo que era una historia de amor rosa se convierte en un cuento con fantasmita amigable incluído y resuelto con bastante ligereza. Yo no lo podía creer, hubo hasta risas no intencionales por parte del público asistente en varias escenas.
Sumado a la falta de tino y tono del guión, hay que subrayar el desacierto de la presencia de Juan Carlos García como protagonista masculino. Su aparición será recordada en la infamia, como una de las peores actuaciones que he visto desde Fernando Carrillo en El Caracazo. Sus dientes aparentemente blanqueados para la ocasión, dotan de un encandilante brillo la pantalla que me hace pensar que en algún momento habran sido solicitados por el director de fotografía para iluminar ciertas escenas a falta de faroles. Toda una comiquita de galán, tanto en papel, como en carne y hueso.
Afortunadamente su contraparte cubano, Carlos Enrique Almirante, está excelente en su papel. El desnivel actoral entre ambos es tan grande, que me hace dudar que exista la mínima duda en Eva de con quien debe quedarse al final de la historia.

Dicho esto, hay que destacar que el mayor atributo de Habana Eva, es la excelente actuación de Prakriti Maduro, quien no sólo logró un convincente acento cubano, sino que también hizo desnudos sin aparente pudor e interpretó de manera impecable todos los matices de su personaje. Sin duda, una de las mejores actuaciones femeninas que he visto este año.

Conclusión: No me gustó la película, muy a pesar de la buena actuación de Prakriti. Me voy con la duda de si Oriana fue un golpe de suerte en la carrera de Fina Torres. Ojalá un próximo trabajo dramático de la directora me demuestre que estoy equivocado.

Cheila, una Casa pa' Maita

2010-08-06T08:22:00.000-07:00

Finalmente la vi el fin de semana. Mi esposa odió cada minuto e incluso twiteaba desde la sala destruyéndola. No la culpo. Es una película que para algunos, homofobias aparte, puede resultar difícil de ver. Retrata una realidad a la que frecuentemente preferimos voltear la mirada y no lo hace con buen gusto, ni con buena factura técnica. A pesar del rancho, siento que Cheila, una Casa pa’ Maíta es una cinta que tiene unas bases sólidas y varias virtudes.

El guionista Elio Palencia, hizo la adaptación de su texto teatral La Quinta Dayana para concursar en el 2007 en la I Convocatoria de Ideas para Largometrajes de ficción de la Villa del Cine. Obviamente ganó con la historia de Cheila, transexual que regresa de Canadá a pasar navidades en la casa que le regaló a su madre, con la esperanza de que su familia pueda apoyarla económicamente para terminar de cercenarse el que te conté. ¡Sorpresa! La otrora hermosa “quinta” está tan deteriorada como la sociedad venezolana y la ocupa un caótico grupo de hermanos, cuñadas y sobrinos vividores, que harán que Cheila se replantee la relación consigo misma y con su familia.
Secretos, monstruosidades, rencores, desamor, intolerancia y “viveza criolla”, todo amasado por el director Eduardo Barberena, recordado (por alguien, no por mí) productor de largometrajes nacionales de los años setenta, asistente de dirección de Román Chalbaud y Miguel Littin; Responsable de uno de los segmentos de Tres Tristes Trópicos (1982) y director del largometraje La Hora Texaco (1985). Barberena, también tiene engavetada en La Villa del Cine la peli Bambi C-4 (201X) sobre el terrorista cubano Luís Posada Carriles.

En el material de prensa se leen cosas tan trilladas como: “controversial”, “la historia de una mujer nacida en el cuerpo de un hombre”, “que persigue su sueño”, etc. Pero la verdad, de controversial no hay nada en la película más allá de la explotación mediática del hecho de que Cheila, en la vida real, es interpretada por Endry Cerdeño, quién también cambió de sexo. El tratamiento del mundo gay, de los traumas del personaje y de sus secuelas emocionales saben a viejo, a ya probado y digerido mil veces, wanna be de Almodóvar con todos los clichés existentes de cine cabaretero de lentejuelas al son de la Lupe. Sí, otra vez el mismo “parecerse a…” o “Hagámoslo como en tal película…”
Hay actuaciones muy buenas, sí, como la de Violeta Alemán, Aura Rivas y José Manuel Suárez. Pero también hay terribles como la de Luke Grande, quien hace gala de sus caras de malo sobreactuado y desentona con todo. Parece un chiste. Y así con todo. Es una cinta que te deja bipolar y te hace ir del aplauso al abucheo.

Tiene secuencias absurdas que terminan causando risas no intencionales, como el baño de sangre que cae en la pantalla cuando una operación tiene lugar o los dos números musicales, totalmente gratuitos dentro del guión, simples y aburridos en su puesta en escena. Parecen más capricho que otra cosa. Fuera de tono, fuera de todo.
A pesar de detalles como esos, la cinta fue la gran ganadora del Festival de Cine de Mérida. Aunque la factura técnica es muy pobre (a excepción de una explosión muy bien hecha), las mayores virtudes de Cheila, una Casa pa’ Maita están en su guión. No nos equivoquemos, hay bastantes lugares comunes y los flashbacks que cuentan la historia de cómo Cheo se convirtió en Cheila, especialmente ese capítulo trágico que ocurre en una playa, son absolutamente prescindibles. Si los sacan, no pasa nada.

En cambio, sí hay algo que atrapa y deja algo en el drama familiar que desencadena la llegada de Cheila a la mentada casa. La alegría que produce en todos su regreso y la aceptación de su condición, van desapareciendo paulatinamente en la medida en que a la protagonista no le quedan más opciones que pensar primero en ella misma.
Siento que hay en el argumento una clara crítica al paternalismo, a un pueblo acostumbrado a que le den todo en la boquita y que termina convertido en parásito. ¿Es criticable entonces que para Cheila, la libertad y el éxito se encuentren fuera del país? ¡Claro que no! ¡Para ella es así y punto! Y mientras ella se va con su bolero a otra parte, sigamos malcriando a nuestros hijos, sigamos chuleándonos a nuestros proveedores, pero eso sí, nada de voltearse, que el que le pega a la mamá se arruina. Ir a casa de Maita, es ver a la cara a una Venezuela que existe y que sigue malcriándose aunque no nos guste.

Fina Vuelve

2010-07-26T07:15:00.000-07:00

Rarísimos y poquísimos son los casos en los que más de una película venezolana tiene su chance en las carteleras. Este viernes los planetas se alínean y no habrá 2, sino 3 cintas criollas en exhibición: Hermano (que ya superó la berrera de los 100 mil espectadores), Cheila: Una Casa pa' maíta (que aún no he podido ver, pero de la que pronto tendrán un review), y finalmente, la esperada cuarta película de Fina Torres, Habana Eva.

Digo esperada, porque en el imaginario popular del minúsculo mundo cinematográfico venezolano, Fina Torres es considerada como una de las duras. Sólo ha rodado 4 películas, pero de todas ellas se puede hablar largo y tendido, tanto por su calidad (sí, incluso Women on Top tiene lo suyo), como por el impacto que han tenido para el cine venezolano.

Toda una generación de veinte añeras debe su nombre a su ópera prima, Oriana (1985), que no sólo suele ser recordada como una de las mejores películas venezolanas de todos los tiempos, sino que además tiene el tupé de ser la segunda cinta venezolana (después de Araya de Margot Benacerraf) en haber sido premiada por el Festival de Cannes con la Cámara de Oro.

Su segundo trabajo, Mecánicas Celestes (1995) fue recibido con aplausos en el extranjero y le abrió las puertas para rodar en Hollywood, Women on Top (2000), donde tuvo la oportunidad de dirigir a una joven y ascendente Penélope Cruz. La peli no fue precisamente un éxito, pero sí era técnicamente correcta (Cosa que a veces es mucho decir para nuestro cine), con propuestas medianamente originales y un soundtrack bestial.

¿Qué quedó de su paso por Hollywood?

- Esa industria nunca fue mi objetivo. Desde joven siempre preferí el cine europeo al americano; nunca me atrajo Hollywood. Por eso estudié y trabajé en Francia. Pero Mecánicas Celestes tuvo mucho impacto en el festival de Toronto y Sundance, la compraron distribuidores americanos, y a partir de allí me empezaron a llegar invitaciones y propuestas desde Los Angeles “las cuales acepté” por pura curiosidad. Fue interesante ver el contraste entre un cine independiente y de autor y la verdadera maquinaria americana de los estudios. Así que me dejé llevar con la corriente y la verdad aprendí mucho sobre esa industria que es otro mundo, totalmente de negocios, y que está en permanente cambio siguiendo los tumbos de la economía.

¿Volvería a trabajar allí?

- No. Lo que más valoro es la libertad creativa y eso es muy difícil en ese sistema de producción. Prefiero hacer cine realmente independiente, así sea difícil y lleno de limitaciones.

Un Té en La Habana

Ha pasado una década desde su última producción, pero por fin, luego de más de 3 años de trabajo, millón y medio de dólares, intentos de secuestro a su actriz principal, peleas en el set y conflictos con la piratería, llega su cuarta película como directora, protagonizada por Prakriti Maduro y Juan Carlos García; Esta vez, no de la mano de Hollywood, sino de La Villa del Cine, institución que no tuvo problemas en abrazar el nuevo proyecto de Torres que debía filmarse casi completamente en Cuba.

La directora soñaba con filmar allí desde que la visitó por primera vez en el 86 cuando exhibió Oriana, por eso cuando el guión Habana de Jorge Camacho llegó a sus manos, no lo pensó 2 veces. Pero aunque se quiera tapar el sol con un dedo, no es secreto que si limitaciones sobran en el cine latinoamericano, más lo hacen en la isla.

“Hubo muchos retos logísticos." Cuenta Fina. "Tuvimos que traer materiales y maquinas que no se encuentran fácilmente en Cuba. También hubo problemas para comunicarse con el exterior, tanto por teléfono como por Internet, y esto era una coproducción con su base en Venezuela.”

Prakriti Maduro, la protagonista de esta historia, también recopila algunas anécdotas del rodaje. “Dicen que unas actrices cubanas me querían secuestrar, que el material de la película que llegaba a Caracas se vendía directo en la autopista, que los actores cubanos usaban apuntador, que Juan Carlos García golpeó al director de fotografía porque lo dejaba en la sombra, y que la película se tuvo que filmar dos veces. Todo fue verdad, salvo que se filmó dos veces.”

Los resultados de la experiencia llegaran a las salas el viernes. Yo ya tuve oportunidad de verla, así que en lo que termine de saldar mi deuda con Cheila, les traigo mis comentarios y más testimonios de Fina Torres sobre la realización de la película.

Trailer: "Las Caras del Diablo"

2010-07-20T05:23:00.000-07:00

Nuevamente vía Blogacine nos llega un trailer recién salido del horno. Se trata de la nueva peli de Carlos Malavé, quien está a punto de convertirse en el cineasta con el ritmo de trabajo más productivo del país. Luego de haber estrenado Por un Polvo en el 2008 y de haber producido otros proyectos, llega al 2010 con 3 películas debajo del brazo rodadas en video, hechas con bajo presupuesto y en el caso de Las Caras del Diablo, con diálogos improvisados sobre una estructura de guión. Gran parte del cast ya ha trabajado antes con Malavé y estoy casi seguro de que seguirán apareciendo en sus películas, que dicho sea de paso, son de género. Acción, suspenso y Humor Malavé stile. Estreno el 17 de Septiembre.

Hermano: Golazo!

2010-07-01T12:23:00.000-07:00

La ópera prima de Marcel Rasquin a primera vista parece sólo una película de fútbol. Pero es mucho más. Es también un drama familiar que se apodera de la adrenalina, entorno y emoción de este deporte para hablar de vínculos y la posibilidad de alcanzar un sueño. Tan cursi, clichoso y comercial como suena, la película es un palo y puede que la pegue del techo con el público cuando se estrene este viernes.

Desde hace meses se viene hablando de Hermano como una de las cintas capaces de marcar el esperado “gol” en cuanto a calidad técnica y aceptación del público venezolano. El filme ha ido sumando comentarios positivos a diestra y siniestra, triunfó en el Festival de Moscú y ha generado una enorme expectativa que hasta la convirtió en vehiculo de comunicación para el desarrollo en un proyecto de UNICEF.

Para quienes se lo preguntan, la respuesta es NO. No es un remake criollo, ni una copia, ni nada parecido a la película mexicana Rudo y Cursi, que tiene una premisa bastante similar. Marcel estuvo negado a verla hasta completar la filmación y cuando por fin vio la cinta de Carlos Cuarón, respiró aliviado. Nada que ver una con la otra.
Además de que los protagonistas son hermanos y de que hay fútbol en ambas películas, la mayor similitud que existe entre las cintas es que su mayor fortaleza está en las actuaciones. Los protagonistas de la cinta de Rasquin tenían que ser dos chamos prácticamente adolescentes, que además de tener un talento futbolístico tipo Messi o Zidane, debían soportar dramáticamente la historia sobre sus hombros.

“Fue una tarea muy ardua encontrar el talento.” Cuenta Marcel. “Comenzamos a buscar un año antes y vi chamos de todos lados. De televisión, teatro, escuelas de fútbol me las conocí todas. A quienes venían a las pruebas, no les mostraba el guión. Conversaba con ellos, les preguntaba de su vida, tratando de indagar cuanto de su realidad tenía que ver con los personajes que iban a interpretar, pues si para algunos personajes iba a trabajar con “no actores”, tenía que al menos encontrar lazos muy claros de la vida personal de esa persona con la vida de los protagonistas. Al final, hice como 600 entrevistas para los dos protagónicos y encontré oro.”

Así, Fernando Moreno interpreta al hermano menor, un genio del balón, que marca goles excepcionales y tiene una convicción importante con su familia pues no es hijo natural, sino hermano de crianza. Un descubrimiento para las pantallas que el director describe como “El próximo Gaél García Bernal o el próximo Edgar Ramírez. Ese chamo es un monstruo.”

“El hermano Mayor, Julio, lo conseguí en Guatire.” Cuenta Rasquin. “Estábamos viendo locaciones y vimos una “caimanera”, alguien me dijo que había un chamo por ahí que se llamaba Eliú. Él no había visto una cámara en su vida. Vino a la entrevista y se abrió muchísimo conmigo. Encontré en él un actor excepcional.”
“Cerré el casting 6 meses antes de filmar, cosa que no se hace aquí en Venezuela, fuimos a taller de actuación y desarrollo de personajes con Prakriti Maduro, Beto Benitez y Edgar Ramírez, hicieron un taller de formación actoral de 6 meses súper intenso. Cuando llegamos al set, conocían de arriba a abajo a sus personajes, conocían la película al pelo, salvo algunas escenas que guardé para improvisarlas en el set. En las mañanas, entrenaban con el Caracas Fútbol Club, diariamente, para que también sintieran de cerca la experiencia del atleta profesional. No son actores famosos, pero son actores fabulosos.”

No Más Prórroga

Desde que se anunció su inminente llegada a los cines, Hermano ha tenido al menos 5 fechas tentativas de estreno. Ya finalmente, el público podrá apreciar la primera película de uno de los directores más conocidos en el mundo publicitario venezolano. Rodada en 50 días en formato 16mm, el mayor reto del rodaje fueron las escenas de fútbol.

“Es “jodiísimo”. En el setting visual de una película de béisbol, el drama suele centrarse entre catcher y pitcher. Pero en fútbol, la acción puede estar en cualquier parte. La audiencia está acostumbrada a ver transmisiones de fútbol con más de 20 cámaras. La transmisión de la champions que yo investigué tenía más de 30 cámaras en el campo. Yo obviamente no me podía dar ese lujo, pues tenía una sola. Debía coreografiar y repetir una y otra vez jugadas que terminaban siendo un suplicio horrible. Lo que sí pude hacer, es lo que no pueden hacer las cámaras de televisión… Meter la cámara en el campo como si se tratara de un jugador más. Siento que la película narra el fútbol de forma osada y con adrenalina, como si tú fueras parte del juego.”
Y lo certifico. Si algo tiene Hermano, es buen ritmo. Yo hubiera prescindido de algunos montajes musicales al son de bandas locales, pero con todo y eso, la película se siente dinámica y logra emocionar. Es un Tearjerker como pocos hemos visto en el cine venezolano. Nuestro Slumdog Millionare. Melodrama social. Con ranchos, malandros, lazos de familia y sueños por cumplir. El guión está muy bien, tiene giros inesperados, risas y momentos que impactan. ¿Que es comercial? ¿Que es otra vez cine de barrios y malandros? Sí y no. Hermano se siente fresca, pensada para Venezuela y más allá. !Joder, que hasta lo cursi funciona!

"Creo que Hermano va a generar una ruptura en el cine venezolano.” Cuenta Marcel. “Mi relación con el cine venezolano es de amor odio. Yo ahora formo parte del cine venezolano, que tristemente, se considera un género en si mismo. Estamos los cineastas trabajando por segmentarlo mejor, creo que hay espacio para contar historias de todo índole y de todo tipo, de todos los andares de la vida, pero sí ha padecido de muchos problemas que se ven en la pantalla y que en definitiva percibe el espectador, generando una resistencia natural del público hacia nuestro propio cine, que no es infundada.”

“Cuando uno llega a la taquilla con la novia y te preguntas, qué ver y te decides por apoyar al cine venezolano y te llevas un chasco, la próxima vez te lo vas a pensar. Todas las filmografías del mundo luchan contra eso, no es un problema exclusivo del cine venezolano. La enorme tarea de los cineastas venezolanos, es revertir esa sensación de insatisfacción de la audiencia con mejores películas, que siento que se están haciendo.”

Y yo también.

Hermano ganador!

2010-06-26T11:13:00.000-07:00

La cara de emoción de Marcel Rasquin, director de la esperadísima Hermano, recibiendo de manos de Luc Besson el Grand Prix del Festival de Cine de Moscú, no tiene precio. !Felicidades pana!

Su ópera prima, acaba de ganar el San Jorge de Oro a la mejor película, el premio de los críticos rusos y el premio del público. Así, Hermano sigue aumentando las inmensas expectativas que se tienen de esta peli que se estrena por fin en Venezuela el 02 de Julio.

Ese mismo chamo de la foto, se los juro, es un nerd confeso del séptimo arte.

“Hay un cuento que me echó mi papá. Dice que cuando me puso por primera vez La Guerra de las Galaxias en un proyectorcito de 8mm, yo no tenía ni dos años. Apenas salió ese monstruo negro que era Darth Vader, respirando por la boca, me agarré a mi papá asustadísimo, pero sin poder quitarle los ojos a la pantalla. El cine ha logrado eso en mí desde siempre”, cuenta el director.

Fanático de cuna. Ganaba las trivias de películas, recitaba los diálogos de atrás para adelante y hasta confiesa haber tenido una época en la que solía ver entre tres y cuatro películas diarias. Todo un fiebrúo, pues. Como no había escuelas de cine, se orientó por la Comunicación Social, con la esperanza de que eso lo condujera por el camino del séptimo arte. Y efectivamente, fue así. Fue productor general de Ni Tan Tarde durante varios años y, con su tesis de grado, ganó una beca de Fundayacucho y se fue a estudiar cine en Australia.

“Necesitaba aprender, como artista y creador, los rudimentos de escritura, dirección y fotografía para tener la osadía de decir: Voy a hacer un largometraje. Un día, me dije que la única forma de aprender a nadar era lanzándome al agua”, comenta Rasquin.

“Hermano nació cuando yo vivía allá en Australia y padecía un poco la distancia. Estuve muy pendiente de lo que estaba pasando en el país en los años del paro petrolero y el referéndum. Por el otro lado, Venezuela jugaba para clasificar al Mundial y la Vinotinto despertaba un nacionalismo sano y una efervescencia con el fútbol sin precedentes, que me tenía muy emocionado. Con un compañero de clases, Owen Jones, fuimos un día al aeropuerto allá en Australia a buscar un paquete que me mandaron de Venezuela. Íbamos en el carro oyendo música venezolana y yo le contaba de fútbol, los barrios, la situación política, le ponía joropo, hip hop y nos emocionamos. Entonces, se nos comenzó a ocurrir la historia de estos hermanos: unos chamos, de origen humilde, que quieren jugar fútbol profesional en Venezuela. Ahí nació la idea de la película”.

A cuatro manos, Marcel y Owen comenzaron a escribir el guión. A la quinta versión, aplicaron a un programa para desarrollo de guión donde decantaron el meollo de la historia. “En Venezuela, A & B Producciones me apoyó desde que la historia estaba en una servilleta. Los tipos “fliparon” con la idea. Yo tenía tiempo trabajando y dirigiendo con ellos y llegué de Australia con ese proyecto. Conseguimos el financiamiento del CNAC para hacer la película y ahora, 4 mil millones de bolívares de los viejos después, estamos a punto de estrenarla”.

Felicidades por ese premio, nos vemos en el cine!!!

Taita Boves: Trailer

2010-06-16T04:24:00.000-07:00

Y siguen llegando trailers. Esta vez, cortesía de Blogacine, llega lo nuevo de Luis Alberto Lamata, Taita' Boves, basada en la novela de Herrera Luque, BOVES, EL UROGALLO, acerca del que es para mi, el caudillo más interesante de nuestra historia.

No me gusta mucho el trailer y tampoco el poster, pero les aseguro que la peli es muy buena. Tuve oportunidad de verla hace unos meses y, no porque tenga debilidad por los trabajos de Lamata, les aseguro que es una de las mejores películas venezolanas del año. Echenle un ojo, o dos...

Taita Boves - trailer oficial- from Jonathan Pellicer on Vimeo.

A Salma ya no le gustan las serpientes

2010-06-10T05:37:00.001-07:00

No suelo poner este tipo de cosas aquí, pero esto me estortilló de la risa. Salma Hayek, María Bello y otra que no reconozco, daban una entrevista para promocionar su nueva película y una culebra pasó a saludar...

¿Por qué Salmita? Si cuando me enamoré de ti te encantaban...

Trailer - La Hora Cero

2010-06-09T06:44:00.000-07:00

Ya no me queda duda. Después de los trailers de Puras Joyitas, subHysteria y ahora el de la ópera prima de Diego Velasco, La Hora Cero, siento que por fin aprendimos a vender películas en Venezuela usando los artilugios efectistas y manipuladores de un buen trailer.
Esta peli promete en grande. Si las escenas de acción quedaron la mitad de buenas de lo que se ven en el trailer, voy confiado a la sala. No dejen de pasar por el site http://www.lahoracero.com
Enjoy!

subHysteria: Polariza y... ¿Vencerás?

2010-05-21T07:36:00.000-07:00

Suele ser la norma echarle un camión de bolas a la promoción de una película durante la semana de estreno. Entrevistas para cuanto medio exista, pancartas, material P.O.P, etc... Montarse en ese tren suele resultar tan agotador para los cineastas como el proceso de rodaje del film y de paso, no termina con la premiere, por el contrario, se intensifica. Hay que multiplicar el boca a boca cuando es positivo y luchar contra la crítica negativa en caso de que la haya.

En este sentido, la experiencia de subHysteria me parece intersantísima pues se han dedicado a replantear su estrategia de venta sacándole provecho a las contradictorias opiniones de los espectadores. La película desata amor y odio visceral en el público y yo mismo me cuento entre los polarizados. Dudo que haya habido una función en la que alguién no haya abandonado la sala a la media hora, así como dudo que no haya habido función donde un espectador absorto no haya sobre intelectualizado los resultados creyendo encontrarse con una obra maestra de inmensa poesía y recovecos semióticos.

Si bien en un principio, el gran tema de la promoción intentaba amalgamar la inusual realización de la cinta (Cine Guerrilla, Cine Improv) con la historia de 16 desconocidos atrapados en un vagón de metro, siempre quedó la duda en los foros de qué tanto le interesaría la historia detrás de cámara al espectador común que sólo va a la sala a pasar el ra

Pronto, el esquema de promoción cambió e inundó las redes sociales con frases como estas:

"Unos la odian, otros la aman... pero la decision final la tienes TU!"

"Están super polarizados, tanto la critica como la audiencia... formate tu propia opinion. "

"Sigue la polarizacion. La critica esta 5-5 y los tweets: la aman 73 y la odian 71. y TU?, la amaras u odiaras?"
Si a esto sumamos la iniciativa de Cines Unidos y Los Otros Group de colocar antes de la película el cortometraje venezolano Jesús TV, que ha duplicado los esfuerzos de promoción, considero que todo ha terminado dando un giro genial.

Para mi, sigue siendo la tenaz experiencia detrás de cámaras y sus esfuerzos de promoción, los que hacen de subHysteria una película interesante, arriesgada y digna de ser recordada.

Ya hablando como espectador, desligado del proceso de producción, siento que la película tiene virtudes y fallas por igual. La razón por la que no me gustan los espectáculos de Improvisto, es porque siento que sólo los actores involucrados se divierten. Lo mismo me pasó con subHysteria. Somos testigos de un experimento, de un ejercicio actoral arrechísimo y de un reto bestial para el director y los editores que debieron dar sentido a 36 horas de improvisaciones.

¿Pero qué hay de los resultados?

Sobran elementos, escenas sin propósito, personajes que prometen pero que no llegan a nada y rematamos con una fotografía oscura y caótica que en mi caso, tendió a aburrirme. Celebramos, sí señor, ciertas actuaciones (Exceptuando a Rebeca Alemán y Elaiza Gil) y parlamentos punzantes, que de nuevo, para ser improvisados, no dejan de sorprender por su tino.

Subhysteria tiene más cojones que el resto de las películas venezolanas que se han estrenado este año juntas. Es una cinta arriesgada, con una energía e ímpetu, de la que creo, muchos deberíamos aprender.

Prakriti Maduro, una chica Fina

2010-05-05T12:50:00.000-07:00

Si hay un vínculo que Habana Eva tiene con el resto de la filmografía de Fina Torres, dicho por ella, es que su protagonista es una fémina en proceso de transformación. En ese combo están juntas Doris Wells, Claudia Venturini, Ariadna Hill, Penélope Cruz y ahora, Prakriti Maduro.

“Prakriti tenía el físico del personaje." - Comenta la directora- "Su belleza original y moderna, de apariencia dulce, inocente, frágil y al mismo tiempo sensual, fuerte y decidida. O sea, ideal para la transformación de niña tímida a mujer audaz, tema central de la historia. Era su primer rol protagónico en una película y se entregó con alma, vida y gran profesionalismo. Cumplió el reto a cabalidad.”
Prakriti Maduro tiene más de 10 años siendo miembro del Grupo Teatral Skena, ha realizado varios cursos de actuación en el exterior y su rostro es conocido en Venezuela, por sus más de 30 comerciales y apariciones en telenovelas como Voltea pa´ que Te Enamores y actualmente, Harina de Otro Costal. Para ella, trabajar con Fina, era una oportunidad que no podía volver a dejar pasar.

“Cuando tenía 5 años, dieron Oriana en lo que era Venezolana de Televisión, y mi mamá me contó muy orgullosa que esa película se había Ganado el Cannes y la directora Fina Torres, era venezolana. Yo aluciné con el hecho de que una Mujer – Venezolana – se había Ganado eso. Un par de años después, una tía llamó a mi mamá porque buscaban a un niño rubio como mi hermano, para un casting de una película de Fina. Yo quería hacer ese casting, “no Prakriti, es para un varón”, “pero a lo mejor también les sirve una niña” “no Prakriti, quieren que sea rubio” “Bueno pero yo me pinto el pelo” Pasaron casi 20 años para que se me volviera a presentar la oportunidad, y esta vez sí buscaban a una “niña”, así que no me arriesgué a desperdiciarla.”

¿Como te involucraste con Havana Eva?

- “Para mí fue un gran honor, muchísimas actrices jóvenes venezolanas hicieron prueba para ese personaje, y se hicieron dos grandes casting en toda Cuba buscando a la actriz que interpretara a Eva, así que el ser escogida para interpretar a una cubana siendo yo una venezolana, fue un gran regalo que debía cuidar como a un bebé. Me involucré emocional, intelectual y creativamente. Fina, respetó mi criterio desde el principio y me hizo partícipe en decisiones de mi personaje que como actriz no me correspondían. Cosa que me encantó. Y luego me invitó a estar involucrada en el proceso del montaje, post-producción, logística, promoción. Así que no es una película que filmé y actué dos meses y ahora espero su estreno, no, es mi ahijada, que la he visto crecer, y en mayo la presentaremos en sociedad. Jejeje."

¿Te pareces a Eva?

- "Me parezco mucho y la entiendo, en la necesidad de expresarse artísticamente, en no querer conformarse con lo que parece correcto para su vida, en tratar de escucharse a sí misma para ser más auténtica y no estancarse en las oportunidades que llegan sino en buscar las que uno quiere. Incluso coincido con Eva en la experiencia de vida de haber estado enamorada de dos hombres a la vez. Tiempo antes de filmar había experimentado una situación muy parecida, esa convicción de no saber escoger entre dos amores, y ante la presión social y necesidad de estabilidad que te obliga a decidir. Y al igual que a Eva esa experiencia me enseñó a reforzar mi independencia. Por lo que con todo el desprendimiento y generosidad le regalé a Eva toda mi verdad.

¿Te toco poner acento de Juana la Cubana?

- Sí, para mí fue más que un reto, pues era un acento que ni jugando me atrevía a imitar. Pero al enterarme de que el personaje era cubana, para una película de Fina Torres, pues, no podía perder la oportunidad, así que llamé a una buena amiga cubana y también actriz, Beatriz Valdés, para que me ayudara a preparar mi casting, y me dio tips muy importantes para tener acento en cada frase de esas escenas. Y así lo hice. Eso convenció a los productores cubanos de que podría aprender el acento. Pero cuando aterricé en La Habana me tocó enfrentarme con la realidad: todo un guión con el que debía reaprender a hablar, y solo una semana antes de arrancar a rodar. Por supuesto, pelando la oreja en todas las esquinas, repitiendo todas las frases, recibiendo tips del taxista, de la mucama, del productor y de los actores cubanos. Al año de filmar hicimos algunos doblajes de muchos de los textos, y me quedé sorprendida como el acento fue calando en mí. Al año, era mucho más fluido, creíble, honesto y natural, por lo que agradecí la oportunidad de hacer doblaje en postproducción. Todavía se me salen unas que otras expresiones cubanas. Así sería la lucha por hablar como cubana a como diera lugar.

¿Que tal la experiencia d rodar en Cuba?

- "Maravillosa, fueron días muy intensos para mí porque estaba en una ciudad muy exótica, llena de historia, y vacía de muchas otras cosas. Rodeada de gente con todo una cultura muy diferente a la de cualquier extranjero, que es lo que yo era. Llegué a conocer un país y con la responsabilidad inmediata de representarlo. Cada esquina me despertaba la curiosidad, cada costumbre, cada rutina, cada estilo de vida, cada opinión que escuchaba me intrigaba y me hacía querer saber más. Porque es un país en condiciones únicas, y porque muchas de esas condiciones se han pretendido instaurar en Venezuela, por lo que Cuba es un futurible de mi país."

"Yo creo que los cubanos (que viven en Cuba) más felices son los artistas, porque nadie va a hacerse rico con su trabajo, no importa el oficio o la profesión, y los artistas tampoco, pero trabajan sólo por el placer de expresarse y la recompensa es el arte. En Cuba son innumerables las limitaciones para la producción por todo lo que escasea, pero sobra la preparación profesional. Así que lo que falta por un lado lo completan por el otro, y para muestra, la excelencia en el cine cubano."

La película viene cambiando de fecha de estreno desde hace un tiempo, probablemente ocurra un par de semanas después de SubHysteria. Pronto, una conversación con su directora Fina Torres.

subHysteria: Cine Guerrilla, ¿Cine Rentable?

2010-04-14T07:40:00.000-07:00

sH14-M. Si aún no se ha topado con esas siglas, poco le falta. Es el sello distintivo de subHysteria, película perteneciente a un movimiento cinematográfico que espera tomar al país por sorpresa. El Cine Guerrilla: sin guión, sin presupuesto, sin reglas...

Cuando el 14 de Mayo vayan a verla a los cines y lean los créditos, se darán cuenta de cómo la mayoría de las personas del equipo técnico tienen como mínimo tres cargos. No podía ser de otra forma si se quería sacar adelante este proyecto con tan solo 130.000 dólares (Una ganga comparado con el Millón y Medio que puede costar una película promedio).

“Esta es la película venezolana más barata que se estrena en los circuitos nacionales, por eso es que queremos meter un millón de espectadores en las salas de cine, porque sería tan paradójico, que la historia de David y Goliat se repitiera.” Comenta su director Zelig.
Financiado entre familia, amigos, vecinos, “product placement” y alianzas estratégicas, la película es hija mestiza de Estados Unidos y Venezuela y un claro ejemplo del llamado Cine Guerrilla, del cual su director es ferviente militante.

“Este es un genero dentro del mismo cine independiente. Generalmente cualquier película que se haga por menos de 500 mil dólares es considerada guerrilla, a eso le sumas el hecho de tener un equipo técnico súper reducido, muy pocas locaciones y pocos actores. En dos platos: Es hacer cine con las uñas. Películas como El Mariachi, El Proyecto de la Bruja Blair, Open Water y más recientemente Actividad Paranormal, son películas guerrilla que han trascendido el umbral de más de 100 millones de dólares de taquilla.”

“La Promoción también es estilo guerrilla. Se nos ocurrió hacer un Taller Práctico de Mercadeo Guerrilla de Películas, usando como plataforma a subHysteria, hasta ahora tenemos casi 30 miembros, que sin ningún tipo de interés más que ayudarnos porque les gusta el concepto, se han convertido en nuestro motor de mercadeo. Ahora más que nunca, siento que en la unión esta la fuerza. Nos autodenominamos el SubHysteria Street Team, su labor es convertirse en multiplicadores de todas las ideas que queremos transmitir, desde nuestra consigna sH 14-M (subHysteria el 14 de Mayo), pasando por performances públicos. Si quieres ser parte de él sólo ingresa el nombre en facebook y nos encontrarás. No puedo decir mucho porque queremos sorprender a todo el mundo, pero sí les digo que subHysteria va a estar, literalmente, hasta en la sopa!”

Des-autorizados (3): Elia, ¿Por qué?

2010-04-05T05:51:00.000-07:00

Yo no vi Des-autorizados en una sala de cine. La vi en casa de Elia Shneider y "El Don"Novoa, en una exhibición especial para la prensa escrita. Al terminar la proyección (Que no fue tal, pues la vi en una laptop) le pregunté a la asistente de prensa de la directora (mi única compañera de visionado) qué le había parecido la película.

“Me encantó. Es muy Elia.”- Dijo.

¿Cómo?... ¿En serio?...

Pensé que se trataba de una jaladita corporativa, nadie muerde la mano que te da de comer. Pero minutos después comprobé que el comentario era acertadísimo, pues sólo al conversar con Elia te das cuenta de cuánto se parecen su realidad y su ficción.

“Si ciertamente el arte dramático es un arte colectivo, todas las etapas de producción tenían que pasar por el prisma de Elia.” Comenta la Directora. “Fue un proceso muy rico, muy creativo y muy libre, donde literalmente hice lo que me dio la gana. Coloqué la música que a mi me gusta, las locaciones que tienen un significado especial para mí, no hay nada allí que no sea importante para mi. El tango lo amo, por eso quise que la música fuera así. Las locaciones son las de la Caracas de mi infancia, lugares que tienen un significado especial, que me dejaron huella. Hay muchos elementos autobiográficos en la película.”

Y de seguro la cinta dirá algo para quienes conocen a Elia o están familiarizados con el proceso creativo. Pero, ¿Qué hay del resto del público? ¿Qué hay de todos esos que fueron al cine apostándole al cine nacional o al entretenimiento y terminaron saliéndose de la sala? ¿Qué hay de quienes twitteaban durante la premiere, pidiendo auxilio por no poder dejar la sala por estar sentados cerca de algún actor? ¿Pensó Elia en ellos alguna vez?

“Traté a más no poder de que no fuera un trabajo “ombliguista”. No quiero que la película sea sólo un vistazo al ombligo de Elia, sino que la gente se relacione con lo que ve. ¿Cómo lo tomará el público? Pues espero que de la misma forma en que se acercan a un museo para ver un cuadro. El cuadro no te lo dice todo, te va dando pistas, lo que lo hace interesante es esa relación dinámica entre la obra y el espectador, donde cada quien aporta un significado distinto. No hay nada más aburrido que darlo todo. Siempre he pensado que al público hay que hacerle caso, pero no hay que obedecerlo. No hay que darle todo. Yo soy de las que prefiere pedirle que haga un esfuerzo, que vaya a ver la película y la descubra, que la vea varias veces si no la entiende del todo, que saque sus propias reflexiones.”

Estoy de acuerdo. Y reflexionando concluyo que la película no me gustó. Vamos, que con Elia se puede conversar de forma larga y amena de cosas muy interesantes, pero sus reflexiones sobre el hecho creativo, a mi parecer, no salvan a Des-Autorizados.

Rescato la escena en la que Actriz y Personaje se encuentran. Sí, hay algunos textos interesantes y sí, el "intento" de hacer otro tipo de cine es válido y necesario en nuestra cinematografía, pero aún así, no.

“En Argentina y Uruguay la han amado. Creo que es una película para pocos espectadores, no la hice pensando en el número de personas que podía meter en la sala, sino pensando en comunicar y conectar.” Dice Elia.

Bueno, yo no conecté con la cinematografía, técnicamente es muy pobre. Esto no importaría si el contenido fuera muy sólido, pero tampoco. Las actuaciones son irregulares, Erich Wildpret hace un buen trabajo, Samantha Dagnino está normal y Juan Carlos Alarcón... Bueno, debería volver a animar el Club Disney.
El guión puede estar lleno de buenas ideas, pero sin una forma que las haga interesantes de seguir durante 90 minutos. En posts pasados dije que la peli se siente como un batido del 8 1/2 de Fellini, con estética wanna be de Jean Pierre Jeunet y otro tanto de Charlie Kauffman en el guión. Uno puede pensar que con tanto maestro y tanta influencia la peli debe ser bestial, pero la verdad, no todo lo bueno sabe bien junto.

Des-Autorizados 2: Personajes en busca de Elia o Elia en busca de sus Personajes

2010-03-18T12:01:00.000-07:00

“Gaviota que ve lejos, vuela alto” Esta es una de las múltiples frases que tapizan el escritorio de la familia de cineastas Novoa-Shneider. Supongo que gran parte del guión de Des-autorizados se escribió allí. Luego de ver la película siento que estas palabras le quedan a la cinta como anillo al dedo, pues el tercer trabajo de Elia Shneider como directora es sin duda el más ambicioso que ha realizado en términos narrativos.

La cinta se estrena el 26 de Marzo y tan ambicioso es su guión, que es difícil de definir. Es un drama, una comedia, una cinta de suspenso, un pasticho surrealista, un autorretrato, todas las anteriores o como dice su nota de prensa: “Una comedia artística y dramática de ideas”.
Encasillarla en un género sería limitarla, pues honestamente, la película tiene de todo: Secuencias musicales, onomatopeyas animadas tipo Batman, 3 planos narrativos, toques poéticos, oníricos, intensos, efectos especiales y un montón de cosas más. Es como si metieras en una licuadora el 8 ½ de Fellini, con algunas películas de Charlie Kauffman y otras tantas de Jean Pierre Jeunet.

¿Y a qué sabe ese batido?

Pues a algo totalmente distinto a lo que su directora nos mostró en sus dos películas anteriores Huelepega y Punto y Raya. Otra Elia, que al igual que su esposo José Ramón, viene a probar suerte en temáticas distintas a la denuncia social.

Elia & Elías

El elenco de Des-autorizados está conformado por puros panas del combo Novoa-Schneider: Samantha Dagnino, Juan Carlos Alarcón, Dad Dager, Albi De Abreu, Paul Gamez, Ernesto Ceballo, José Manuel Peña, el colombiano Rafael Uribe y en el rol protagónico, Erich Wildpret.

La historia muestra tres realidades que coexisten entre sí: En primer lugar, la historia de la misma Elia Schneider (Interpretándose a ella), como la escritora que constantemente reflexiona sobre el rumbo de su película. A su vez, existe Elías, personaje creado por Elia Schneider que a su vez escribe la obra de teatro Amantes Sin Destino. Los personajes de Elías, amantes apasionados, buscan salir del texto para confrontar a su autor por no estar de acuerdo con el cambio de destino que les propone.

“La obra de arte se acaba cuando deja de tener verdad, cuando es obligada a cambiar para complacer un punto de vista o una posición política." Cuenta Shneider. "Es ahí que la imaginación es secuestrada y el artista deja de inspirarse e impresionarse. Eso es lo que sucede con Elías, el personaje que imaginé para contar esta historia. El vivía para transportarse al plano imaginario pero al ver que su imaginación es secuestrada por un financista, que le pide que cambie la obra a su gusto, siente que ya no podrá inspirarse. Es ahí que surge el dilema: ¿Ser integro y renunciar a todo? O traicionar su obra y traicionarse a sí mismo.”

“Una obra de arte es sobretodo, una aventura de la mente”

El guión fue un proceso de creación colectiva entre Elia, el escritor uruguayo Fernando Butazzonni (Con quien José Ramón Novoa trabajó en Un Lugar Lejano) y la guionista venezolana Rosa Clemente. Como era de esperarse, este ofrece muchos "insights" del mundo autoral, como tener que cortar escenas por falta de presupuesto, incluir actores por caprichos o vagabunderías de quienes ponen los reales y el doloroso acto de deformar personajes para complacer a otros. En ese sentido, Shneider fue lapidaria, pues en Des-autorizados sólo se complacería a ella misma.

“Cuando yo le planteo la idea de lo que quería hacer a Fernando, tuvimos una gran cantidad de intercambios, si se quiere, filosóficos. Eran ideas muy abstractas, disertaciones y nos dimos cuenta que en todo ese material no había una película. No había una historia. ¿Cómo se hace una película de puras filosofías? ¡No se puede! Nosotros necesitábamos una historia, porque las películas son historias. Pero aún con el guión escrito, la película se siguió armando por capas. Fue un proceso muy dinámico en el que todo el mundo aportaba su lectura de mis cuestionamientos.”
Pero dar forma a todas esas ideas fue sólo la mitad del problema. Una de las tareas más difíciles para la directora, fue lograr que la comisión de financiamiento de proyectos del CNAC aprobara una obra tan abstracta.

“La Comisión de Desarrollo de Proyectos lo negó tajantemente la primera vez que lo presenté. Nadie lo quería. Yo venía de ganar 30 premios internacionales con Punto Y Raya y me sentía con derecho a que me tuvieran más confianza por esos logros. O confiaban en mí, o simplemente la película no se hacía. Hubo mucho cuestionamiento en torno al proyecto, yo había adelanto parte del trabajo para que ellos pudieran visualizar lo que quería hacer y al final, se salvó de bromita. 4 personas lo aprobaron y 3 lo negaron.”

El costo de la película se compartió con aportes del programa Ibermedia, equipos propios y ayuda de Colombia, Perú, Uruguay y Argentina. Mucho sur. En total, fueron 5 años de trabajo para llevar Des-autorizados a la pantalla, su llegada a los cines es inminente. Vayan a verla y en el próximo post, donde les daré mis impresiones, comentamos qué tal.

Hermano, el Trailer

2010-03-11T06:20:00.000-08:00

Un link más no hace daño. Aquí tienen el trailer de la película de Marcel Rasquin que tiene a todo el mundo gritando loas. Casi no puedo esperar para verla en Mayo.

Leonard Zelig: subHystérico

2010-03-10T12:18:00.000-08:00

Soy un embarque. No sólo no me dió tiempo escribir mis pronósticos del Oscar (Y menos mal, porque me caí en muchos por seguir mi corazón), tampoco pude ver en el cine Amorcito Corazón y tendré que esperar el quemaíto pa poder escribir de ella. Lo bueno es que ya desde la próxima semana comienzan a llegar sin parar unas cuantas películas venezolanas que prometen.

En su mayoría son óperas primas, así que en los próximos post me dedicaré a darles el perfil de los nóveles directores que están por estrenar su trabajo. El primero de ellos es Leonard Zelig, quien estrenará subHysteria el 30 de Abril.

El nombre del director seguro les suena, pero no, no se trata del famoso hombre camaleón convertido en director de cine venezolano, sino de un escritor, actor, director y productor (en ese orden) de teatro y cine (en ese orden), parido en San Bernardino y egresado del grupo de Teatro UCAB.

Leo, como se le conoce en los bajos hondos, posteriormente sucumbió a los encantos del cine y decidió abandonar su carrera de sociología para estudiar en la Escuela de Cine y Televisión de Caracas, hasta que decidió hacerlo formalmente su profesión. “A los 22 años ya había conseguido lo que aún mucha gente no consigue, mi pasión: el teatro. Y mi carrera: el cine. Fui afortunado” Comenta Zelig.

Fue asistente de dirección y director jr. de comerciales; Director Ejecutivo de su propia productora Opsis Films y escritor de la segunda temporada del sitcom Planeta de 6. En Julio de 2002 se muda a Nueva York, con la intención de seguir su pasión, sin embargo, por diferentes razones, terminó más bien germinando su carrera. “Me di cuenta que dirigir una obra off-Broadway con 6 semanas de funciones agotadas, no era garantía de nada, así que decidí probar con el cine, donde generalmente los éxitos se traducen en oportunidades de seguir creando.”

Hoy, después de 8 años fuera de Venezuela, como si estuviera en campaña presidencial, Zelig regresa al país buscando un millón de personas que vayan al cine a ver su ópera prima subHysteria. El director está conciente de que se trata de un objetivo más que difícil, pero como él mismo dice: “No hay nada que me guste más que los imposibles.”

¿Y el nombre artístico, de dónde?

“De mi escritor de cine favorito Woody Allen, en su “mockumentary”, Zelig (1983), su protagonista Leonard Zelig tiene un talento muy particular, es un camaleón humano, si lo ponen junto a un grupo de Rabinos, se convierte en Rabino, si lo ponen junto a un grupo de pelirrojos, se convierte en pelirrojo. La analogía en cuanto a ser un actor con habilidades camaleónicas fue lo que me llevó a tomar ese nombre."

"Un lunes lluvioso de septiembre del 2002 fuí ver a Woody Allen y su banda de jazz en el Hotel Carlyle y al terminar la función, me le acerque a Woody y le pedí permiso para usar el nombre del protagonista de Zelig, a lo que respondiò: “Yes, whatever”. Desde entonces soy Leonard Zelig.”

Más adelante (en serio) les contaré sobre las muchas particularidades de subHysteria, una película guerrilla mestiza hecha por venezolanos y gringos, filmada sin presupuesto, sin guión y con actuaciones totalmente improvisadas. Todo muy interesante, ya verán...

Oscar 2010, El Ídolo Roto

2010-03-01T11:19:00.000-08:00

Los cinéfilos lo aman y odian por igual. Para unos, es el pináculo del éxito cinematográfico. Para otros, una versión del Premio Ronda hecha con mucho dinero, o sea, un desdeñable show televisivo que responde más a intereses comerciales que a méritos artísticos. Y es que a pesar de que no le llega ni por las sandalias al Che Che de Oro, honestamente el Oscar es el último placer culposo del cinéfilo. Para bien o mal, una referencia a la hora de elegir qué ver entre los millones de títulos que se estrenan cada año.

Poner en tela de juicio su prestigio no es una discusión nueva, y como errar es de humanos, de seguro se seguirá haciendo en años venideros. El Oscar ha premiado y seguirá premiando a las producciones taquilleras por encima de las mejores; a los actores de moda o a punto de morir, por encima de quienes se dejan la piel en sus personajes; premiará a una que otra minoría marginada históricamente y a algún otro artista sacado con pinzas del olvido con argumentos tan flojos como: “Ha sido nominado 70 veces y nunca ha ganado”. Es contigo, Scorsesse.

El 2010 promete tener todos estos malos hábitos y probablemente invente algunos nuevos, revisemos los casos principales y repasemos algo de historia:

Oscar a la Mejor (Más taquillera) película del año:
Avatar ya ganó el premio Globo de Oro como mejor película y hundió al Titanic como la cinta más taquillera de la historia. El toque dorado de James Cameron, no se pone en duda. La cinta fue más que entretenida, sí, ¿Pero la mejor del año? Sólo si nunca viste Pocahontas o Danza con lobos.

No sería la primera vez que pasa algo así. En el 2006 la cinta de Martin Scorsesse, The Departed, estuvo entre las 10 películas más taquilleras del año gracias a su elenco de superestrellas y le arrebató el Oscar a obras (a mi parecer) de mayor mérito como Babel, muy a pesar de ser un remake del filme coreano Infernal Affairs. Casos similares ocurrieron con Gladiador y el mismísimo Titanic.

Oscar a la Minoría Marginada Históricamente:
Katherine Bigelow puede convertirse este año en la primera mujer en la historia del premio en ganar un Oscar como directora por The Hurt Locker. Para mi, este premio debió ganarlo Jane Campion en el 92 por The Piano, pero como la academia la caga y después la pisa, este año se sacudiran ese muerto premiando a la ex esposa de James Cameron, cosa que aporta un tinte tele novelesco a la contienda y puede atraer a más espectadores del show.

Algo similar ocurrió en el 2001, cuando Halle Berry se convirtió en la primera negrita en ganar un Oscar, justo el mismo año en que el premio al mejor actor fue a dar a manos de su colega negro, Denzel Washington. ¿Coincidencia? Ni de broma. Ni hablar del famoso “año gay” de la academia, donde Transamerica, Capote y Brokeback Mountain encabezaron las nominaciones y galardones de la noche.

El Oscar de la Muerte:
Bautizado así por la actriz Marlene Dietrich (Quien se fue lisa, pues nunca fue premiada), al decir que "te lo dan cuando tienes un pie en la Tumba". El año pasado se lo llevo el genial compositor Ennio Morricone, este año, se lo darán al fructífero cineasta de películas “Balurdas”, Roger Corman, quien tiene una de las filmografías más extensas hechas por cineasta alguno al haber producido 388 películas y haber dirigido 56.

Con este premio también “mataron” a otros grandes, como Andrej Wajda, Ray Harryhausen, Kirk Douglas, Michelangelo Antonioni, Chaplin, Kurosawa, Hitchcock, Orson Welles y Fellini.

Oscar al Mejor Artista Olvidado:
Después de 4 nominaciones previas, este finalmente puede ser el año del siempre excelente Jeff Bridges por su filme, Crazy Heart. Aún no he visto la película como para opinar sobre si se lo merece o no, pero poco importa. En todo caso, la Academia estaría premiando su Starman, su Dude Lebowski o cualquier otro de sus tripeantes personajes. Well donde Duderino!

Las mismas condiciones aplicaron para Al Pacino, quien había sido nominado en 8 ocasiones previas antes de ganar y más recientemente, con Martin Scorsesse, quien fue premiado por una de las películas más flojas de su filmografía después de haberse ido con las manos vacías en 8 ceremonias. Esta última tendencia, se siente como una manera reciente de expiar los incontables pecados que la academia ha cometido con algunas de las obras y autores más importantes de la historia del cine. Pero no se puede tapar el sol con un dedo. Fritz Lang, Kieslowsky, Tarkovsky, Kubrick, Truffaut, Buñuel, Chalbaud...(Perdón por ese último chiste malo)
En conclusión, ver la entrega del Oscar y no salir botando espuma por la boca es casi tan difícil como hacer los trámites de CADIVI sin pasar una rabieta. Mi consejo: No tomarse la entrega muy en serio. Las buenas películas y los verdaderos artistas no necesitan de un Oscar para demostrar que lo son. Pero que bien se siente verlos ganar cuando en contadas excepciones, premian a quien realmente lo merece.

Des-Autorizados (Parte 1): Elia Shneider del Realismo Social a las Aventuras de la Mente

2010-02-18T07:03:00.000-08:00

Vienen unas cuantas cintas venezolanas en los próximos meses y antes de que se me acumulen los post, les dejo un adelanto de la nueva película de Elia Shneider, Des-autorizados. El trailer ha generado en su mayoría, buenos comentarios y estoy seguro de que la película dará de que hablar. Al igual que Un Lugar Lejano de su esposo José Ramón Novoa, la última producción de Elia se aleja de la denuncia social y revela una faceta "onírica/teatral/intensa" de la directora que no había mostrado antes en la pantalla.

El crítico Sergio Monsalve comentó una vez al respecto, que estos virajes radicales no son más que "la punta de lanza de un proyecto institucional de consenso, a favor de un proceso de borrado digital o de maquillaje técnico de la historia contemporánea, donde lo feo, lo real, lo caótico, lo amoral, lo maldito, lo bipolar y lo polémico son olímpicamente eclipsados, desvanecidos y apagados, para brindar la imagen idílica y bucólica de una revolución bonita carente de conflictos sociales, económicos y políticos de peso."

Abriendo paréntesis, me pregunto qué tan factible es que se hagan películas como Sicario, Garimpeiro o Huelepega en la fulana revolución roja rojita. Pero cierto o no su comentario, la cineasta expone sus razones para navegar "nuevas" aguas en Des-Autorizados:

“Yo no soy muy cinematográfica. Soy más teatral. Yo hago teatro desde los años 80, pero así como tengo esa faceta, tengo también una inquietud social, que es más como una rabia, por temas de derechos humanos que a veces me ciegan. "- Comenta la directora- "Yo tenía años haciendo obras más filosóficas en el teatro y me encontraba en medio de una adaptación de El Enemigo del Pueblo, cuando camino a reunirme con la guionista vi cómo un PM le caía a patadas a un niño de la calle. Yo no podía dejar pasar esta otra realidad. Tenía que hacer algo y así nació la necesidad de hacer Huelepega."

"No sabía en qué me estaba metiendo. Era un tema profundo y mi relación con el tema social fue traumática, tuve problemas con la policía y la censura. Años después José Ramón leyó el guión de Punto y Raya, me dijo que lo leyera. Me gustó porque hablaba de la guerra y la intolerancia. Yo soy hija de sobrevivientes del holocausto judío y soy muy sensible a esos temas.”

“En todo este trayecto, desde que comencé, he tenido una reflexión recurrente sobre el proceso de creación dramática. Me he hecho preguntas mientras estoy trabajando, sobre la vida, sobre el teatro, ese eterno dilema entre fantasía, verdad y realidad y el ¿Qué es verdadero? Una de mis respuestas recurrentes es: “Todo lo que imagino”. En muchos de mis trabajos teatrales he querido indagar en estos temas, por eso siento que Des- autorizados, es la continuación de esa misma búsqueda que tengo en el teatro, pero llevada al cine.”

No considero que un cineasta/ guionista/ artista/ creador deba aferrase para siempre, como si se tratara de una jaula, al mismo tipo de trabajos una y otra vez. Por el contrario, aplaudo la iniciativa de que se disparen las temáticas de nuestro cine hacia cualquier género. Grave sería, que como dice Monsalve, la cosa no sea más que autocensura coloreada. Pregunto pues, ¿Qué sigue para Shneider luego de esta "aventura de la mente"?

“Aún no sé por qué camino irme para mi próxima película. ¿Cómo unir lo social con lo teatral? Tengo por ahí un guión muy fuerte, también en colaboración con el novelista Fernando Butazzonni y otro guión que trata más sobre este mundo teatral y filosófico que planteo en Des-autorizados. Vamos a ver cuál sale primero.”

Sí, vamos a ver.

Des-autorizados se estrena en Marzo y por aquí vendrán más conversaciones con la directora donde me cuenta por qué nadie quería financiar el proyecto. Stay tunned.

La Cartelera del Retraso

2010-02-01T05:17:00.000-08:00

Acaba de llegarme la lista de próximos "estrenos" de Cines Unidos. En otros años, tal vez en otra década, por estos mismos meses la lista hubiera estado llena de "las películas del Oscar", si no las nominadas, las que han estado sonando en boca de críticos y Festivales desde hace rato. Enero y Febrero, siempre habían sido meses de cierta calidad en cartelera.

Este año no. Lo que viene es viejo y en su mayoría, malo. ¿Falta de visión de los exhibidores? No. ¿Acaso tratan de saldar una deuda pendiente con el público trayendo cosas que ya debimos haber visto hace mucho? Tampoco. ¿Falta de dólares para comprar títulos de data reciente y mediano prestigio? Me inclino a pensar que sí. Y que ladilla caer en el tema político, pero creo que los señalamientos van para Esteban. Citando a Alberto Barrera: "Su omnipresencia, ya es una forma de dominación".

Cierto, también se estrenará Precious el 19 de Febrero y un par de blockbusters como Alicia en el País de las Maravillas y 9, además de las películas venezolanas Hermano y Des-autorizados.

Pero ¿Cómo diablos vamos a saldar los baches de contemporaneidad entre nuestro cine y otras filmografías del mundo con "estrenos" de hace 5 años? Parece que mientras el resto del planeta apuesta por la inmediatez, nosotros seguimos anclados en el letargo. ¿Cómo negarse a la piratería bajo este panorama casi obsoleto?

Aquí van algunos títulos para que tengan una idea...

Penélope es del 2006, ya hasta la han dado por cable, la crítica la destruyó y pasó sin pena ni gloria por las carteleras del mundo. Como en Venezuela estamos comenzando a vivir de migajas, pues imagino que los distribuidores la compraron a precio de gallina flaca o se las dieron gratis con la compra de Avatar.

Feast es la más vieja del grupo. Es algo así como el David Bisbal o la Mayré de la lista pues es el proyecto ganador de un reality show donde los aspirantes a cineastas ganan la posibilidad de producir el guión que escriben durante la competencia. La cinta cuenta ya con 2 secuelas, y es que claro, la original fue estrenada en el 2005!!!
También vienen por ahí El Mensajero de la Muerte y Planeta del Terror, o sea, Death Proof y Planet Terror, piezas separadas del díptico Grindhouse, que Quentin Tarantino y Robert Rodríguez estrenaron hace ya 3 años, por allá en el 2007.

Patético augurio el de nuestra cartelera para el resto del año.

"Yo Sí vi, SON DE LA CALLE"

2010-01-15T12:03:00.001-08:00

A finales de los 70 y prácticamente durante toda la década de los 80, George Lucas, Jerry Bruckheimer y otro grupete de desalmados crearon un subgénero cinematográfico, películas que no eran musicales tradicionales sino algo mucho peor: Películas hechas para vender discos. American Graffiti, Fiebre del Sábado por la Noche, Breakdance, Flashdance, Footloose, Top Gun y la inmamable Dirty Dancing, por nombrar siete.

En cada una de las últimas 3 décadas, al menos una película venezolana ha tratado de imitar esta tendencia. Thaelman Urguelles lo hizo en el 86 con Generación Halley; Luis Alberto Lamata lo hizo en los 90 con Salserín: La Primera Vez; y ahora, aún con los gases que César Bolívar dejó en nuestro intestino grueso con los refrescos Golden de Muchacho Solitario, su hijo Julio César nos trae su ópera prima Son de la Calle: El Derecho a Un Sueño.

- Eres hijo de uno de los cineastas más importantes del país, ¿Cuándo comenzaste a agarrarle el gusto al cine?
- Bueno, desde que tengo uso de razón he andado al lado de una cámara o un estudio de grabación, siempre recuerdo una foto de mi papá haciendo cámara en un programa de Radio Caracas y yo tenía como tres años con un chupón en la boca a su lado. Por supuesto que mi papá es mi gran inspiración, por eso y por genética, continúo lo que él ya comenzó.

- ¿Cuál crees que ha sido la mayor enseñanza cinematográfica de tu papá?
- Que hay que conocer todo y comenzar desde abajo para ser un gran realizador y por eso una vez que decidí serlo, comencé mi camino como asistente de producción, productor, boom man, sonidista, editor, publicidad entre otros campos.

- ¿Qué edad tienes?
- 41.

La película, de Producciones OJO POR OJO contó con la producción ejecutiva de Adolfo Lopez, el director de fotografía Cezary Jaworski y con Coquito como primer asistente de dirección.

- ¿Cuál fue el costo total de la película y cómo se financió?
La película fue parcialmente financiada por el CNAC y el resto fue capital privado y tuvo un costo final de aproximadamente 4 millones...

- ¿Cómo fue el génesis del proyecto Son de la Calle?
- SON DE LA CALLE nace después de haber regresado de los Ángeles, luego de dirigirle una serie musical a mi hermano Cesar Román, PURO MELAO, donde empecé a oír Hip Hop, música urbana y quedé gratamente sorprendido, no entendía cómo habiendo tanto talento venezolano y yo estando viviendo en los Ángeles, no había llegado a oír nada por allá. Investigando más, me di cuenta de que eso es otro mundo paralelo y es parte de la vivencia de nuestros jóvenes actualmente, y bueno, decidí crear una historia como excusa para dar un mensaje y mostrar parte de lo que existe en Venezuela y mucha gente desconoce… creo que ahora con la película se aclararan muchas dudas para mucha gente.

Con un elenco conformado por prácticamente todos los exponentes de la “movida urbana” (¡Dios como odio ese término!), Emilio (de Los Cadillacs), Franco (L'Squadron), Chino y Nacho, Cotur, Rekesón, Gabylonia, MC Klopedia y otro poco de cantantes de Rap, Hip Hop, y Reggaetón, que no tengo ni idea de quienes son, acompañados de Julie Restifo, Paula Bevilacqua, Sandra Martínez y Zhandra D' Abreu, Son de la Calle intenta reflejar en pantalla la fuerza de una cultura que ha irrumpido silenciosa y sin pausa de entre las calles de Venezuela, la cultura Hip Hop, al tiempo que trata de llevar un “mensaje” de paz y tolerancia. La idea, al menos comercialmente hablando, es un palo.

- ¿No tuviste miedo de poner a actuar a cantantes que nunca lo habían hecho?
- Bueno, de hecho mi enfoque siempre fue la autenticidad de la historia, por ello no quería poner actores a interpretar papeles de músicos o catantes, cuando en las calles venezolanas los tenía a todos.

- He escuchado críticas de gente que dice que la película es una suerte de video clip o excusa para vender su banda sonora y promover a los artistas de un sello disquero, ¿Qué opinas de esto?
- Bueno no creo que todos los artistas que están en esta película pertenezcan al mismo sello disquero, y por otra parte, si una de las grandes funciones de esta película era promocionar, no sólo la música urbana venezolana, sino también otra cantidad de talentos que existen en el urbe.

- ¿Qué fue lo más difícil de la realización de Son de la Calle?
- Yo creo que todo tiene su nivel de complejidad, pero en esta película ocurría algo fuera de lo normal, teníamos a todos estos artistas y en las filmaciones era una locura controlar a las personas para que nos dejaran filmar o hicieran silencio o simplemente dejaran llegar al Chino al set.
Increíble, pero cierto. Intenté ver la película en dos ocasiones antes de por fin conseguir entradas pues siempre estaban agotadas, no sé si porque la gente realmente quería ir a verla o porque muchos entraban a ver cualquier cosa cuando se daban cuenta que las funciones de Avatar y Luna Nueva estaban agotadas. De hecho, la función a la que por fin pude entrar en el Cines Unidos del Centro Comercial El Marqués, estaba casi llena.

Mis expectativas eran bajísimas, sobretodo porque en mi periplo en busca de compañía para verla, varias personas del medio me mentían:

- Quiero ver Son de la Calle.
- Dicen que es buena.
- Sí, pero ¿La Viste?
- No.
- ¿Conoces a alguien que la haya visto?
- No.

Así que me armé de valor y junto al temerario pana Juan Carlos, fuimos a ver la “historia” de un amor marcado por divisiones sociales de comiquita entre gente de barrio y ricos sifrinos, malandros buenos y malos, y sobre todo, el muro invisible que (me entero) separa a Reaggetoneros y Hip Hoperos. Una aventura urbana que su director, Julio César Bolívar, describió de la siguiente manera: “Es la historia del derecho a un sueño que llevamos todos los soñadores, sin importar cual sea nuestra clase social, raza, habilidad, arte, condición física. Todo con disciplina, perseverancia, pasión, unión y tolerancia se puede lograr.”

¿Inspirador, verdad?

Lo que Juan Carlos y yo vimos fue un poco distinto. Un cliché detrás de otro; Miles de personajes con miles de historias y ninguna ilación coherente, como si hubieran querido meter a cuanto pana anduviera sin oficio por ahí; un montaje “Frenético”, muchas veces sin razón de ser, que parece más bien recurso para meter tetas y culos cada vez que se pueda: Las curvas de Sandra Martinez, las innecesarias, pero deliciosas tetas de Bevilacqua, las absurdas amiguitas coqueras… ¡Dios! Y por supuesto, un abuso del Fade a negro como herramienta para unir el montonal de escenas sin cierre, sentido o propósito dentro del todo; Una película eterna, que en mi subconsciente duró casi 3 horas.
A pesar de que tiene un par de momentos divertidos, honestamente algo baratos, la película no tiene ni pies ni cabeza. Aún trato de buscarle una explicación a todo lo que vimos. A la cuña de Rumbera Network a mitad de la película, a la fibrosis quística, al temita romántico que suena 8 mil veces de forma exasperante, a la línea temporal de la historia, a la transformación de Rekesón, al homenaje a Michael Jackson bajo la lluvia. Yo necesito un por qué.

-¿Quién escribió el guión?
- El guión fue una historia original mía, escrita por Yutzil Martínez y José Vicente Spataro.

-¿En qué se inspiraron usted, Yutzil y JV?
- Bueno basados en información real de lo que pasaba en este gremio, me di cuenta que había mucho talento pero no había unión entre el Hip Hop y el reggaeton. Por ejemplo, de allí comenzó nuestra lucha y primer mensaje: Unión y tolerancia. Por eso creamos una historia de ficción, pero con personajes reales que nos dieran esa identificación con los jóvenes y así crear la atmósfera indicada para llevar este mensaje que bastante falta nos hace.

-Al césar lo que es del césar. Me sorprendió gratamente el uso de la jerga de los protagonistas, su forma de hablar se siente sumamente auténtica y no postiza, como suele ocurrir en producciones que tratan de mostrar al “malandro venezolano”. ¿Cómo lograron este nivel de autenticidad en los diálogos? ¿Todo estaba escrito o dejaron espacio para la improvisación?
- Yo creo que ni Yutzil ni yo hubiéramos podido escribir todo lo que allí está. Por eso me enfoqué en dirigir a los muchachos de una forma muy natural, para así meterlos dentro de lo rutinario ya que estaban actuando en su ambiente y así lograr que los diálogos se sintieran reales.
- También fue una inesperada sorpresa ver que las actuaciones de la película fue uno de sus puntos fuertes, Chino está bien, Franco se la come y en general, salvo excepciones, todo está muy equilibrado… ¿Qué te pareció la experiencia?
- Para mi fue de gran crecimiento profesional ya que tuvimos que hacer un esfuerzo grande para poder colocar a todos esas personajes juntos en tan poco tiempo, ya que la película empezó su preproducción en julio 2009 y que entendieran hacia donde íbamos y lo que queríamos lograr....

- ¿Qué te dijo tu papá después de ver la película, te regañó?
- Bueno mi papá siempre ha sido muy crítico conmigo, pero al ver esta película me extrañó que no me dijera nada, sólo: “Ya tu sabes lo que tienes que hacer”. Él había visto el primer corte que presenté en el Festival de Mérida, donde para mi sorpresa, aún cuando la película no estaba lista, se llevó el premio a Mejor Cámara.

- ¿Qué sigue para Julio César Bolívar?
Espero que cine. Tengo un proyecto que de hecho pospuse para enfocarme en esta película y ahora lo continuaré, se llama LA BELLE ROSE, escrita por mi.

Películas Favoritas 2009, Por fin

2010-01-04T07:28:00.000-08:00

Ok, se acabaron las vacaciones y como resoluciones de año nuevo, pues la promesa de inyectar más posts en este blog y la de no volver a postear, al menos hasta diciembre, má listas subjetivas con lo mejor del año. Cierro el ciclo pues, con mi lista de películas favoritas del 2009. Como yo aún no descargo películas por Internet y nuestra cartelera apesta a vampiritos parchas, fin del mundo y horarios cercenados, aún no he podido ver varias cintas que espero con ansias. No he visto Thirst, no he visto Where the Wild Things Are, ni Up in the Air, ni The Hurt Locker, ni A Serious Man, ni An Education, ni un larguísimo etc.

Pero bueno, de lo que vi, esto fue lo más:

10. Rudo y Cursi (2008) de Carlos Cuarón
Ok, es del 2008, pero llegó a los cines venezolanos en el 2009. Dos hermanos con personalidades opuestas buscan hacer fortuna a través del fútbol muy a pesar de sus verdaderos sueños, sus defectos y sus lazos como hermanos. Es una historia bien light y con algunos lugares comunes, pero el tratamiento es tan fresco y tan arraigado a la cultura mexicana, que la experiencia parece nueva. Las actuaciones están geniales y es muy, muy divertida y emocionante.

09. The Reader (2008) de Stephen Daldry
También del 2008. Stephen Daldry no defrauda. Todas sus películas me han gustado y esta no es la excepción. Las actuaciones están muy bien y los momentos en los que comienzan las transformaciones son muy hermosos. Algo lenta, pero sin duda, por encima del promedio.

08. The Wrestler (2008) de Darren Arofnovsky
El nuevo Toro Salvaje. Más patético, más autodestructivo, más doloroso de ver. Mickey Rourcke acaparó los elogios, bien merecidos, pero yo le doy muchas loas también a la hottie Marisa Tomei y al guión de Robert D. Siegel. Eso de que Randy “The Ram” dijera en sus últimas líneas que “Nadie puede herirme en el cuadrilátero como lo hacen fuera de él”, después de que lo hemos visto sangrar y engraparse la piel en las peleas, se me quedó clavado en la memoria. Que poderoso.
07. Slumdog Millionare (2008) de Danny Boyle
Sí, es manipuladora; Sí, la historia ha sido mil veces contada. Sí, 8 oscars tal vez fueron demasiados para lo que realmente es. Pero fue sin duda emocionante, vibrante y espectacularmente hecha. Desde el momento en que el niño cae en la mierda, nadie se bajó de esta montaña rusa de emociones que usó como pocas todas las herramientas que hacen del cine una cosa especial, montaje, fotografía, sonido, música e historia.
06. Watchmen (2009) de Zack Snyder
Colocando esta peli en la lista me doy cuenta de lo poco que he ido al cine este año. No por falta de ganas, ojo, la distribución de películas en Venezuela está llegando a niveles críticos. Sólo traen éxitos seguros o monstruos de los grandes estudios. Incisos aparte y haciendo caso omiso a la crítica que despedazó la película, me parece que Watchmen ofreció un grato entretenimiento de 2 horas y pico. Imperfecto, sin dudas, pero bastante fiel al libro, con unas cuantas escenas destacadas y un palo de soundtrack que a veces distrajo. Los créditos iniciales fueron bestiales. Muy buena.

05. Star Trek (2009) de J.J. Abrahams
Le tenía pánico a esta película. Por muchas razones:

1. Nunca fui Trikkie, ni me cayeron bien.
2. El curso de Lost me ha hecho desconfiar de J.J. Abrahams.

Pero que equivocado estaba. Star Trek es un peliculón, con un ritmo trepidante, escenas de acción brutales y una tripulación de personajes bastante pegajosos. La película cotufera del año, guárdenme un puesto en el Enterprise para el próximo viaje.

04. Up (2009) de Pete Docter
¿Qué decir que no se haya dicho ya? ¿Que los primeros 5 minutos son conmovedores? Dicho. ¿Qué la animación es brutal? Ya ni hace falta decirlo. ¿Qué es divertidísima? Burda. ¿Qué si es la mejor de Pixar hasta ahora? No lo sé, Wall-E y Los Increíbles siguen estando en los primeros puestos, pero Up sin duda, no defrauda. De lo mejor del año.

03. Lluvia de Hamburguesas (2009) de Phil Lord y Chris Miller
Yo mismo era uno de los que renegaba de esta película. De no haber sido por una invitación a la premiere, creo que jamás me habría atrevido. ¡Sorpresa! Lluvia de Hamburguesas es todo lo que una película animada debería ser. Tiene muchísima imaginación, un mensaje familiar prefabricado, pero efectivo, kilos de carcajadas para niños y adultos y secuencias emocionantes tipo Star Wars. Mete en una licuadora a la Guerra de las Galaxias, Volver al Futuro, Little Miss Sunshine y cualquiera de Pixar y te saldrá Lluvia de Hamburguesas, uno de los mejores ratos que pasé en el cine este año.
02. Distrito 9 (2009) de Neil Bloomkamp
Ya le dediqué un post en el blog a este peli, exponiendo las razones por las que la considero impelable. Ademàs la campaña promocional fue muy depinga. Si no la han visto aún, háganse un favor y corran a buscarla.

01. Malditos Bastardos (2009) de Quentin Tarantino
No soy fan ciego de Quentin, pero hay que reconocer que cuando se bota, se bota. Bastardos es para mi su segunda obra maestra, fàcilmente pudo haber entrado en mi lista de lo mejor de la dècada si yo no hubiera hecho trampa. El guión es hilarante, emocionante y genial. Las actuaciones están brutales, especialmente Cristoph Waltz, quien se la come en cada escena. Cada capítulo es como un cortometraje y el manejo de la tensión hace que quieras levantarte de la silla. La gente aplaudió al terminar la función y yo salí con ganas de quemar el Teresa Carreño en la premiere de Zamora.

20 Películas de la Década 00

2009-12-16T07:03:00.000-08:00

El año aún no termina, así que la lista con mis películas favoritas del 2009 tendrá que esperar un poco. Por eso entro en un tema mucho más escabroso, doloroso y divertido: Mis películas favoritas de la Década 00. Reducirla a 20 ha sido un infierno, por eso hice trampa y dejé fuera las películas del 2009 (No las he visto todas y eventualmente tendrán su propia lista). Tan ambicioso y absurdo como suena resumir 10 años de cine en unos pocos ítems, simplemente me remito a las películas que más me marcaron, las que más he visto y las que más amé, por razones que tal vez tengan poco que ver con la calidad cinematográfica.

Sin perder más el tiempo, comencemos:

20. Millenium Actress (2001) de Satoshi Kon

"Kyoji Ida: Don't get your hopes up. She must be over 70 now.

Genya Tachibana: She'll never grow old!"

Miyazaki es un genio, todos lo saben. Si bien Spirited Away lo dio a conocer de este lado del mundo, mi favorita de sus películas es y probablemente será siempre la Princesa Mononoke (1997). Siendo Miyazaki apadrinado por Disney, la competencia no se podía quedar tranquila, así que Dreamworks apadrinó al animador japonés número 2: Satoshi Kon. La película que nos compete, es para mi, su obra maestra. Dos documentalistas tratan de hacer una biografía sobre la actriz más grande del Japón, la anciana Chiyoko. Durante las entrevistas, viajaremos en el tiempo no sólo para conocer la vida de la actriz, sino también para recorrer la historia cinematográfica del Japón, las motivaciones personales que propician ciertas decisiones artísticas y el sentir del verdadero cinéfilo. Las transiciones son brillantes y la película se revela como un gran homenaje al cine de principio a fin. Años después el director hizo Páprika, altamente recomendable, sobre todo para quienes piensen ver Inception de Christopher Nolan, me parece que ambas películas serán parientes lejanas.

19. Billy Elliott (2000) de Stephen Daldry¿Qué puedo decir? Hice teatro y pasé por problemas similares en casa durante esa época. Pero más allá de eso, la realización es impecable, el guión sólido como una roca, lo mismo las actuaciones y el resultado es tan descaradamente emotivo, que no puedo resistirme. Melodrama dulce y pegajoso, sumamente emocionante. El mejor personaje es sin duda el de la maestra. ¡Que fuerte!

18. Los Piratas del Caribe: La Maldición del Perla Negra (2003) de Gore verbinsky
La gran película cotufera, el Indiana Jones de esta era. Los valores de producción son altísimos, la actuación de Johnnie Deep memorable e icónica y el guión muy, pero muy divertido, además de redondo. ¡Piratas fantasmas! ¿Cómo le iba a ir mal a esto? ¡Imposible!

17. Wall- E (2007) de Andrew Stanton
Lo que me conquistó de Wall-E no fue la historia de amor entre robots, ni los 40 minutos sin diálogo de los que tanto se habló en su momento. Lo que me atrapó fue la forma de mostrar al mejor estilo de Ray Bradbury o Phillip K. Dick, nuestro posible futuro a la luz de las corporaciones, el consumismo y la flojera. Ciencia ficción de la buena. Además la manera en la que los créditos finales describieron nuestro renacimiento está genial.

16. Kill Bill Vol. 1 y 2 (2003/ 2004)
Imposible considerarlas por separado. Una violenta historia de amor, homenaje al cine barato de artes marciales pero con una factura de primera. La primera es ultra cool y lo que le falta en ritmo a la segunda, lo gana en intensidad. Bestial. David Carradine se luce, los diálogos y el soundtrack, como siempre, espectaculares.

15. The Man Who Wasn’t There (2001) de los Hermanos Cohen

"Ed Crane: ¿Me?... I just cut the hair."

Es difícil decidirse sólo por una película de los Coens. Pero si tomamos No Country for Old Men y le quitamos el suspenso del primer visionado, es indiscutible que la historia de este barbero es muy superior. Cada vez que la veo encuentro cosas nuevas. La fotografía, la música y la actuación de todos, hacen de esta pieza negra casi un tratado de filosofía existencialista.

14. El Señor de Los Anillos (Toda la Trilogía) (2001/ 2002/ 2003)
Marcó un antes y un después en el cine de aventuras. Ahora todos tratan de emular su romanticismo épico, su grandiosidad, pero “there’s only one Lord of the Rings”. La gente que vió La Guerra de las Galaxias por primera vez en los años 70 debió sentir algo similar a la emoción que sentí al ver esta aventura gigante en el cine por primera vez. Los efectos especiales eran los mejores que se habían hecho hasta la fecha, la escala era más grande que la pantalla, la música bestial, el elenco más que competente y las 3 horas pasaban volando. El cliffhanger de la primera película me hizo repetir la experiencia 3 veces más antes de ver la segunda, que llegó tarde por el maldito paro petrolero. La tercera cerró con broche de oro la mejor trilogía de la década y tal vez de la historia.

13. Almost Famous (2000) de Cameron Crowe
"Russell: I'm a Golden God!!!"
El sueño dorado de todo fan del rock: Viajar con su banda. Ahora, viajar con la banda en la época dorada de los setenta: Priceless. Al verla, se siente el amor de Cameron Crowe por la música y por sus ídolos de juventud. Kate Hudson nunca ha estado más bella que en esta película y la escena del autobús con Elton John, cursi y todo como es, me transporta automáticamente a los años de las giras con el grupo de teatro.

12. Memento (2000) de Christopher Nolan
"Lenny: Remember Sammy Jankins?"

El debut de Christopher Nolan para quienes no habíamos podido ver Following. Esta película lo convirtió en el director y guionista más interesante de la década y por lo que ha hecho después, se pude decir que no ha defraudado. La idea de una película contada al revés es genial y aún hoy sigue impactando, tanto así, que en una charla de guión que di en la católica el 50% de los alumnos tenían ideas “mementeanas” para sus guiones.

11. Before Sunset (2004)
La mejor secuela de la década. Bueno, casi. 10 años después de la original, los personajes se reencuentran para darnos una lección de dialogación y ritmo. Elegante, sutil, abierta, la tensión va en aumento al punto de que al final quieres pararte de la silla a aplaudir. Esta y su predecesora, son mi romance favorito.

10. The Dark Knight (2008) de Christopher Nolan

"Guasón: Let's put a smile on that face..."

La mejor película de superhéroes que he visto. Muy adulta y muy entretenida. Toma lugar entre las grandes del género con el Superman de Donner y el Batman de Burton. Visualmente impecable y con un guión de primera. Obviamente Heath Ledger se lleva cada escena en la que aparece por delante, pero no se puede dejar por fuera el hecho de que por primera vez, matan a la chica del héroe. Por fin alguien se atrevió, ¡Cuidado Luisa Lane, Mary jane, vamos por ustedes!

09. Amelie (2001) de Jean Pierre Jeunet

Muchos la odian, yo la amo. Película favorita de millones de niñas que se ven reflejadas en esta muchacha que busca el amor a la vez que quiere hacerle bien a la humanidad. Jean Pierre Jeunet se lució en cada plano, lástima que no haya podido superarse desde entonces. Audrey Taotou me enamoró y la música de Yann Tiersen fue todo un descubrimiento. Mil veces imitada, nunca igualada.

08. Y Tu Mamá También (2002) de Alfonso Cuarón

“No hay Nada más Difícil que Vivir sin ti”…

Cualquier película capaz de hacerme amar una canción de camionetica como “Si no te hubieras ido” de Marco Antonio Soliz, es sin duda un peliculón. Recuerdo que la vi por primera vez inmediatamente después de ver Memento en un dobleshot sin precedentes como parte de un festival de cine del Trasnocho. Luego se convirtió en la película oficial de mi grupo de amigos. Alfonso Cuarón se luce, el guión es poderoso, Diego Luna y Gaél García Bernal están excelentes y Maribel Verdú se convirtió en la reina de mis sueños eróticos, tengo su nombre tatuado en mi mano derecha. Además, popularizó en Venezuela el uso de expresiones como “Pinche cabrón” o “No mames Buey”.

07. The Royal Tenembaums (2001)de Wes Anderson

"Pagoda: You son of a bitch! (Mientras apuñala y socorre a su mejor amigo en el mundo.)"
Los que disfrutamos Rushmore, amamos a los Tenembaums. La mejor película de Wes Anderson hasta la fecha, sin discusión. La historia es genial, las actuaciones portentosas, el soundtrack de colección, la dirección de arte… Todo. Es rara, emotiva y comiquísima.

6. Los Increíbles (2004)de Brad Byrd

Sip, otra vez Pixar. Era inevitable que aparecieran varias veces en la lista, ésta ha sido su década. Difícil seleccionar sólo una de sus películas (Que no lo hice), pero sin duda la que más disfruté fue esta aventura de superhéroes fracasados. Bebe de las aguas de Watchmen y las supera con creces. Cada miembro de la familia tiene su súper poder, pero cuando están juntos, son mucho más poderosos, ¡Eso es un mensaje familiar sólido! Y si no les gustan las moralejas, Los Increíbles tiene mucho para deleitarnos con su estética retro, su hondo conocimiento de las reglas del mundo de las historias de superhéroes y la mejor secuencia de acción de la década, con el pequeño Dash corriendo a mil millas por hora!!!! El soundtrack es de antología.

5. Shaun of the Dead (2004)de Edgar Wright
En estos 10 años ninguna película me hizo reír tanto como Shaun of the Dead. El guión es redondo y funciona de forma tan milimétrica como si fuera “La Importancia de Llamarse Ernesto”, ni una línea le sobra. Esta comedia de Zombies presagió el dominio de los ingleses en materia humorística durante la década, al menos para mi. No sólo te hace reír, sino que además se siente que respeta al género del que bebe. La dirección de Edgar Wright la elevó a niveles de obra maestra, alejándola de simples parodias tipo ¿Y Dónde está el policía?. ¿La mejor escena?... Tengo 2: “The Batman Soundtrack” y la pelea en el bar a ritmo de Don’t Stop me Now de Queen.

4. Ciudad de Dios (2002)de Fernando Meirelles
“!Ya no soy Dadinho, ahora mi puto nombre es Zé Pequenho!”

Todo lo que Venezuela no ha logrado en cuanto a cine de realismo social. Una película cruda y difícil de ver, pero a la vez emocionante, vibrante, divertida, emotiva y mil adjetivos más. Para mí, es la película que lleva la bandera del cine hecho en el continente. Y no los aburro elogiando la fotografía, la música o el montaje, corran a verla de nuevo y apláudanle una vez más.

3. High Fidelity (2000)de Stephen Frears

“My Dick has shit for brains”

Tal vez no haya cambiado la historia del cine, pero marcó una época de mi vida. Si alguna vez han sentido que un libro, una canción o una cinta es calcada de sus vidas, entonces sabrán por qué amo tanto esta película. Y es que la amo. John Cusack es perfecto para el rol protagónico y nunca ha estado mejor. Sus compañeros de elenco también están excelentes: Tim Robbins haciendo de patán, Catherine “hotter than ever” Zeta Jones, y claro, el baile de Jack Black al ritmo de Walkin on Sunshine. El soundtrack es brutal y la historia refleja como ninguna otra lo que pasa por la mente de los hombres con respecto a las relaciones en cierto momento de sus vidas. Gracias a esta peli sobreviví a un despecho y descubrí a Nick Hornby, uno de mis escritores favoritos.

2. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)de Michel Gondry

Everybody’s gotta learn Sometime...

El tema de Beck, la música de Jon Brion, el pelo mandarina de Kate Winslet, la mejor actuación de Jim Carrey en años, la dirección de Gondry y un sublime guión de Kauffman, hacen de esta la mejor película de amor y desamor que he visto. ¡Es perfecta!

1. La Vida de Otros (2006)de

Una “Balada para Hombres Buenos”. Una historia que parece escrita para los venezolanos. Habla de todo: Política, opresión, espionaje telefónico, arte, amor y sobre todo, la capacidad de transformación y redención de un esbirro del imperio de turno. Aún quedan hombres buenos no joda, ¡Que Poderosa Obra Maestra!

Mención honorífica merecen:
Persepolis (2007), Malena (2000), Match Point (2005), Crouching tigger, Hidden Dragon (2000), No Country for Old Men (2007), Buscando a Nemo (2003), The Diving Bell and the Butterfly (2007), Children of Men (2006), Chicago (2002), Hable con Ella (2002), Slumdog Millionare (2008), El Laberinto del Fauno (2006), A History of Violence (2005), Amores Perros (2000), Bowling for Columbine (2002), Spirited Away (2001), Traffic (2000), Touching the Void (2003), Being John Malkovich (2000), Let the Right one In (2008), 4 Meses, 3 Semanas y 2 Días (2007), Caché (2006), Requiem For a Dream (2000) y Munich(2006) de Steven Spielberg.

Mis Películas Favoritas del 2009 (Parte 1: Oldies)

2009-12-15T08:09:00.000-08:00

Tener un blog y no usarlo para hacer listas a final de año es un despropósito. Así que dando las tradicionales advertencias sobre lo subjetiva que es mi lista y tomando la idea del blog Farsantes al Paredón, les coloco no lo mejor del año, sino lo que más me gustó a mi, películas nuevas y viejas, porque hay que comer de todo.

La cartelera este año estubo paupérrima. Aquí no llegó ni la mitad de lo que quería ver. Afortunadamente, los buhoneros, downloads y otras fuentes alternativas de droga fílmica, sí tienen un catálogo bien amplio e interesante para salvar la patria.

Aquí, mis mejores descubrimientos del 2009:

The Night of the Hunter (1955) de Charles Laughton
Brutal. Es como un cuento de hadas macabro, donde un asesino disfrazado de pastor va tras los dos hijos de su antiguo socio en aras de recuperar un tesoro oculto. Robert Mitchum en el papel de su vida, fotografía y dirección gloriosas, historia emocionantísima. Lástima que fue la primera y única película que hizo su director.

Onibaba (1964) de Kaneto Shindô
La mujer demonio. Otra masterpiece. Dos ermitañas viven en una sabana pantanosa del Japón feudal asesinando viajeros para sobrevivir. El “equilibrio” de sus vidas se interrumpe con la llegada de un visitante que ambas desean, lo que sigue, son casi dos horas de bella fotografía, atmósferas lúgubres, asesinatos, celos y una máscara maldita.

La Conversación(1974) de Francis Ford Coppola
Increíble pensar que Coppola estrenó esto el mismo año que El Padrino 2 y compitió contra sí mismo en los Oscars. Un peliculón. Gene Hackman se gana la vida haciendo espionaje telefónico, cosa que no le enorgullece y por el contrario, es parte de la cruz que lleva a cuestas. Como es de imaginar, se entera de un crimen que lo pondrá en medio de una conspiración y de la locura. La música, la dirección y el guión son simplemente perfectos.
Aguirre: La Ira de Dios (1972) de Werner Herzog
Esta película es irrepetible. El Tirano Aguirre (Sí, el mismo conquistador español del que han leído en libros de historia y del que es increíble que no se haya hecho una película venezolana) está embarcado en una misión futil en busca de El Dorado en la selva peruana. Los valores, la moral y la humanidad quedan a un lado en el transcurso de la historia. Hecha sin efectos especiales, con un crew de 8 personas, una cámara de cine robada, un actor divo y un director psicópata, la película es increíble tanto por su historia como por su realización, por eso invito a 2 visionados, uno normal y otro con el comentario de audio del director.

Nobody’s Business (1996) de Alan Berliner
Descubrí esta peli gracias a que mi hermano se la robó por unos días a un profesor de su postgrado en Argentina. Y se la tuvo que robar, porque el tipo no quería compartirla con el mundo. Bastardo egoísta. ¡Las vainas buenas hay que compartirlas! Este documental es un tesoro en cuanto a formas, ritmo, sencillez y humanidad. ¿De que trata? Pues básicamente el documentalista le hace un relato de vida a su propio padre, algo que a nadie habría de interesar si la película no fuera la obra maestra que es. Joeux Noel (2005) de Christian Carion
Tenía años esperando la llegada de un cuento de navidad capaz de opacar al tradicional Sr. Scrooge. Noche de Paz lo logró por fin. Durante la primera guerra mundial, en las trincheras, franceses, alemanes y británicos combaten a muerte, pero la noche de navidad, deciden hacer una breve tregua que propiciará el encuentro con “el otro”.
Lust Caution (2007) de Ang Lee
Creo que es la mejor película que vi en el 2009. Una joven de Shangai se mete de lleno a una conspiración para planear el asesinato de un influyente político durante la Segunda Guerra Mundial. El plan es conquistarlo y matarlo, pero se enamorará de él. Tarda un poco en arrancar, pero una vez que lo hace, no para. La música de Alexandre Desplat es el mejor soundtrack que he oído este año, las actuaciones impecables y la dirección, como siempre, magistral. La Ola (2008) de Dennis Gansel Sí, tiene momentos algo predecibles y melodramáticos, pero aún así, es la película que todo venezolano debe ver. Quisiera poder regalar copias gratuitas a la salida del metro o en las colas de la autopista. Está basada (vagamente) en un experimento real. Como sea, en un aula de clases de una escuela alemana, un profesor se propone dar un curso sobre el totalitarismo. Los alumnos, escépticos, juran y perjuran que un movimiento como el nazismo no puede repetirse, que su generación está curada de los vicios de los ancestros. Pero, ¡Taran!... Las dictaduras evolucionan y también sus maneras de meterse en la piel de las personas. ¡Impelable!

Let the Right One In (2008) de Tomas Alfredson
Corran a verla antes de que llegue su innecesario, efectista y seguramente embrutecedor remake. En una línea, es la historia de un niño sometido que se enamora de una vampirita. Pero es mucho más. Olvídense de porquerías como Crepúsculo. Esto es cine de verdad, elegante, intenso y cerebral.
4 Meses, 3 semanas y 2 Días (2007) de Cristian Mungiu
Esto es casi una película de terror. Una mujer ayuda a su amiga a hacerse un aborto en la Romania comunista de los años 80. Lo que verán aquí son 90 minutos de angustia, filmados prácticamente en puros planos secuencia, sumamente austeros y sumamente reales. De hecho, hay momentos en que la película se siente como si transcurriera en tiempo real. Las actuaciones son impecables y la experiencia difícil de repetir. Una obra maestra.

En el próximo post, mis películas favoritas hechas en el 2009. See yap!

Ganadores del Che Che de Oro a lo Mejor del Cine Venezolano 2009

2009-12-14T13:25:00.000-08:00

¿Cuántos de ustedes vieron Domingo de Resurrección?

La película de César Bolívar es una de las más recordadas del cine venezolano (al menos para algunos). Confieso que nunca la había visto, pero hace unos meses la encontré en un puestito de buhoneros de Bellas Artes y finalmente saldé mi deuda con este clásico del cine venezolano.

Les debo el review, lo sé, pero traigo la película a colación por uno de sus personajes: Che Che, el niño empanadero que quería una abuela y que cuando por fin la encuentra, consigue una anciana muerta.

Bueno, Che Che me prestó su nombre para bautizar el codiciado y prestigioso galardón que este blog otorgará anualmente a lo mejor (por decir algo) del cine venezolano. Completamente subjetivo y desprovisto de un jurado crítico perteneciente al gremio, este premio pretende hacer gala de la inexistencia de contactos, afectos y jaladeras de bolas a la que suelen someterse los cineastas venezolanos al momento de ofrecer su opinión sobre las piezas de colegas.

Siendo esta la primera edición, dejo la puerta abierta para sugerencias y recomendaciones. La muestra de películas en competencia se reduce únicamente a las películas que se exhibieron en salas comerciales y obviamente, sólo a las que pude ver.

La sección de comentarios está abierta para sugerencias y votaciones. Sin más preámbulos, con ustedes, los nominados, los comentarios y los ganadores:

Mejor Música Original:
En Venezuela no hay un John Williams ni un Phillip Glass. Sí, hay gente talentosa como Nascuy Linares, pero nuestras bandas sonoras no han sido precisamente memorables. De hecho, siento que adolecen de efectismo y barroquismo. A pesar de ello, escuché comentarios sobre la música de 3 películas, nuestras nominadas:

Francisco Cabrujas por Zamora Tierra y Hombres Libres.
Sonidos épicos que en ocaciones dejaron colar notas del himno nacional. No estubo mal.

José Vinicio Adames por Venezzia
Contiene ritmos y arreglos dizque inspirados en el Contrapunteo Venezolano, pero en general, es bastante repetitiva, melosa y monótona. Durante la etapa de promoción, se hizo alarde de que la música había sido producida por el mismo productor de Bon Jovi. Como si eso fuera algo bueno.

Oswaldo Montes por Un Lugar Lejano
Este compositor argentino sí supo colocar la música donde había que ponerla. Pràcticamente todo fue trabajado en piano, con temas simples que entraban y salían donde era. De los mejores sin duda, sólo que para mí...

El ganador del Che Che de oro a la Mejor Música original fue...

Grupo Fosforera por Macuro Estos panas también supieron usar la música donde era y cuando era. No nos aburrieron tratando de robarle protagonismo a las imágenes y fue hecha con instrumentos venezolanos, una perfecta elección considerando el aire costumbrista de la producción. El tema del loquito que quería volar resuena bastante al Loco Juan Carabina de Simón Díaz. Nice Touch.

Mejor Documental: Sé que se hicieron y se proyectaron más de 2, pero estos fueron los únicos que llegaron a salas comerciales.

Swing con Son de Rafael Marziano Tinoco.

Y la ganadora...

Vino Tinto: La Película de Miguel New. (Reseñada en esta página)

Mejor Montaje:
No perderé tiempo con nominados, indiscutiblemente el mejor montaje es también para Miguel New, quien se fajó en comprimir 6 años de grabaciones en Vino Tinto: La Película, dando como resultado la película venezolana más vibrante del año.

Mejor Fotografía:
En esta categoría, ante mis ojos, sólo 2 películas se destacaron, ambas, rodadas en 35 mm:

Oscar Pérez por Un Lugar Lejano
Quien fotografió de forma competente los paisajes nevados de la pampa argentina y de Galicia. Ojo, no comamos mierda con los paisajes, hay lugares en el mundo donde si se te dispara la cámara sola, te sale una buena foto, en Un Lugar Lejano, hay mucho más que eso. Lástima los insólitos y repetitivos fuera de foco, que dejaron como indicutible...

Ganador del Che Che Dorado a la Mejor Fotografía a...

Cezary Jaworski por Día Naranja
Simplemente porque la película se ve muy bien en cámra. No derrocha originalidad, pero es la más competente de todas las cintas del año. La película se ve muy bien en pantalla.

Mejor Campaña Promocional:

Macuro. Chiste malo. Viendo la forma en la que La Villa del Cine promocionó una de las mejores películas venezolanas del año, todos aprendimos lo que NO se debe hacer para vender una cinta. Es como si nunca hubiera sido estrenada

Vino tinto: La Película. Los panas pusieron el trailer antes de Harry Potter. Medio mundo lo vió en el cine y se enteró de la existencia de la película. También tuvieron 2 teaser posters (Palabras mayores en el cine nacional) y un afiche oficial.

Día Naranja. Tuvo una campaña más viral. Muy buen trailer, avisos en periódicos, tiendas y hasta una valla en la autopista.

Venezzia. Los productores se valieron de grandes nombres en el elenco, un trailer de cine narrado por el locutor oficial de las películas hollywodenses y el club de fans del ex RBD protagonista para atraer gente a la sala. Y les funcionó, Venezzia fue la película venezolana más taquillera del año.

Pero el gran ganador del Che Che de Oro a la Mejor Campaña Promocional fue...

Son de la Calle. Primero pusieron a rodar el tema principal de la película en las radios, luego vino un video clip que rodó por varios cines, después un trailer y algunas entrevistas en prensa y más recientemente, tapizaron los vidrios traseros de los autobuses prometiendo el estreno para el 10 de Diciembre. Lástima que la película no se estrenó (aparentemente, según me dijeron) por las demandas y protestas de varios de los actores a los que no se les ha pagado, la peli está engavetada, pero al menos ya todos saben que existe.

Mejor Actriz: Esta categoría habría que declararla desierta si fuera sólo para actrices venezolanas, este no fue su año. Las extrangeras, en cambio...

Monica Pasqualotto por A mi me Gusta
Sólo por ponerla. La película fue infame y su actuación, televisiva y mala.

Ruddy Rodríguez por Venezzia
Los dedos me duelen de sólo escribirla. Su interpretación de una ingenua y oprimida cieguita is the stuff novelas are made off. Afortunadamente, mostró una teta y se redimió con esta lista.

Bernarda Pages, la argentina de Día Naranja Harina de otro costal. No sólo tuvo la "mejor" de las tres historias de la película, sino que realmente se le creía lo que decía. Muy bien.

Pero la Ganadora del Che Che de Oro a la Mejor Actriz es...

Marcela Kloosterboer, otra argentina, por Un Lugar Lejano A ella le creí todo. No exagera a pesar de estar parada en los pantanosos terrenos del melorama. Además es preciosa.

Mejor Actor: Por el contrario, aquí sí hubo pelea. De pana, es una de las categorías más reñidas de esta primera edición del codiciadísimo Che Che de Oro.

Alexander Solórzano por Zamora: Tierra y Hombres Libres Muy bueno. Lleno de energía, no canta y llevó el peso de las 3 horas de panfleto completicas.

Gonzalo Cubero por Macuro Para mi, uno de los mejores actores del país. Su físico lo hace perfecto para interpretar al "Hombre Común" de los pueblos venezolanos. En Macuro, se luce.

Alfonso Herrera por Venezzia Sin duda fue lo mejor, por no decir lo único, de la película. Excelente.

Pero el ganador del Che Che de Oro al Mejor Actor es...

Erich Wildpret por Un Lugar Lejano Predecible??? NO! El pana se fajó, se le cree lo que dice, hizo un gran trabajo.

Mejor Guión venezolano: Por puro formalismo.

Zamora: Tierras y hombres Libres de Luis Britto García Detrás de este instrumento político hubo un trabajo de investigación para tratar de reivindicar la imagen de Zamora y convertirlo en un panfleto político fácil de digerir para mentes débiles. Para colmo, ni siquiera es entretenida.

Un Lugar Lejano de Fernando Butazzonni y J.R. Novoa(Adaptado) No es mi tipo de historia, pero está ahí, bien hecha, con sus muñecas rusas y todo, con mil posibles significados para quien quiera ponerse intenso. Lamentablemente, siento que no aporta nada.

Libertador Morales: El Justiciero de Efterpi Charalambidis Con unos cuantos momentos divertidos y muy venezolanos, es prçácticamente la única apuesta por la comedia 100% venezolana en nuestra filmografía del 2009. Bien intencionado a pesar de sus múltiples debilidades.

Y el Ganador es...

Macuro de Hernán Jabes La historia es redonda, apolítica, creíble y efectiva. Tal Vez por eso no la vió casi nadie.
Mejor Director de película venezolana:

J. R Novoa por Un Lugar Lejano Una puesta en escena sobria y competente, buenas actuaciones y el hecho de filmar casi todo con austeridad y simpleza en exteriores de la Patagonia y Galicia. Lo mejor, es que no parece una película suya.

Román Chalbaud por Zamora: Tierra y Hombres Libres La épica de la lista. Intenta emular el estilo de pelis como Corazón Valiente, con una producción pomposa, cientos de extras y efectos especiales.

Alejandra Szeplaki por Día Naranja La directora rodó su ópera prima en 3 ciudades diferentes del continente, con 3 crews distintos y después lo coloreó todo con efectos especiales.

Y el ganador del Che Che de Oro al Mejor Director es... !Un Empate!!! No pude decidirme entre...

Miguel New por Vino Tinto: La Película Este pana y su equipo siguieron durante 6 años a la vino tinto, financiados por sus propios medios, para después llevar cientos de horas de material en bruto, a apenas 90 minutos de pura emoción, la película te pasea por la risa, la alegría del triunfo y la amargura de la derrota. No es perfecta, pero es la que de verdad despertó reacciones en los espectadores. Emocionar no es cosa fácil.

Y comparte el premio con...

Hernán Jabes por Macuro La peli es sencilla, pero redonda. Cumple con lo que se propone con creces, gran parte del elenco eran personas reales que jamás habían actuado y en general, todas las actuaciones están excelentes. Además tiene una secuencia tremenda con peñeros.

Mejor película venezolana:
La cantidad de estrenos al año es tan limitada, que da dolor dejar por fuera a prácticamente la mitad por pura formalidad. Coloco pues la muestra completa de películas exhibidas. Si el Oscar aumentó sus nominados a 10, en Caquepolis también no joda !!!

Zamora: Tierras y Hombres Libres de Román Chalbaud
Día Naranja de Alejandra Szeplaki
Vino Tinto: La Película de Miguel New
Un Lugar Lejano de José Ramón Novoa
A Mi Me Gusta de Ralph Kinnard
Swing con Son de Rafael Marziano Tinoco
El Infierno Perfecto de Leonardo Henríquez
Venezzia de Haik Gazarian
Libertador Morales: El Justiciero de Efterpis Charalambidis

Y la Gran ganadora de este año a la Mejor Película Venezolana, con 4 estatuillas Che Che de Oro es...

Macuro de Hernán Jabes
El próximo año, una nueva entrega de El Che Che de Oro...

Festival de Cortometrajes Chorts 09: Un palazo!!!

2009-12-12T14:06:00.000-08:00

Ayer, luego de 3 noches de proyecciones, concluyó el primer Festival de Cortometrajes de Caracas Chorts 09 en la Sala 2 del CELARG. La iniciativa de la gente del Laboratorio audiovisual Bajo La Manga fue para quitarse el sombrero, no sólo por el mega codiciado premio (cerca de 120 palos en servicios de producción para realizar un nuevo cortometraje), sino también por haber dado forma a un evento bien organizado para difundir cortometrajes venezolanos y abrir un espacio de encuentro entre realizadores y cinéfilos.

Y aunque suena a cliché periodistico, hubo encuentro. Tener un corto engavetado, es como no tenerlo, los asistentes pudimos ver 17 de los 70 cortometrajes que respondieron a la convocatoria y que lograron entrar a la selección oficial. Luego de ver casi todo, uno respira como aliviado por la energía, buena vibra y nuevos bríos de los cineastas emergentes. Cada director presentó su corto antes de exhibirlo y a la salida, se pudo compartir con ellos impresiones, críticas y elogios. Además la entrega de premios tuvo hasta sus discursitos de Oscar para presentar cada categoría. Masajes de ego aparte, pienso que todo esto hace falta y es necesario en nuestro país.

El jurado lo conformaron: John Petrizzelli, Rodolfo Cova, David Gyula y Nathan Collet. No la tiuvieron nada fácil, de verdad hubo trabajos muy interesantes. Aquí un breve repaso:

LA NOCHE BUENA DE PACO Y MANOLO de Alejandro Furth; Dos "venezolanos en Hollywood" pasan la noche buena en un bar quejandose de su suerte, recordando los tiempos en Venezuela y dejando pasar las oportunidades. Muy divertido y muy bien filmado.

¿QUÉ HE HECHO YO PARA MERECER UNA JOYITA COMO TÚ? de Gabriel Ordóñez;
Este me lo pelé. Me agarró cola.

LIBRE de Gustavo Rondón;
Dos presos escapan de su situación imaginando que la grieta en la pared de enfrente es una playa. Juegan a hacer sombras con sus deditos y ponen en duda su sexualidad con sus caras. Bastante cursi para mi gusto, pero no esta mal. Se llevaron el premio al mejor sonido.

QUÉDATE de Alfredo Hueck;

Batalla mental entre un pana y su alter ego por echarle los perros a una chama con la que comparten autobus. Divertido a ratos, fue realizado para Proyecto 48 y se llevó el premio de Mejor montaje.

LA UVA de Alexandra Henao;

Augusto Galíndez e Irabé mejías (Ganadora del premio a la mejor actriz) habitan un mundo post apocalíptico similar al de Terry Gilliam, se odian y se necesitan, una uva se los demostrará. Fue uno de los mejores trabajos y se llevó como 4 premios, incluyendo dirección de arte.

LLUEVE de Alexis Méndez;

Inentendible, intenso, pero muy bien filmado. Se llevó el premio a la mejor fotografía.

MAR BLINDADO de Gerard W. Uzcátegui;

Gran ganador de la noche. Mejor corto y mejor corto de ficción, mejor guión, mejor director y mejor actor para Luigi Sciamanna, haciendo de Luigi Sciamanna disfrazado de vigilante de banco.

JESÚS TV. de Héctor Orbegoso Rivera y Gastón Goldmann;

Otro de los mejores y sin duda el más aplaudido. Jesús vuelve a la tierra para recobrar la popularidad que tuvo hace 2000 años. La mejor manera de hacerlo es con un reality show. Se llevó el premio del público.

RITUAL de Carl Zitelmann;

Una chama le hace un "amarre" yuruba a su novio para que esten juntos toda la vida, pero la vaina le sale burda de mal. El actor Alexander Lete se llevó una mención especial y creo que está a punto de convertirse en uno de los nuevos rostros del cine nacional.

ES UN DURHOL de Melanie Wainberg y Alexandra Zerpa;

Seguía en la cola, no llegué.

CANCIÓN DE CUNA de Vladimir Vera;

Una chica es torturada por un hombre, revelando una oscura tragedia familiar. Sádico, bien actuado.

ZONA CERO de Joel Novoa;

Sacó cero. No me gustó nada este cuento de un terrorista que se arrepiente en el {ultimo minuto.

SOJA de Gabriel La Cruz;

Malditas sean todas las colas de Caracas.

ALGUIEN TE ESCUCHA de Andrea Baranenko;

Interesante documental universitario sobre una carcel Mirandina de mujeres donde las reclusas integran una orquesta sinfonica. Muy emotivo.

VIVIR DEL CACAO SIN CACAO de Alan González y Marcela Bonacic;

3 testimonios sobre una hacienda cacaotera que logró sobrevivir a las inundaciuones mirandinas del 99. Pobre y corporativo.

8 VOCES Y UN PARAPE de Diliana Díaz

9 minutos viendo nadar a una tortuga de mar bebé, mientras escuchamos impresiones de amantes y cazadores de tortugas. Interesante propuesta, pero algo débil para mi gusto.

ABSOLUCIÓN FINAL: HISTORIA DE UNA FOTOGRAFÍA de Carlos Solórzano.

Documental sobre la famosa foto del sacerdote ayudando a un soldado herido en combate, que recorrió el mundo y fue galardonada con el premio Pulitzer y el World Press, y su significado para el periodismo venezolano.

En definitiva, fue una excelente iniciativa que espero se siga repitiendo. Excelente.

Retrovisor Fílmico 2009

2009-12-10T12:19:00.000-08:00

Desde Enero hasta acá ha corrido bastante agua debajo del puente, o mejor dicho, bastante cine. Cientos de películas se estrenaron en nuestro país y algunas de las miles que no, llegaron a través de la piratería. Hubo éxitos rotundos y fracasos vomitivos. Todo lo que vale la pena recordar, está aquí.

Por mucho dinero que se haya gastado en promocionarlas, por mucho que hayan recaudado en taquilla o por muchos premios que hayan recogido, sólo un puñado de las miles de películas que se estrenaron en el 2009 quedara guardado en nuestro disco duro. Pero lo divertido del cine, es que no sólo se limita a dos horas de proyección. Hablar de cine es también hablar de las expectativas que genera un estreno, de los escándalos detrás de cámara y de los efectos que trae el visionado de una que otra cinta. Como dijo alguien una vez, “Las mejores películas comienzan cuando terminan”.

Primer Acto: Retrasos y PremioComo siempre, los primeros meses del año se caracterizaron por recibir aquellas producciones que llegaron rezagadas a nuestras pantallas por asuntos de distribución. Y es que si escasean los dólares, también lo hacen las películas en las salas venezolanas. Lo que en otros países era visto a finales del 2008, nutría nuestras carteleras en Enero y Febrero del 2009. La mayoría de estas cintas encabezaron también la temporada de premios: La Duda, Revolutionary Road, El Curioso- o más bien lamentable- Caso de Benjamín Button, Milk y aún con muchos premios y nominaciones encima, nos quedamos con ganas de ver en las salas Frost/ Nixon y The Reader, con la que por fin la actriz Kate Winslet logró llevarse su Oscar como Mejor Actriz luego de 5 nominaciones previas.
Y es que la premiación de este año fue tal vez una de las más justas en mucho tiempo. Sean Penn se llevó el segundo Oscar de su carrera por interpretar al líder homosexual Harvey Milk en, valga la redundancia, Milk; La española Penélope Cruz, también se llevó su estatuilla de la mano de Woody Allen por su trabajo en Vicky Cristina Barcelona y por primera vez desde 1977, la Academia otorgó un premio póstumo en la categoría de Mejor Actor Secundario al fallecido Guasón, Heath Ledger.
La gran ganadora de la noche fue Slumdog Millionare, que conmovió, divirtió y deslumbró a más de uno a pesar de una historia más que sencilla. La cinta de Danny Boyle se llevó 8 estatuillas por el pecho y le prendió el bombillo a Joaquín Riviera, quien se copió el número musical final de la película para el Miss Venezuela de este año.

Segundo Acto: Escándalos

Si Boyle no demandó a Riviera, fue porque se perdió el Miss Venezuela o porque seguramente tenía cosas mucho más importantes de que preocuparse, como la polémica desatada por la supuesta explotación de los niños de la calle que protagonizaron Slumdog Millionare. Los diarios sensacionalistas se dieron festín: Que si los pobres niños hindúes no habían visto la película, que si les regalaron una casa, que si les dieron una beca. El estudio aclaró los rumores y luego de que los pequeños asistieran a la ceremonia de los Oscars, todo quedó en el olvido. De hecho, varios de estos actores ya han firmado para protagonizar con reconocidos directores como M. Night Shamalyan y Woody Allen.

En España también hubo jaleo. Luego de que la última película de Pedro Almodóvar, Los Abrazos Rotos, recibiera malos comentarios del crítico del diario El País, Carlos Boyero y de su Director de Cultura, Borja Hermoso. El director manchego y sus detractores se enfrascaron en una discusión abierta por Internet en la que debatieron, a veces de manera poco elegante, sobre la manipulación, el rol de la crítica en la era de la web 2.0, la ética y los endiosamientos. Del mal rato, sólo quedó claro que la crítica ya no es unidireccional y que el criticado, de cajón, puede responder.
Pero sin duda el caso más sonado fue la detención del semidiós cinematográfico Roman Polansky, quien a pesar de sus obras maestras, oscars y demás palmares, sigue cargando la cruz de la violación que hiciera a una niña de 13 años en los años 70. A pesar de que la “víctima” dice haberlo perdonado, de haber retirado cargos y de que es públicamente conocido que Polansky no representa una amenaza para la sociedad, tendrá que ser juzgado o pagar arresto domiciliario. Mientras tanto, su nueva película, Ghost Writer, con Clive Owen y Leonardo Di Caprio, sigue paralizada esperando la resolución de la querella.

Tercer Acto: Los Batacazos

Los estrenos importantes del 2009 comenzaron a llegar en Marzo con la anticipada cinta de súper héroes Watchmen, la cual prometía ser una de las películas más taquilleras del año por la alabada reputación de la novela gráfica en la que está inspirada, pero que sin embargo, fue recibida fríamente por la taquilla y la crítica.
Lo que sí fue un palazo fue la llegada de las primeras salas con tecnología digital 3D a Venezuela. Gracias a la iniciativa de la cadena Cinex, los Cines Tolón, Recreo y Sambil pudieron brindar una experiencia sin baches de contemporaneidad con otras latitudes, ofreciendo un espectáculo catalogado por muchos como el futuro inmediato de la experiencia cinematográfica. Con lentecitos, vimos saltar de la pantalla a Monstruos Vs. Aliens, Coraline, Fuerza–G, el concierto de los Jonas Brothers, la Lluvia de Hamburguesas, Up, Los Fantasmas de Scrooge, Destino Final y por supuesto dentro de poco, lo nuevo de James Cameron, Avatar.
Ahora tengamos algo claro: La popularidad no siempre es sinónimo de calidad. Muchas veces la masa no piensa bien las cosas y se deja llevar por el furor. Esa es la única explicación que encuentro para que, Transformers: Revenge of the Fallen, se haya convertido en la película más taquillera del planeta con más de 402.076, 689 millones de dólares recaudados. El mundo está mal y esto es prueba de ello. Este comercial de juguetes y a la vez propaganda del ejército norteamericano demostró que más de 2 horas y media de acción sin sentido y la carencia de guión, no son necesariamente repelentes para las taquillas.

Otra cinta que no se peló casi nadie fue la sexta entrega de Harry Potter, El Misterio del Príncipe, que a pesar de dejar por fuera muchos elementos del libro original, fue la segunda cinta más taquillera del año. A Harry le pisó los talones en el tercer lugar de recaudación la nueva cinta de Pixar y Disney, Up. La aventura del ancianito que viaja en su casa voladora hasta los tepuyes venezolanos fue sin duda una de las mejores del año y de paso, tiene el tupé de ser la primera película animada en inaugurar el festival de Cannes, donde por cierto se llevó la Palma de Oro la alemana The White Ribbon, de Michael Haneke.

En Venezuela

Nuevamente recibimos la visita de varias estrellas de Hollywood. Además del tradicional Sean Penn o el nuevo cineasta oficial, Oliver Stone, el actor Benicio Del Toro pisó tierras venezolanas a finales de febrero para asistir a una premiere roja rojita de la película Che: El Argentino en los espacios del recién recuperado Nuevo Circo. Ni esta cinta, ni su segunda parte, han sido estrenadas para el resto del público venezolano. Paradójicamente, lo próximo que veremos de Benicio en pantalla será El Hombre Lobo, cinta que además produce, que apuesta por relanzar la franquicia capitalista de los monstruos clásicos de los Estudios Universal y que puede causar un corto circuito en quienes pensaron que el actor milita con los socialistas sólo por interpretar al Che.

Otro que vino fue el director Spike Lee, quien en el marco de las actividades culturales organizadas para la Semana de Caracas por la Alcaldía Libertador, ofreció un cine foro de su película Do The Right Thing. Creo que es primera vez que uno de los artistas de Hollywood que visita nuestro país comparte de forma tan abierta con el público sin estar enchumbado en proselitismo político. ¡Bravo!

En cuanto a los estrenos, la primera cinta venezolana del año, Swing con Son, de Rafael Marziano se estrenó en Abril. Este documental sobre la orquesta Billo’s Caracas Boys pasó sin pena ni gloria, pero no sería el único en exhibirse en salas comerciales. En Septiembre se estrenó Vino Tinto: La Película, que a lo largo de 6 años recopiló los triunfos y derrotas de nuestra selección de fútbol para presentarlos en 90 minutos de pura emoción.

Poco después comenzó a aparecer la ficción. Día Naranja, Un Lugar Lejano y Zamora, ofrecieron un festín vario pinto de los progresos del cine venezolano, pero fue Venezzia de Haik Azzarian, la que a pesar de su débil argumento consiguió la mayor recaudación de taquilla. Por su parte, Libertador Morales, de Efterpi Charalambidis, no sólo contó con una buena acogida por parte del público, sino que montado en su moto, el justiciero logró ser postulado por Venezuela para competir en la próxima entrega de los premios Oscars. ¡Que Dios nos ayude!
A vuelo de pájaro, esto es más o menos lo que pasó por los cines. Lo que me gustó, comienza mañana en un próximo bati capítulo...!See yap!

Retrovisor 2009

2009-12-09T07:25:00.000-08:00

Una de las cosas divertidas de diciembre es eso de mirar atrás, ver, escupir y celebrar sobre lo bueno y lo malo. So... Resistiendo la tentación, no voy a hablarles de las miles de colas que me calé durante el año, ni de las noticias más memorables, pero sí comienzo con éste una serie de post dedicados pues, a eso mismo, mirar para atrás, cortando y pegando varios items que redacté para las publicaciones con las que colaboré en el 2009. Las listas las dejo para un próximo post.

Michael Jackson Resucitó

Oficialmente y sin avisar, se murió el 25 de Junio, pero lo que vino después fue sin duda una resurrección. Hace un par de años, la popularidad del Rey del Pop estaba por el piso, sus discos nuevos no pegaban, el mundo se burlaba de su deforme apariencia y si se hablaba de pederastas, probablemente su nombre hubiera salido en la conversación. Pero uno no sabe lo que tiene hasta que lo pierde. Como un balde de agua fría su muerte estremeció a medio mundo y se convirtió en la noticia del año pues aún hoy, seis meses después, se sigue hablando del hecho como si hubiera sido ayer.
En cuestión de segundos su muerte desplazó de los titulares a la actriz Farraw Fawcet que había muerto la noche anterior; Miles de kilómetros de prensa generó todo lo que vino luego, y lo que vino, no fue más que una resurección: Prensa, tele, películas, discos, juguetes. Que asco todo. Como guinda del helado, el primer niño que lo acusó de abuso sexual, 16 años después, dijo que todo era mentira, que el cantante era inocente, y que mintió porque su padre le obligó a hacerlo para gozar del dinero que, efectivamente, el artista pagó a cambio de evitar el juicio. En Noviembre, este “padre ejemplar” creyendo que los fans de Jackson le perseguían y luego de varias cirugías plásticas que lo dejaron irreconocible, se voló los sesos. Uhmm. Y después dicen que Michael era loco.
A mi lo que más me afectó de todo esto, es que Michael murió el mismo día que mi perro Amadeus, por quien brindo en este momento.

Barack Obama, un Negro en la Casa Blanca.

Odio la palabra “Afroamericano”, me parece ridícula y hasta acomplejada. Así que digamos las cosas como son: Obama es negro de aquí a Barlovento y no hay nada malo con eso. Además y sobretodo, desde el 20 de Enero del 2009 tomó posesión del poder y se convirtió oficialmente en el cuadragésimo cuarto presidente de los Estados Unidos.
Es probablemente el presidente más popular en la historia de su país, y es que el negro es puro carisma. Sus primeras acciones en el poder fueron en contra de las políticas del travieso Bush, eliminó muchas de sus leyes, sobretodo en lo referente a Iraq e introdujo muchas otras nuevas. Ordenó el cierre del centro de detención de Guantánamo, promovió la ley de Equidad Salarial, respaldó las medidas de su gobierno para reactivar el crecimiento económico ante la crisis y solicitó al Congreso la aprobación de una reforma sanitaria, que busca ampliar la cobertura médica a todos los ciudadanos estadounidenses.
Ya cerrando el año, en Octubre, le fue concedido un polémico Premio Nobel de la Paz por sus esfuerzos hacia el desarme nuclear que a muchos pareció prematuro y a otros inadecuado, pues la guerra en Irak aún sigue cobrando vidas. Como dijo mi amigo Riera: "El próximo año me daran un nobel por los libros que aún no he escrito".

Pandemia Porcina, digo, A (H1N1)
A partir de abril, tener fiebre, tos, dolor de garganta, de cabeza, vómito o diarrea, era motivo suficiente para entrar en pánico. En el imaginario colectivo, ya no habían virosis comunes, si sentías alguno de estos síntomas, tenías Gripe Porcina y estabas condenado. Bueno, ni tan calvo ni con dos pelucas. La mutación de dos cepas porcinas y una humana, dio origen a un nuevo y temible virus que se propagó velozmente por el mundo y cobró centenares de vidas.
Todo comenzó en un pueblito cercano a una granja de cerdos en Veracruz, México. La mayoría de los primeros afectados terminaron siendo víctimas fatales y con la propagación del virus, comenzó la paranoia. Todo México pagó los platos rotos, bromas pesadas sobre la salubridad del país, cierre de vuelos internacionales, disminución considerable del turismo y pérdidas millonarias, fueron sólo el principio. Después vinieron los tapabocas, la discriminación a los enfermos y la reducción del consumo de carne de cerdo.
Afortunadamente, ni la carne de cerdo ni los mexicanos eran culpables de la pandemia. El nombre de la gripe se cambió de Porcina a A (H1N1) para evitar la quiebra de quienes viven de la carne de puerco; aunque el virus llegó prácticamente a todas partes, los índices de mortalidad disminuyeron y finalmente se comenzó a producir la vacuna. Eso sí, la futura evolución del virus es impredecible.

Calle 13: La Irreverencia por la Irreverencia
¿Se la comieron? ¿Pusieron la torta? ¿Pasó algo de peso realmente después? Las opiniones sobre las franelas de Residente en la última entrega de los premios MTV latinos dispararon horas infinitas de tertulias sobre si sus mensajes incendiarios cumplieron o no el objetivo del cantante. Yo me pregunto, en caso de que lo hubiera, ¿Cuál fue realmente ese objetivo? Más allá de la irreverencia por la irreverencia, no veo ninguno.
Si era lograr aparecer en los titulares de prensa del mundo para vender más discos, lo lograron. Si era dar posición sobre sus apetencias políticas, pues espero que den continuidad a sus acciones para que la cosa no se quede sólo en palabras. La franela “Mercedes x 100pre” fue mi favorita, en alusión a la recién fallecida cantante argentina Mercedes Sosa, quien por cierto grabó con ellos un tema para su último álbum, Cantora. La de "Chávez nominado mejor artista pop”, tuvo interpretaciones dobles en Venezuela y finalmente, fue premiada con una presentación por cuenta de "El Rey" en La Carlota.

El Rey Desnudo

De Chávez se pueden escribir mil libros. En el 2009, hizo y deshizo a su voluntad como es habitual. Una de sus anécdotas más desoladoras, para no caer en el agua, la luz, los bancos, los conflictos con Colombia, la desaparición del cupo CADIVI, la alianza con Irán, la prohibvici´pon de juegos de video, el cierre de emisoras de radio, la toma del Ateneo de Caracas, etc, etc, etc.... (Aliento)... Fue su llegada a la alfombra roja del Festival de Cine de Venecia para la premiere del documental del nuevo cineasta oficial (Con permiso de Chalbaud) Oliver Stone, Al Sur de la Frontera. Como una estrella de cine, fue fotografiado con otras estrellas de la farándula para promocionar la película que busca ilustrar los cambios radicales que están ocurriendo en Sudamérica y responder a los ataques contra Chávez de parte de los medios de comunicación estadounidenses. Tanto chavistas, como opositores, esperan la película con ansias en Venezuela para qué tan verás es la cosa. Alguien que ya la vió, me dice que era justo lo que esperaba: "Otro panfleto facilista visto desde lejos por un director de izquierda que hace rato dejó de ser interesante".

!Yo muero por verla, joder!

Mañana, vamos por el cine del 2009. Las listas, como dije, más adelante...

¡Muerte a los Mensajes Navideños de la TV Venezolana!

2009-12-02T13:39:00.000-08:00

Primero aclaro que no soy un Grinch. Me encanta la navidad. Pero si hay una cosa que no soporto, son los trasnochados mensajes navideños con los que año tras año los canales de televisión siguen deseándonos felices pascuas.

¡Señores, no queremos que nos deseen feliz navidad! ¡Eran felices hasta que llegaron ustedes con su cuña!

Son como hermanitos pequeños del Miss Venezuela. Kitsch, barrocos, desmesurados e igual de infames. Y aún así, por un misterio inexplicable, suelen ser la segunda cita obligada de quienes aún siguen nuestra malograda pantalla chica.

¿Tradición o mala costumbre?

Para mi los mensajes navideños son vestigios de una época que ya pasó, en la que la televisión no sólo dictaba la pauta de nuestras jóvenes vidas, sino que realmente representaba un punto de unión del colectivo. De bolas, nada más había 3 canales. Una cuña nueva era un suceso. Hoy en día conseguir ese efecto es mil veces más difícil si se toma en cuenta que el cable y la Internet están matando la televisión tradicional tal y como la conocemos.

Por eso me parece increíble, anacrónico y absolutamente trasnochado, que los canales sigan gastando esfuerzos y recursos (porque neuronas no gastan) en producir estas piezas de absoluto mal gusto y que cada vez más se alejan del tema navideño para hablar de nacionalismo y cualquier otra pendejada que esté de moda. ¿Qué exagero? ¿Qué soy un amargado?
Échenle un ojo a este “adelanto” de la cuña de navidad de Venevisión:

La letra de la canción – Porque siempre tiene que haber una canción para que los “talentos” del canal doblen y bailen como idiotas- es del reggaetonero Nacho (Sí, el de Chino y Nacho) y la estrella del mensaje, será la Miss Universo Estefanía Fernández, quien le escribe una carta al Niño Jesús cuando de pronto un grupo de niños se acerca y le pregunta:

- ¿Cuando eras pequeña le pediste al Niño ser Miss Venezuela?.
Y la reina responde:
- “Sí, y también tenía la ilusión de que me trajera la corona de Miss Universo”.

¡Dios!

El director de la cuña dice que este año usaran niños en lugar de cantantes, dizque para “renovar el concepto”. ¡¿Cuál concepto cabrón?!De seguro veremos desfilar un sin fin de momias de otra era y si son fieles a la tradición, la cuña cerrará con el ballet de Venevisión o Yolanda Moreno, meneando las faldas hasta el gran final con fuegos artificiales y una larga nota musical: “Es el mensaje de Venevisiónnnnnnnnnnnnnnnnnnn…!Tam!”El costo promedio de una de estas cuñas es de 500 millones de bolívares viejos. Y eso si no viajan al interior como hemos visto en años pasados. La de RCTV la dirige Popy y la de Televen… La estoy sufriendo en carne propia, ya hablaré de esta experiencia única en otro post.
Mi teoría es que mucha gente recuerda con nostalgia los mensajes navideños porque los remontan a su propia niñez, a los “good old days”, pero no porque hayan sido piezas verdaderamente memorables de televisión. Todo lo contrario. La producción era ranchua y los conceptos eran repetitivos o súper cursis. Dudo que exista un venezolano mayor de 20 años que no se sepa un pedazo de “Estamos Contentos, contigo, con todos…”, pero volver a ver un mensaje de los 80 de RCTV es tan doloroso como volver a ver un capítulo de Mazinger Z en la actualidad, uno termina preguntándose “¿Cómo me podía gustar esta mierda?”
Y ojo, no lo voy a negar, honor a quien honor merece, RCTV produjo sin duda los más pegajosos mensajes de su era por allá a principios de los 80. Época de una Venezuela inocente y muy hermosa, al menos en mi mente de niño.
Es mejor quedarse con los buenos recuerdos y ya, de una vez, dejarlos ir. Los Mensajes Navideños son piezas de museo, la época en la que la gente comparaba la calidad de un canal con respecto a otro sólo por la calidad de la cuña ya pasó; Si antes se veían las cuñas para ver artistas que nunca habíamos visto en todo el año o para saber qué artista cambió de canal, hoy las vemos sólo para ver cuál de aquellos artistas de nuestra niñez sigue trabajando o sigue con vida.

Erich Wildpret, Corta la Lejanía

2009-11-19T12:46:00.000-08:00

He estado posteargando esta nueva entrada en aras de entrevistar al director José Ramón Novoa, responsable del último estreno venezolano del año, Un Lugar Lejano. Pero no lo soporto más, me cansé de esperar. Así que mientras aparece "El Don", le entramos a la película de retruque con la entrevista que realicé para la Revista Sala de Espera al protagonista del filme, Erich Wildpret. Un tipo que no suele encabezar titulares de prensa escandalosos, no da declaraciones polémicas, ni convierte su vida sentimental en un circo al alcance de todos. Su presencia en los tabloides es tan intermitente como la aparición de películas venezolanas en cartelera, que aunque pocas, hacen de Erich uno de los talentos más solicitados del cine nacional.
Dicen que le gusta el anonimato. Que es reclusivo, intenso. Personalmente encuentro estos juicios contradictorios, pues a mí entender, en su mayoría, un actor es alguien que en el fondo (y en la superficie) disfruta de ser visto. De lo contrario no se pararía frente a una audiencia para que lo vean miles de personas, ¿No? Así que si de adjetivos se trata, prefiero tildar a Erich Wildpret de actor profesional. Uno de verdad. Formado en las tablas de teatro y no en los gimnasios o pasarelas. Que se muestra y trabaja sólo en función de los personajes que interpreta y no de su imagen ante el público. Que se compromete primero con las ideas y energías de lo que va a interpretar. ¿Intenso? Sin duda, pero poco le importa.

“No sé trabajar de otra manera. Me encantaría tener otra forma de trabajar, pero no puedo. Hay actores que pueden manejar mil cosas a la vez sin que eso implique un detrimento de su trabajo y eso me encanta. Yo no puedo.” Comenta Wildpert.

-¿Qué no estarías dispuesto a hacer como actor?
- “Si no hay compromiso con la historia, no se le dice nada a nadie y es más un tema de mercado, me lo pienso. Si la película es de terror y la historia tiene sentido y dice cosas con las cuales comulgo, no tengo problema. Me cuesta trabajar cuando no hay compromiso con lo que se está haciendo. Suena tal vez un poco radical, pero no es así. En cambio, cuando las personas como Elia Schneider y José Ramón Novoa, están tan comprometidos con lo que hacen, para mí es muy fácil hacer el trabajo.”

Todo un piropo si consideramos que Erich se da el lujo de rechazar las múltiples ofertas que le llegan para trabajar en televisión. Las telenovelas no son lo suyo. Para lo que no chista, es para aceptar volver a trabajar con el matrimonio responsable de crímenes como Punto y Raya, Sicario, Huelepega y El Don.

La gran diferencia con las cintas anteriores, es que en esta coproducción iberoamericana no hay ni un tirito, los barrios marginales se cambiaron por los paisajes de Galicia y la Patagonia y el elenco, es internacional: la bella Marcela Kloosterboer, el español Tristan Ulloa (quien repite en Venezuela luego de aquel barranco llamado Maroa) y por supuesto, Erich en el papel protagónico.

Su personaje, Julian, es un fotógrafo frustrado al que le acaban de descubrir un cáncer terminal. Luego de atormentarse con recuerdos, convertir su casa en un chiquero y caerle a gritos a Elba Escobar en el cameo más absurdo de su carrera, el personaje de Julián tiene una visión... Sueña con una foto que nunca ha tomado. Un trensito en medio de la nada. Con las fuerzas que le quedan, se aventura hacia ese Lugar Lejano, donde no sólo encuentra la foto, sino a una mujer y eventos inesperados que cambiarán su manera de ver el tiempo que le queda. Todo a lo largo de 2 interminables horas, de un ritmo lentísimo y de unos cuantos planos desenfocados que no tienen perdón de Dios.

“La película habla de un viaje, yo en lo personal siento que es un viaje exterior como excusa hacia un viaje interior. Nosotros siempre pensamos en el tiempo como algo que siempre está ahí. Incluso cuando se te anuncia la muerte de un familiar, cuando vez en las noticias que se cae un avión, uno piensa que esas cosas no nos suceden a nosotros. Caracas es una ciudad insegura, pero a mí no me ha tocado y sigo no tomando precauciones al respecto. No pensamos en esas cosas salvo cuando nos toca de una manera directa e inminente a la cual no podemos darle la espalda. Ese es el caso de Julian. Ël empieza a cuestionar todas las decisiones que ha tomado en su vida y se da cuenta que ninguna la hizo por las razones que para él ahora tienen significado.”
- ¿Piensas en la muerte? ¿Cuál es tu relación con ella?
- “Es muy activa. Tal vez tendría que empezar porque en este momento, no me preocupa. Capaz que me preguntas en tres meses o un año y el pánico que tengo ni te lo cuento, pero en este momento de mi vida, no. Creo que de cuando en cuando, tenemos que recordar la existencia de la muerte para ser responsables de lo que significa estar vivos.”

- ¿Y a qué le tienes miedo?
- “Sí siento temor por la ignorancia. No hablo de sabiduría, sino de ese desdén, despreocupación por el otro. Ignorar al otro, ignorar la vida de los demás y el posible efecto que uno pueda tener en ellos. El “Yoismo”. Olvidarse de lo demás voluntariamente me asusta, actualmente estamos pasando por circunstancias en el país que vienen de eso. Y tenemos que aprender de eso. Si hay algo a lo que le tengo temor es al desconocimiento del otro. Y a dar las cosas por sentado."

- Vives en Los Ángeles, tienes trabajo allá y sin embargo, prefieres trabajar en Venezuela.
- “Hacer cine en Venezuela, para mí tiene mucho sentido. Obviamente afuera las condiciones son mucho mejores, mejor producción, distribución, remuneración, un trabajo te abre las puertas de otro, sí, todo es verdad. Pero es verdad pensando sólo en las cosas que me convienen a mi. Pero allá las cosas ya están hechas, hay una industria que nosotros no tenemos. Y por eso es que para mí tiene sentido seguir haciendo cosas aquí. Porque creo que aquí estamos en esa etapa que nos define desde lo cultural, estamos reencontrándonos con lo que somos, aquí los directores literalmente hipotecan sus casas para poder financiarse su película. Eso es compromiso.

- De un tiempo para acá se te ve mucho en la pantalla.
- “Ha sido absolutamente circunstancial. Un Lugar Lejano se rodó hace dos o tres años atrás. Y tengo otros proyectos que se han rodado antes y que aún no han salido. Desautorizados de Elia Shneider, El Dïa de los Pobres de Diego Velazco, El Paraíso del Más Allá de la gente de Cinema Sur y Muerte en Alto Contraste de César Bolívar. La intención no fue la sobre exposición, sino la experiencia de trabajar con gente con la que comparto las cosas que tienen que decir.”

- Has trabajado con varios directores importantes de Venezuela, ¿Qué tienen los Novoa que los hace tan especiales como para repetir la experiencia?
- “Mi acercamiento a ellos vino primero por lo humano, antes que por su trabajo. Yo vi una obra de teatro de Elia, La Lección, que me impactó mucho y sabía que quería trabajar con ella apenas hubiera oportunidad. Cuando comenzamos a hacer cine, fue que comencé a buscar las películas de José Ramón.”
- ¿Y con qué otros cineastas venezolanos logras esa conexión?
- “Mi película venezolana favorita de todos los tiempos es Homicidio Culposo. Lo que me dijo a mi esa película en aquel momento, fue lo que me hizo querer trabajar con César Bolívar. Seguimos sin entender cuál es el lugar que ocupa nuestro cine, pero a mi esa película me dijo mucho y me ubicó. También me encanta el trabajo de Diego Rísquez, a nivel de estética está constantemente probando cosas nuevas. Jericó de Lamata es un peliculón. Son muchos. ”

“Cualquier persona que asuma el arte con compromiso y como una tribuna para intercambio de ideas, hace que me quite el sombrero. Me alejo de lo fácil que puede ser trabajar sin amor, de todo lo que va a lo mecánico. Lo otro no se ve tan a menudo. Conecto con quienes trabajan con pasión y compromiso, más allá del resultado. La pasión detrás es lo que me interesa.”

¿Lo mejor de Un Lugar Lejano?
Las actuaciones en general. Todos están excelentes, Erich nuevamente no decepciona. También tenemos la belleza de su coprotagonista, el desnudo de su ex esposa, la fotografía en 70 milímetros (a pesar de los fuera de foco) y el hecho de que el guión de la película sea una adaptación de una novela, el argumento se siente completo y redondo a pesar de no tener mucha novedad y de su falta de ritmo. También sorprende la dirección. No parece que fuera el mismo Novoa que pecó tantas veces en el pasado con películas de muy mala factura. Sólo una duda que espero disipar si logro hacerle la entrevista, ¿Se podrá seguir haciendo el mismo cine de denuncia que solía hacer Novoa en la Venezuela de la Revolución Bonita? ¿Podrá dirigir Novoa ese tipo de historias con la misma destreza que demostró en Un Lugar Lejano? !No se pierdan la próxima Bati entrevista!

This is It...¿Será realmente todo?

2009-10-29T06:28:00.003-07:00

No, aún no le toca descansar en paz. Luego de meses discerniendo sobre la causa de su muerte, de los miles de artículos escritos sobre su herencia, de reventar los ratings con las imágenes de su funeral, de su entierro y de volver a poner de moda su música, aún quedan dólares que exprimirle al difunto Rey del Pop, quien reaparece... ¿por última vez? ... en una película documental que tiene a todo el mundo vuelto loco.

Los críticos alaban la cinta, los fans lloran en la sala y ya hasta se habla de Oscar Buzz. ¿Publicidad engañosa? !Seguro que sí! Pero vaya que ha sido efectiva, pues hasta los más excépticos (como yo) están sucumbiendo ante este "evento" cinematográfico que ha sido magistralmente mercadeado.

El estreno es global y la temporada corta. Sólo durante dos semanas el público tendrá oportunidad de ver la película que recoge los ensayos de la gira que Michael Jackson preparaba antes de su muerte. Las entradas comenzaron a venderse el 27 de septiembre y estoy seguro, tal como me dijo la taquillera, que las deben haber agotado ya. Como si se tratara de un concierto, el mundo entero podrá ver por tiempo limitado lo que miles de fanáticos no pudieron sentir en vivo y directo.

Los boletos para los chous que iba a brindar Jacko en el estadio O2 Arena de Londres en Julio de este año se habían agotado en tiempo record, pero su repentina muerte dejó a un gentío con la entrada en la mano. Los venezolanos con edad suficiente pueden estar familiarizados con esa sensación de frustración, salvando las distancias claro. El 19 de noviembre de 1993, el estacionamiento del poliedro de Caracas se convertiría en el escenario del concierto más esperado de la década, el Dangerous World Tour.

Antes de pisar esta patria querida, Michael Jackson realizaría 5 conciertos en México. Las entradas más caras costaban 12 mil bolívares y las populares 5 mil, ¡Un dineral! Y aún así, la fiebre fue intensa. Comerciales de radio y televisión en cada corte, afiches pegados por toda Caracas, videos y canciones de su último disco en rotación constante, Dios, aún tengo la voz gutural del slogan retumbando en mi cabeza: “!Prepárateeeeeeeee!”Para colmo, comenzó a rodar por ahí el video de su concierto en Budapest. Uno de los espectáculos más alucinantes que se hayan hecho. Puede que no te gustara su música, pero era innegable que sus conciertos eran un chou digno de ver.

Luego de largas horas de espera, los fanáticos eran sometidos a unos minutos de oscuridad y silencio antes del inicio de la función, de pronto, una explosión infartante catapultaba al ídolo, quien salía del piso y se quedaba estático durante varios minutos sólo para ser aclamado. Quitarse los lentes o moverse brevemente generaba una nueva ola de aplausos. !Que grande!
Lo demás, eran casi dos horas de pirotecnia, bailes acrobáticos, rayos láser, música, videos muy bien diseñados, decenas de desmayadas y para cerrar, Michael simulaba ponerse un traje de la NASA que lo haría literalmente volar para dejar el escenario. Fuegos artificiales en el cielo. Lágrimas.
Con toda esa antesala, ¿Qué fanático no se ponía a salivar ante la inminente llegada del Rey a suelo venezolano? Lástima que justo allí, sin previo aviso, vino la hecatombe. Días antes de llegar a Venezuela se cancela la gira. ¡Que guayabo!
Poco después, las acusaciones de abuso sexual a menores. Para el recuerdo quedaron algunos afiches y entradas de quienes se negaron a creer que Michael Jackson no vendría nunca y mucho menos que le gustaba tocar niños.

Si lo hizo o no, parece ya no importar. El mundo entero dejó atrás los escándalos, excentricidades y cirugías, sólo para celebrar lo que verdaderamente lo convirtió en un fenómeno, su música y su baile. La fiebre de Michael reapareció más fuerte que la porcina y ahora dudo mucho que haya fanáticos que se queden sin ver This is It. La película recoge lo mejor de más de 100 horas de grabación que se tomaron durante los últimos ensayos de Jacko, varios momentos recogidos en el backstage, sus últimas palabras y pasos de baile, además de los videos realizados para el concierto, los cuales se iban a visualizar en 3D en las pantallas gigantes del estadio.

Orquestándolo todo, tanto en el escenario, como en el filme, está un verdadero diablo del espectáculo: Kenny Ortega, culpable de películas tan pavosas como Xanadú y de todo el fenómeno High School Musical, que de retruque, generaría copias criollas como Somos Tú y Yo o Isa TKM.

Aparentemente la película está muy buena, yo no pienso perdérmela. Digo, es esto, o el nuevo show de El Moreno Michael.